Mas e se eu dissesse que, dependendo de como você faz a conta, as novas queridinhas do mercado financeiro, as fintechs, estão pagando uma alíquota efetiva de imposto muito maior?

Parece loucura, mas os dados – e o conceito de incentivos – sugerem que a realidade é mais bizarra do que parece.

O sistema tributário brasileiro no setor financeiro está no centro de uma verdadeira “guerra fria” entre os gigantes (Itaú, Bradesco, etc.) e as inovadoras (Nubank, Mercado Pago, entre outras). O governo, por sua vez, tenta usar essa disputa para aumentar a arrecadação.

O Que os Bancos e os Lutadores de Sumô Têm em Comum? O Poder Oculto das Deduções

No universo das finanças brasileiras, o grande prêmio é a dedução fiscal, e o mecanismo central é o Juros sobre Capital Próprio (JCP) – uma previsão legal que permite às empresas (especialmente bancos com muito capital) pagar um valor aos seus acionistas e deduzir esse pagamento da sua base de cálculo do imposto de renda (IRPJ) e da Contribuição Social sobre o Lucro Líquido (CSLL).

• Comportamento: O banco é incentivado a usar o JCP ao máximo. Isso reduz o lucro que seria tributado, levando a uma alíquota efetiva (o imposto real pago sobre o lucro) baixa.
• O Dado Chocante: A associação Zetta (que representa grandes fintechs como Nubank e Mercado Pago) afirma: em 2024, os grandes bancos pagaram, em média, 12,2% de imposto sobre o lucro.

Por que as Fintechs Não Usam o “Pulo do Gato”?

Segundo a mesma Zetta, as maiores fintechs pagaram, em média, 29,7% de imposto.

Aqui está o cerne da questão: as fintechs, muitas vezes mais jovens, em fase de intenso investimento ou com estruturas contábeis diferentes, simplesmente não conseguem (ou escolhem não) aproveitar esses mecanismos de dedução na mesma escala que um Itaú ou um Bradesco.

A Zetta em Ação: Elas não dizem que os bancos estão trapaceando; elas dizem que a lei de incentivos favorece injustamente o incumbente, permitindo que quem tem alta renda utilize um “miríade de previsões legais” para reduzir a base de tributação, distorcendo a concorrência.

O campo de batalha foi delimitado pela associação das maiores fintechs, a Zetta.

Elas afirmam que, quando se olha a alíquota efetiva (o imposto real pago sobre o lucro), o quadro se inverte:

• Em 2024, as maiores fintechs pagaram, em média, 29,7% sobre o lucro.
• Os grandes bancos pagaram, em média, 12,2%.

Em 2023, a diferença teria sido ainda maior: 36,5% para as fintechs contra 8,9% para os bancos.

A Defesa dos Incumbentes: E o Incentivo do Custo Operacional?

Claro, a Febraban (a voz dos grandes bancos) não ficaria calada. Eles contra-atacam com seus próprios dados e argumentos sobre incentivos.

O Incentivo do Risco: A Febraban afirma que bancos são submetidos a obrigações mais caras que a concorrência, como exigências de alto volume de capital (para garantir operações) e linhas de crédito menos lucrativas (como o crédito imobiliário, por anos a fio). Eles pagam impostos adiantados sobre empréstimos que podem terminar em inadimplência.

O Fator PIS/Cofins (Os Impostos Invisíveis): O grande “truque” dos bancos é apontar para os impostos que as fintechs ignoram: PIS/Cofins.

• Bancos pagam 4,65% sobre o spread (a diferença entre o que cobram e o que pagam).
• Muitas fintechs pagam 4,65% sobre a receita bruta ou até 9,25% em certas operações.

O Veredito do Tributarista: Para alguns especialistas, mesmo com a alíquota de IRPJ/CSLL parecendo menor para os bancos (graças ao JCP), a soma dos tributos indiretos pode tornar o quadro fiscal mais oneroso para as fintechs. É uma compensação oculta.

O Incentivo do Governo: Se Há Disputa, Há Oportunidade

O governo Lula observou a briga e viu uma placa de “Oportunidade de Receita”.

O incentivo do governo é simples: se duas empresas que fazem o mesmo pagam impostos diferentes, o caminho mais fácil é forçar a equiparação para cima e arrecadar mais.

A Medida Provisória 1303, embora fracassada, tentou aumentar a CSLL das fintechs para 20% (igualando-as aos bancos), na esperança de adicionar R$ 1,6 bilhão aos cofres públicos. A mensagem é clara: o ministro da Fazenda está trabalhando em um novo projeto.

O Efeito Colateral Não Intencional:

Se o governo aumentar significativamente a carga tributária das fintechs, a consequência pode ser perversa:

1. Fim da Concorrência: O aumento pode sufocar as margens das fintechs, dificultando a competição com os grandes bancos.
2. Menos Inovação: Menos incentivo para inovar, o que pode frear a redução de custos e taxas que o setor digital trouxe para o consumidor.

No final, essa não é uma história sobre certo ou errado, mas sobre incentivos competindo. Os dados da Zetta mostram o efeito do JCP. Os dados da Febraban mostram o peso do PIS/Cofins e das obrigações regulatórias.

A verdadeira questão econômica é: a quem o sistema quer recompensar, o gigante estabelecido ou o novo disruptor? E o mais importante: qual modelo de incentivos é melhor para você, o consumidor?

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A descoberta desses sinais de vida potenciais foi baseada na detecção de moléculas carbonadas na atmosfera do planeta, incluindo metano e C2, bem como uma possível presença de dimetil sulfeto, uma molécula associada à vida na Terra. O professor Madhusudhan, líder deste estudo, compartilhou detalhes fascinantes sobre essa descoberta e suas implicações.

A detecção dessas moléculas, especialmente do dimetil sulfeto, despertou o interesse da comunidade científica devido ao seu potencial como biomarcador, indicando a presença de vida em outros planetas. Enquanto a análise dos dados está em andamento, o professor Madhusudhan expressou cauteloso otimismo sobre a possibilidade de vida extraterrestre, estimando as chances em 50/50 com base nas evidências disponíveis e nas teorias existentes. Essa descoberta, se confirmada, representaria um marco significativo na busca por vida fora do nosso sistema solar.

O processo de pesquisa e análise desses dados envolve um rigor científico extremo, com meses de trabalho dedicado à verificação e confirmação dos resultados. Para o professor Madhusudhan e sua equipe, a responsabilidade de apresentar descobertas tão monumentais é acompanhada pela necessidade de garantir a precisão e a validade dos dados. O impacto potencial dessa descoberta transcende os limites da astrofísica, pois coloca a humanidade diante da possibilidade de responder a uma das questões mais antigas e profundas: estamos sozinhos no universo?

Ao discutir sua reação inicial à descoberta potencial de vida alienígena, o professor Madhusudhan compartilhou sua experiência de uma semana de insônia, refletindo sobre a enormidade do que poderia estar em jogo. No entanto, ele enfatizou a importância de proceder com cautela e método científico, reconhecendo que cada passo em direção à verdade é significativo, mesmo que não leve a uma conclusão imediata e definitiva.

À medida que a comunidade científica aguarda os resultados finais da análise dos dados do Telescópio Espacial James Webb, o professor Madhusudhan enfatiza a importância do processo gradual e meticuloso de busca por respostas. Embora a descoberta de vida extraterrestre não seja garantida, cada avanço científico nos aproxima da compreensão do nosso lugar no universo e da possibilidade de encontrar companhia em outros mundos distantes.

A ciência frequentemente confronta questões complexas e desconhecidas e é trabalho dos pesquisadores – como o professor Madhusudhan – nos lembra da beleza e da importância da busca pelo conhecimento. Independentemente do resultado final, a jornada científica em direção à descoberta de vida além da Terra continua a inspirar e fascinar pessoas ao redor do mundo.

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O show foi indicado para a categoria entretenimento do Adolf Grimme Awards em 2007 e 2008. Schlag den Raab ganhou o Deutscher Fernsehpreis de Melhor Programa de Entretenimento em 2007, ganhou um Goldene Kamera na categoria Entretenimento em 2008. Várias adaptações de videogame do programa foram lançadas para as plataformas Nintendo Wii, PlayStation 3 e Microsoft Windows, além de como inúmeras versões de um jogo de tabuleiro.

Quando a gente estudo um idioma estrangeiro a gente passa a ter acesso a outras culturas e histórias. Sou muito grato a isso, porque me gerou momentos de diversão entre um exercício de gramática e outro. Olha só que absurdo!

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É possível que a maioria de vocês, leitores, já tenha assistido a filmes italianos, franceses, alemães e espanhóis. Mas o velho continente é muito vasto e repleto de diversidade. Cada país tem suas peculiaridades, seus costumes e o cinema é uma fantástica porta para o conhecimento e aprendizado sobre esse povo tão rico em cultura.

Pesquisem sobre a sétima arte na Europa! Vocês não irão se arrepender!

Aproveito o espaço para trazer duas indicações da terra do Jean-Claude Van Damme, ícone cinematográfico da Bélgica! Sim, ele é ídolo por lá! Tem até uma estátua em praça pública na capital Bruxelas, local que tive a incrível oportunidade de conhecer justamente no momento em que o ator estava por lá promovendo sua série da Amazon Prime. Mas deixarei essa história para uma outra oportunidade.

Vamos às indicações, ambas da década de noventa.

A primeira é uma joia rara, vencedora do Globo de Ouro na categoria Melhor Filme Estrangeiro em 1998. Conheçam a história de Ludovic, uma criança de 7 anos de idade, que gosta de vestidos, tem predileção pela cor rosa e fala em se casar, futuramente, com o filho do vizinho, um menino da idade dela. Só que ninguém entende, aceita ou tolera tais comportamentos! Nem mesmo os pais dela, os quais simplesmente não fazem a mínima ideia de como lidar com tudo isso!

Mas o que haveria de errado com tais atitudes, já que, teoricamente, seriam perfeitamente normais para uma criança! O problema, leitores, é que todos a enxergam como um menino! Mas será que ela é mesmo um menino como todos pensam?!

“Minha Vida em Cor-de-Rosa” foi dirigido pelo belga Alain Berliner em 1997 e trata de uma temática sensível e importantíssima, a identidade de gênero, de modo extremamente envolvente! A obra brinca com as cores, passeia pelo lúdico e não poupa circunstâncias realistas para instigar a reflexão do espectador e estimular a quebra de paradigmas! Pode ser chocante para uns, mas é realidade nua, crua e inocente na ótica de uma criança! Vejam!

A segunda indicação, de igual sorte, aborda uma questão humana que comoverá o coração dos mais fortes e que me fez chorar em, pelo menos, dois momentos diferentes. Não sou de chorar em filmes, mas esse aqui me tocou como nenhum outro.

Harry é um típico executivo que vive numa desgastante e repetitiva rotina de trabalho. Ele não costumava enxergar qualquer propósito maior na sua medíocre vida vazia e inócua. Tudo trilhava nesse norte até ele encontrar Georges, abandonado pela família após a morte de sua mãe, mas que, a despeito do sentimento de rejeição, mostrava-se um ser distinto e imaginativo capaz de enxergar o divino em coisas pueris.

De um lado, um homem frio, mecânico, ríspido e egocêntrico. Do outro, alguém sensível, especial e com uma aparente missão a cumprir. Qual será o resultado do encontro de dois seres tão díspares? Deslumbrem-se com essa belíssima poesia cinematográfica que trata, com uma leveza inigualável, de temas sensíveis como “amizade”, “família”, “esperança” e “aceitação”.

“O Oitavo Dia” (1996) foi dirigido pelo também belga Jaco Von Dormael, sendo indicado ao Globo de Ouro na categoria Melhor Filme Estrangeiro em 1997. E, pela primeira vez na história do Festival de Cannes, duas interpretações – ambas dessa comovente obra – dividiram o prêmio de Melhor Ator: Daniel Auteuil e Pascal Duquenne, pessoa (talentosíssima) com síndrome de Down. O filme, ainda, foi indicado à Palma de Ouro do citado festival francês. Vejam também!

Duas pérolas do cinema europeu desconhecidas por muitos e que merecem ser descobertas por vocês!

Ambos foram indicados ao Globo de Ouro, mas “Minha Vida em Cor-de-Rosa” levou a estatueta para casa. A atenção à identidade de gênero e a forma como Berliner conduziu a narrativa cativaram os críticos. Quanto a “O Oitavo Dia”, a sensibilidade de Von Dormael e as performances memoráveis da equipe técnica levaram a uma indicação histórica em Cannes.

Então, bora curtir essas pérolas do cinema belga ainda desconhecid de muitos? Não percam mais tempo, cinéfilos!

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“Nossa relação com as pessoas consiste em discutir com elas e criticá-las. Foi isso que me afastou, por vontade própria, de toda minha vida social. Isso tornou minha velhice solitária. (…) Talvez deva acrescer que sou um velho meticuloso, o que às vezes tornou a vida penosa tanto para mim quanto para os que convivem comigo. Meu nome é Eberhard Isak Borg e tenho 78 anos”.

Deparar-me com isso, ainda antes dos créditos iniciais do magnífico “Morangos Silvestres” (1957), congelou minha alma, embargou minha voz e sufocou minha respiração! Ora, ainda tenho um longo trajeto para chegar aos 78 anos de idade e já carrego o fardo dessa angustiante e dolorosa reflexão! Referido prólogo despertou minha atenção para cada segundo subsequente dessa profunda obra. E a experiência, posso atestar, foi incrível!

Conheçam a jornada de um professor com 50 anos de experiência em medicina, que começou a trabalhar para sobreviver, mas acabou amando a ciência. E, junto com esse paradigmático professor, há um ser vazio, egoísta, indiferente, pesado e atormentado que anseia por uma redenção! Entre terríveis pesadelos, passeios nostálgicos por um passado sombrio e imprescindíveis contatos humanos com o presente, ele percorre caminhos importantes para a sua autodescoberta.

Embarque junto com Isak e reflita sobre a sua própria existência. É transcendental! Trata-se de uma pérola do cinema sueco que merece ser conhecida! Escrita e dirigida por Ingmar Bergman, o mesmo realizador dos vencedores do Oscar “Fonte da Donzela” (1960), “Através do Espelho” (1961) e “Fanny e Alexander” (1982). O talentoso realizador nórdico dirigiu, ainda, dentre uma vasta filmografia iniciada na década de quarenta, os aclamados “O Sétimo Selo” (1957) e “Gritos e Sussurros” (1972).

“Morangos Silvestres” venceu o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro em 1960 e foi indicado, no mesmo ano, ao Oscar na categoria Melhor Roteiro Original. Ganhou, ainda, o Urso de Ouro no Berlinale (Festival Internacional de Cinema de Berlim) em 1958.

Depois de uma overdose do Bergman, permaneça ainda na Suécia e viaje para a década de oitenta para conhecer o talentosíssimo Lasse Hallström e sua formidável obra “Minha Vida de Cachorro” (1985).

Vencedor do Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro em 1987 e indicado ao Oscar nas categorias Melhor Diretor e Melhor Roteiro Adaptado (raridade para uma obra de língua não inglesa), essa pérola conta a comovente história do menino Ingemar, o qual é levado para morar na casa de parentes após um grave problema de saúde acometer a sua mãe. Lá ele conhece figuras peculiares e vive um drama infantil extremamente envolvente!

Depois do megassucesso mundial dessa obra, o realizador sueco Lasse Hallström enveredou pelos Estados Unidos e passou a dirigir filmes com elencos de estrelas hollywoodianas, casos de “Gilbert Grape – Aprendiz de Sonhador” (1993) com Johnny Depp e Leonardo DiCaprio; “O Poder do Amor” (1995) com Julia Roberts e Dennis Quaid; “Regras da Vida” (1999) com Tobey Maguire, Charlize Theron e Michael Caine; e “Sempre ao Seu Lado” (2009) com o Richard Gere.

Se você ainda não foi introduzido ao mundo do cinema sueco, comece por aqui, com os dramas “Morangos Silvestres” e “Minha Vida de Cachorro”. Não há alegorias, pompas nem firulas estadunidenses. São narrativas simples, singelas, emotivas e extremamente reflexivas, com qualidades irretocáveis! Em seguida, veja outros filmes do Bergman, sobretudo os que citei nesse texto.

O post Morangos Silvestres, Minha Vida de Cachorro e o Cinema Sueco [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

O subgênero se chama Slasher.

Vários são os exemplos, como o marcante e por muitos considerado o precursor, “O Massacre da Serra Elétrica”, dirigido pelo norte-americano Tobe Hooper (1943-2017) em 1974. Alguns filmes, até mesmo, transformaram-se em franquias, casos de Halloween, Sexta-Feira 13 e A Hora do Pesadelo, com os vilões Michael Myers, Jason Voorhees e Freddy Krueger, respectivamente.

As obras, normalmente, não têm requinte técnico e chamam atenção exclusivamente pelos banhos de sangue, gritos, desespero, agonia, violência gratuita e outras diversas desgraças alheias. É o psicopata, com seu instrumento de matança, aniquilando, uma a uma, as vítimas jovens que aparecem em sua frente.

Há, contudo, algumas exceções. A despeito da premissa aparentemente repetitiva, os agentes de algumas obras desse subgênero do horror, com seus talentos, acabaram criando um produto rebuscado, criativo e digno de ser cultuado pela qualidade e não pelos defeitos – caso dos filmes Trash.

Trago, como paradigma de um Slasher rebuscado, o terceiro filme da franquia “A Hora do Pesadelo” (1984-1994), estrelada pelo antagonista Freddy Krueger – criação do saudoso cineasta Wes Craven (1939-2015).

Como muitos sabem, a franquia conta a história de um assassino de crianças que acabou sendo queimado vivo pelos pais das vítimas, sedentos por vingança. Mesmo depois de morto, Freddy continua a atormentar os jovens da Rua Elm, perseguindo-os no mundo dos sonhos com o poder de causar ferimentos reais nos pesadelos, perpetuando, assim, a matança em série de outrora.

Eis, de forma extremamente resumida (e sem spoilers), do que se trata “A Hora do Pesadelo 3 – Os Guerreiros dos Sonhos” (1987): a história se passa em um hospital psiquiátrico e mostra o drama de alguns adolescentes que foram direcionados ao nosocômio após serem considerados insanos diante de seus relatos de perseguição pelo vilão das lâminas de aço. Não acreditaram na veracidade do tormento vivido por eles. Só que os jovens descobriram uma forma de enfrentar, paritariamente, o demônio dos pesadelos.

Mas o que distingue essa terceira obra da franquia das demais? Os detalhes, caros leitores. Vejamo-los.

O roteiro é um deles. A criatividade (sim, o roteiro é extremamente envolvente) tem os dedos do Wes Craven (criador do Krueger) e do Frank Darabont, talentoso cineasta norte-americano responsável pelos roteiros de filmes como “A Mosca II” (1989) e do maravilhoso “Frankenstein de Mary Shelley” (1994). Darabont, que também é diretor, realizou os extraordinários “Um Sonho de Liberdade” (1994) e “À Espera de Um Milagre” (1999), ambos baseados em livros de Stephen King, e que lhe renderam 3 indicações ao Oscar.

A trilha sonora instrumental é do talentoso Angelo Badalamenti, responsável pelas músicas dos seguintes filmes dirigidos por David Lynch: “Veludo Azul” (1986), “Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer” (1992), “Estrada Perdida” (1997), “Uma História Real” (1999) e “Cidade dos Sonhos” (2001).

O elenco é coeso e convincente, contando com a protagonista Patricia Arquette, vencedora do Oscar em 2015 por seu trabalho em “Boyhood” (2014); o coadjuvante Laurence Fishburne, indicado ao Oscar em 1994 ao encarnar o Ike, ex-marido da Rainha do Rock no filme “Tina” (1993) e famoso por interpretar o Morpheus da trilogia “Matrix” (1999-2003); Robert Englund, como o Freddy; Heather Langenkamp, protagonista do primeiro filme da franquia, retornando para um acerto de contas; e Zsa Zsa Gabor, estrela do cinema nas décadas de cinquenta e sessenta em uma especial aparição.

A direção é do versátil Chuck Russell, o mesmo diretor da comédia “O Máskara” (1994) com o Jim Carrey, do eletrizante filme de ação “Queima de Arquivo” (1996) com o Arnold Schwarzenegger e do suspense “Filha da Luz” (2000) com a Kim Basinger.

Depois dessas referências (roteiro, trilha sonora, elenco e direção), ficou curioso para conferir? Veja, vale a pena! Caso já tenha visto há muito tempo, que tal rever ciente dessas informações? Você não vai se arrepender.

O post A Hora do Pesadelo 3, terror oitentista (1980) além do mero Slasher apareceu primeiro em Tecnoveste.

Segundo o cearense advogado especialista em Direito Digital e Proteção de Dados, João de Senzi (@joaosenzi), o streamer Cellbit (Rafael Lange Severino) ingressou com processo contra 217 contas no Twitter devido a uma onda de hate contra Cellbit.

O ganhador do The Streamer Awards em duas categorias em 2024, Cellbit se expos quando revelou publicamente ser assexual e relatou diversas situações de abusos que teria sofrido em seu relacionamento passado e se defendeu da acusação de agressão sexual feita por sua ex-namorada, Flávia Sayuri Gato.

Veja o relato completo da versão de Cellbit das acusações, clicando neste link!

Diante dessa onda de negatividade, Cellbit resolveu mover um processo contra a plataforma pedindo a remoção de 217 postagens de “perfis que imputaram, objetivamente, delitos falsos” contra ele.

 

Adendo: O motivo do processo é SUPER justo.

Algumas pessoas falaram até que ele “espancava a ex” ou que ele era “pedófilo” e etc. Isso é crime. As pessoas não podem fazer isso.

O motivo é justíssimo.

— João de Senzi (@joaosenzi) February 19, 2024

 

A alegação é que o juiz do caso determinou quebra de sigilo e remoção de postagens.

Assim que o Twitter BR ficou sabendo, indignou-se e subiu a hashtag #EscutaCellbit.

Mas como também tem gente lá com bastante tempo livre, alguém criou um site para que a consulta aos processados fique mais fácil: listadocellbit.netlify.app

…

…

E ai, você achou justa a posição do Cellbit?

 

O post Cellbit processa 200 pessoas por danos morais e exige milhões de contas do Twitter (X.com) apareceu primeiro em Tecnoveste.

O post NBA All Star: show de Steph Curry e Sabrina Ionescu valeu a pena por cada minuto de espera apareceu primeiro em Tecnoveste.

O evento geralmente inclui o Jogo das Estrelas da NBA, o Desafio de Habilidades Taco Bell, o Concurso de 3 Pontos e o Concurso de Enterradas. Além disso, há eventos para os fãs, como sessões de autógrafos, clínicas de basquete e eventos de caridade. O All-Star Weekend é uma oportunidade para os jogadores, fãs e a liga celebrarem o basquete e seu talento em um ambiente festivo.

All-Star Weekend da NBA: Uma Festa de Basquete Cheia de Surpresas

O All-Star Weekend da NBA está quase chegando, e é o momento mais festivo de toda a temporada!

Claro, o ponto alto desse evento é o tão aguardado All-Star Game, onde as maiores estrelas da liga se reúnem para um espetáculo de basquete como nenhum outro. Imagine os principais jogadores de cada franquia enfrentando-se em quadra.

É de tirar o fôlego! E a quadra este ano? Bem, é uma obra de arte cyberpunk, com um piso totalmente coberto por LEDs que mudam de cor e design durante toda a partida. Incrível, não é?

Muito Mais do Que o Jogo das Estrelas

Mas espere, há muito mais por vir! O All-Star Weekend não é só sobre o All-Star Game. A partir de hoje, sexta-feira, já temos o emocionante Rising Stars, o torneio de novatos que promete agitar o público. E não para por aí!

No sábado, teremos uma série de torneios, incluindo o desafiante Torneio de Habilidades, onde os jogadores precisam mostrar suas habilidades em dribles, arremessos e finalizações.

E não podemos esquecer do Concurso de 3 Pontos e do Concurso de Enterradas – sempre cheios de momentos emocionantes!

E o que dizer do novo desafio que está dando o que falar?

A estrela da WNBA, Sabrina Ionescu, desafiou ninguém menos que Stephen Curry em um duelo de arremessos de três pontos!

O que podemos esperar desse embate entre dois dos maiores talentos do basquete?

O Momento Mais Esperado: O All-Star Game

E finalmente, no domingo, é a hora do evento principal: o All-Star Game.

Este ano, teremos o confronto épico entre o Time Antetokounmpo e o Time LeBron.

Prepare-se para ver os maiores astros do basquete mundial se enfrentando em uma batalha pela supremacia na quadra. E lembre-se, o que acontece no All-Star Game muitas vezes é apenas um vislumbre do que podemos esperar nas Olimpíadas!

Quer saber mais sobre a programação completa do All-Star Weekend e onde assistir?

O All-Star Weekend da NBA promete ser uma celebração do basquete em sua forma mais pura, com jogos emocionantes, competições acirradas e momentos inesquecíveis. Não perca essa festa!

O All-Star Weekend da NBA é repleto de curiosidades interessantes. Aqui estão algumas das maiores curiosidades associadas a este evento:

1. Seleção dos Times: Desde 2018, o formato para o Jogo das Estrelas mudou. Os capitães dos times são os jogadores mais votados de cada conferência, e eles selecionam seus companheiros de equipe por meio de um draft. Isso adicionou uma dinâmica interessante, já que jogadores que normalmente são adversários se tornam companheiros de equipe para o jogo.
2. Localização: O All-Star Weekend acontece em uma cidade diferente a cada ano, o que permite que os fãs em diferentes regiões tenham a oportunidade de participar do evento. Essa rotação de locais inclui tanto cidades tradicionais de basquete quanto novos mercados.
3. Eventos de Habilidades: Além do Jogo das Estrelas, os eventos de habilidades, como o Concurso de 3 Pontos e o Concurso de Enterradas, muitas vezes roubam a cena. Os fãs aguardam com expectativa para ver seus jogadores favoritos competirem nessas competições emocionantes.
4. Celebridades: O All-Star Weekend atrai não apenas os melhores jogadores da NBA, mas também uma série de celebridades de diversos setores, como música, cinema e entretenimento em geral. Eles frequentemente participam de eventos relacionados ao All-Star e são vistos nas arquibancadas durante o jogo das estrelas.
5. Impacto na Comunidade: Além dos eventos de entretenimento, o All-Star Weekend também é uma oportunidade para a NBA e seus jogadores se envolverem em atividades de caridade e iniciativas de impacto comunitário. Eles realizam clínicas de basquete para jovens, projetos de revitalização de bairros e doações para organizações locais.

O All-Star Weekend tem uma rica história, com momentos memoráveis, como enterradas espetaculares, performances de arrepiar e momentos emocionantes. A cada ano, os fãs esperam para ver quais momentos históricos serão adicionados à tradição do evento.

Separei ainda os melhores momentos das enterradas

JB kicks off his #ATTSlamDunk debut with a BANG! 🔥 pic.twitter.com/usa7vCwlh2

— NBA on TNT (@NBAonTNT) February 18, 2024

JB advances to face Mac in the #ATTSlamDunk Championship! 🍿 pic.twitter.com/z8DumbmLA7

— NBA on TNT (@NBAonTNT) February 18, 2024

Jaylen Brown with a beautiful tribute dunk for Terrence Clarke @FCHWPO pic.twitter.com/ExGJM6wwNG

— Taylor Snow (@taylorcsnow) February 18, 2024

Jaylen Brown dunks over Donovan Mitchell with his left hand 👀 pic.twitter.com/4QRbn7LTdi

— Ahn Fire Digital (@AhnFireDigital) February 18, 2024

MAC GOES OVER TWO TO KICK OFF THE #ATTSlamDunk CHAMPIONSHIP 👀 pic.twitter.com/QRQ05fAv4Y

— NBA on TNT (@NBAonTNT) February 18, 2024

MAC GOES OVER SHAQ TO GO BACK-TO-BACK 🗣️ #ATTSlamDunk pic.twitter.com/0nRaezmYr6

— NBA on TNT (@NBAonTNT) February 18, 2024

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Deve ser nada fácil escolher o vencedor entre tantas obras de extrema qualidade, mas em alguns casos o menosprezo por alguns filmes aperta o coração e dói na alma de qualquer cinéfilo.

Trarei alguns exemplos marcantes das últimas 5 décadas.

Começarei com o talentoso realizador Martin Scorsese, o cineasta que já sinalizou na imprensa que conhece bem “o que é cinema”.

O drama “Taxi Driver” (1976) do Scorsese foi indicado nas categorias Melhor Filme, Melhor Ator (Robert De Niro), Melhor Atriz Coadjuvante (Jodie Foster) e Melhor Trilha Sonora (Bernard Hermann – o responsável pela aterrorizante música de “Psicose” [1960] do Hitchcock). Saiu, infelizmente, de mãos abanando! Considerada uma das maiores injustiças da premiação, perdeu a cobiçada categoria Melhor Filme para “Rocky” (1976), dirigido pelo John G. Avildsen e escrito pelo protagonista Sylvester Stallone.

Scorsese parece que não tem sorte. A obra de ação “Gangues de Nova York” (2002) teve 10 (dez) indicações, incluindo Melhor Filme, Melhor Ator (Daniel Day-Lewis), Melhor Roteiro Original e Melhor Diretor. Mais uma vez, nada! O campeão da noite foi o musical “Chicago” (2002).

Com a comédia “O Lobo de Wall Street” (2013) foram 5 (cinco) nomeações: Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Ator (Leonardo Di Caprio), Melhor Ator Coadjuvante (Jonah Hill) e Melhor Diretor. Sem êxito algum, de novo! O drama racial “12 Anos de Escravidão” (2013) venceu a cerimônia.

Mais recentemente, na última premiação realizada em 2020, “O Irlandês” (2019), apesar de suas 9 (nove) indicações, foi desbancado pelo sul-coreano “Parasita” (2019).

Mas o cinema, como sabemos, não se resume ao Scorsese, nem tão pouco aos conceitos dele. Não é mesmo, Mr. Scorsese? Vejamos outros preteridos.

Voltando no tempo e viajando diretamente para a década de oitenta, encontraremos uma injustiça colossal com o talentosíssimo realizador Steven Spielberg. “A Cor Púrpura” (1985), baseado no livro homônimo da Alice Walker vencedor do Pulitzer, foi indicado a 11 (onze) estatuetas! O filme é extraordinário, um dos melhores já dirigidos pelo Spielberg! Drama intenso, questões profundas, abordagem racial impactante e visceral! O elenco impressiona, sobretudo a magnífica Whoopi Goldberg! Ela, por óbvio, concorreu ao Oscar na categoria Melhor Atriz. Não ganhou. Ninguém dessa fantástica obra ganhou! O vencedor da noite, com 7 (sete) prêmios, foi o insosso e enfadonho drama romântico “Entre Dois Amores” (1985), dirigido pelo Sidney Pollack e protagonizado pela Meryl Streep e pelo Robert Redford. Injusto, muito injusto!

Na década de noventa, um dos melhores, mais emocionantes e mais envolventes filmes da história da sétima arte, irretocável em todos os aspectos, com nota 9.3 no site IMDb (Internet Movie Database), concorreu a 7 (sete) Oscars em 1995 e nada levou! Foi o “Um Sonho de Liberdade” (1994), dirigido pelo Frank Darabont e baseado numa obra literária do Stephen King. Cinco anos depois, a mesma dupla (Darabont e King), com “À Espera de Um Milagre” (1999) foi nomeada a 4 estatuetas e, de igual sorte, ficou a ver navios! Lastimável!

É isso! Muito glamour, holofotes, vestidos de grife, ternos elegantes e quase nada de meritocracia. É o Oscar da política, da bajulação e outras coisinhas que merecem destaque num possível texto futuro.

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O talentoso realizador norte-americano Martin Scorsese, que está em plena atividade desde o final da década de sessenta, tem uma vasta filmografia repleta de gêneros díspares. Ele já comoveu com o drama sensível “Alice Não Mora Mais Aqui” (1974) – o meu favorito do cineasta; aventurou-se no musical “New York, New York” (1977) com a Lisa Minnelli; retratou uma temática esportiva em “Touro Indomável” (1980); arrancou algumas risadas dos espectadores no drama cômico “O Rei da Comédia” (1983) com o Jerry Lewis; empregou humor sombrio no divertido “Depois de Horas” (1985); polemizou no drama épico “A Última Tentação de Cristo” (1988); retratou a máfia em “Os Bons Companheiros” (1990) e “O Irlandês”; transportou-nos no tempo com o drama de época ambientado no Século XIX intitulado “A Época da Inocência” (1993); divertiu a criançada e a família no belíssimo “A Invenção de Hugo Cabret” (2011); arrancou tensão e suspense com os assustadores “Cabo do Medo” (1991) e “Ilha do Medo” (2010); mostrou ação em “Gangues de Nova Iorque” (2002). Passeou, pois, por comédia, drama, suspense, infantil, ação e outros estilos com muita competência.

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Richard Donner at the Academy Tribute to Filmmaker Richard Donner, Los Angeles, USA – 07 Jun 2017

Outro diretor versátil que me chama atenção é o nonagenário Richard Donner! Do terror demoníaco “A Profecia” (1976), passou para o aclamado filme de super-herói “Superman” (1978) com o saudoso Christopher Reeve. Caminhou, em seguida, pela fantasia com “O Feitiço de Áquila” (1985) e, no mesmo ano, divertiu a família em “Os Goonies”. Enveredou, logo adiante, pelo gênero policial com a franquia “Máquina Mortífera” (1987-1998). Passeou, igualmente, pela comédia em “Os Fantasmas Contra-Atacam” (1988), pelo drama com “Radio Flyer” (1992) e pela ficção-científica em “Linha do Tempo” (2003).

Alguns realizadores, por outro lado, são conhecidos por adotar um estilo próprio com unicidade nos trabalhos. Alfred Hitchcock é o eterno Mestre do Suspense. George A. Romero era expert em zumbis. Quentin Tarantino é famoso por filmes violentos, repletos de sarcasmo e banhados de sangue. John Woo é o cara da ação (tiros, chutes, bombas e explosões)! Essas são as marcas desses renomados cineastas.

Há, contudo, outros diretores que, apesar da adoção de um estilo uno e bem característico, já saíram da linha. Aquela linha, diga-se, construída e solidificada por eles mesmos como a marca registrada de suas carreiras. Citarei, assim como fiz no início com os versáteis, dois exemplos.

David Lynch em 2015

David Lynch dirige uns filmes bem esquisitos – na melhor e mais elogiosa acepção do vocábulo. São criativos, imaginativos, misteriosos, surreais e darão, certamente, um nó na sua mente. Você, provavelmente, ficará tonto e angustiado em alguns (ou em vários) momentos da maioria das obras desse talentoso realizador de cabelos brancos assanhados! É o caso de “Eraserhead” (1977), “Veludo Azul” (1986), “Coração Selvagem” (1990), “A Estrada Perdida” (1997), “Cidade dos Sonhos” (2001) e “Império dos Sonhos” (2006). Todos excelentes e dentro do padrão ora relatado.

Na contramão de tudo o que já tinha feito até então, todavia, está o drama da Disney (sim, da Disney) “Uma História Real” (1999). Lynch, aqui, aparta-se da insanidade e dá lugar à lucidez em uma das mais belas poesias cinematográficas que já vi na vida! Trata-se de uma bela e verídica história sobre penitência, arrependimento, reconciliação e humanidade divinamente protagonizada pelo ator Richard Farnsworth no papel que lhe rendeu uma indicação ao disputadíssimo Oscar de 2000. Daria para imaginar que o mesmo realizador das obras citadas no parágrafo anterior poderia desenvolver algo assim?

Diretor Wes Craven em 2013

O segundo diretor que quebrou seus próprios paradigmas foi o saudoso Wes Craven (1939-2015), o pai do Freddy Krueger. A indelével carreira dele foi solidificada pelo terror: “Aniversário Macabro” (1972), “Quadrilha de Sádicos” (1977), “Bênção Mortal” (1981), “O Monstro do Pântano” (1982), “A Hora do Pesadelo” (1984), “A Maldição de Samantha” (1986), “A Maldição dos Mortos-Vivos” (1988), “Shocker – 100.000 Volts de Terror” (1989), “As Criaturas Atrás das Paredes” (1991) e a franquia “Pânico” (1996-2000).

Em sentido diametralmente oposto, entrementes, foi o comovente “Música do Coração” (1999), protagonizado pela rainha das indicações ao Oscar, Meryl Streep – e aqui, como de costume, ela também foi nomeada! Craven, nessa ocasião, aposentou os assassinos, os monstros, os gritos e todo o restante de seu lado macabro, dando, pois, lugar à bela e motivadora história real de uma professora que desenvolve um projeto voltado ao ensino de música para crianças carentes em Nova Iorque. O sangue deu lugar ao violino!

Lynch e Craven desviaram de seus caminhos tradicionais, respectivamente, em “Uma História Real” e “Música do Coração”, ambos coincidentemente baseados em casos verídicos e lançados em 1999. Foram desvios exitosos! Conheçam um pouco mais desses fantásticos diretores e vejam como acertaram em obras totalmente alheias às suas naturezas cinematográficas. E que sirva de inspiração para você, caro leitor! Já pensou em se reinventar?!

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Você é um cineasta, profissional ou amador? Tem algum longa-metragem a partir de 60 minutos, um documentário de 40 minutos ou curta-metragem de até 15 minutos? Estão abertas as inscrições para o 11º Cinefantasy – Festival Internacional de Cinema Fantástico. Confira o regulamento no site cinefantasy.com.br e inscreva seu trabalho até o dia 7 de fevereiro!

O festival ocorrerá na capital paulista no mês de março desse ano, com data a definir pela organização, e, mais uma vez, divulgará e incentivará o cinema fantástico e o seu universo através de mostras competitivas, paralelas e atividades de formação.

Há espaço para diversos gêneros fantásticos como horror, ficção científica e fantasia.

A programação contará com debates sobre bandeiras afirmativas; encontros sobre a participação das mulheres na direção do cinema fantástico; a força do gênero no cinema negro e, ainda, sobre a produção LGBTQI+ fantástica. Nesta vindoura edição será realizada, ainda, a sessão Fantastic Black Power, um braço do festival dedicado aos cineastas afrodescendentes!

Fiquem ligados, Cineastas! E, de igual sorte, os Amantes do Cinema! Será uma overdose de obras de extrema qualidade! Imperdível!

O Festival e Minha Experiência como Curador

O Cinefantasy – idealizado por Eduardo Santana e dirigido por Monica Trigo – é o primeiro festival no mundo do gênero fantástico a praticar bandeiras afirmativas, valorizando e evidenciando o relevantíssimo contributo das mulheres, LGBTQI+ e negros para a sétima arte.

Já foram apresentados, até o momento, 1.067 filmes a um público de mais de 90 mil pessoas!

Tive a honra de integrar o time de curadores da 10ª edição, que ocorreu em setembro de 2020 de modo excepcionalmente on-line em decorrência da pandemia do Coronavírus. Além da utilização da plataforma digital, também foram realizadas exibições em Drive-In nas cidades de São Paulo e Fortaleza, bem como algumas sessões em Manaus no Teatro Amazonas.

Acompanhei na íntegra o evento, incluindo a seleção das obras inscritas; os contatos com os organizadores e demais curadores; a abertura com o extraordinário longa nacional “Cemitério das Almas Perdidas” do cineasta Rodrigo Aragão; as exibições dos filmes selecionados e a cerimônia de encerramento.

É de impressionar a primorosa qualidade do festival! Os filmes são incríveis, produções irretocáveis – até as amadoras! E foi justamente a categoria dos curtas-metragens amadores que tive o prazer de curatelar. Que grata surpresa ao conhecer o trabalho de cineastas jovens e promissores de todas as regiões de nosso Brasil! Vi obras apocalípticas, místicas, tensas, aterrorizantes, imaginativas, poéticas, angustiantes, todas com qualidade técnica aprimorada e atuações impactantes!

Louvável a atitude de eventos como esse, priorizando o cinema independente e dando oportunidades aos cineastas até então desconhecidos, mas repletos de talento.

Conheça, pesquise e valorize o cinema independente! Muitos cineastas renomados já saíram dessa seara e outros vários serão revelados! Quem sabe você não conhecerá um em primeiríssima mão!?

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