Deve ser nada fácil escolher o vencedor entre tantas obras de extrema qualidade, mas em alguns casos o menosprezo por alguns filmes aperta o coração e dói na alma de qualquer cinéfilo.

Trarei alguns exemplos marcantes das últimas 5 décadas.

Começarei com o talentoso realizador Martin Scorsese, o cineasta que já sinalizou na imprensa que conhece bem “o que é cinema”.

O drama “Taxi Driver” (1976) do Scorsese foi indicado nas categorias Melhor Filme, Melhor Ator (Robert De Niro), Melhor Atriz Coadjuvante (Jodie Foster) e Melhor Trilha Sonora (Bernard Hermann – o responsável pela aterrorizante música de “Psicose” [1960] do Hitchcock). Saiu, infelizmente, de mãos abanando! Considerada uma das maiores injustiças da premiação, perdeu a cobiçada categoria Melhor Filme para “Rocky” (1976), dirigido pelo John G. Avildsen e escrito pelo protagonista Sylvester Stallone.

Scorsese parece que não tem sorte. A obra de ação “Gangues de Nova York” (2002) teve 10 (dez) indicações, incluindo Melhor Filme, Melhor Ator (Daniel Day-Lewis), Melhor Roteiro Original e Melhor Diretor. Mais uma vez, nada! O campeão da noite foi o musical “Chicago” (2002).

Com a comédia “O Lobo de Wall Street” (2013) foram 5 (cinco) nomeações: Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Ator (Leonardo Di Caprio), Melhor Ator Coadjuvante (Jonah Hill) e Melhor Diretor. Sem êxito algum, de novo! O drama racial “12 Anos de Escravidão” (2013) venceu a cerimônia.

Mais recentemente, na última premiação realizada em 2020, “O Irlandês” (2019), apesar de suas 9 (nove) indicações, foi desbancado pelo sul-coreano “Parasita” (2019).

Mas o cinema, como sabemos, não se resume ao Scorsese, nem tão pouco aos conceitos dele. Não é mesmo, Mr. Scorsese? Vejamos outros preteridos.

Voltando no tempo e viajando diretamente para a década de oitenta, encontraremos uma injustiça colossal com o talentosíssimo realizador Steven Spielberg. “A Cor Púrpura” (1985), baseado no livro homônimo da Alice Walker vencedor do Pulitzer, foi indicado a 11 (onze) estatuetas! O filme é extraordinário, um dos melhores já dirigidos pelo Spielberg! Drama intenso, questões profundas, abordagem racial impactante e visceral! O elenco impressiona, sobretudo a magnífica Whoopi Goldberg! Ela, por óbvio, concorreu ao Oscar na categoria Melhor Atriz. Não ganhou. Ninguém dessa fantástica obra ganhou! O vencedor da noite, com 7 (sete) prêmios, foi o insosso e enfadonho drama romântico “Entre Dois Amores” (1985), dirigido pelo Sidney Pollack e protagonizado pela Meryl Streep e pelo Robert Redford. Injusto, muito injusto!

Na década de noventa, um dos melhores, mais emocionantes e mais envolventes filmes da história da sétima arte, irretocável em todos os aspectos, com nota 9.3 no site IMDb (Internet Movie Database), concorreu a 7 (sete) Oscars em 1995 e nada levou! Foi o “Um Sonho de Liberdade” (1994), dirigido pelo Frank Darabont e baseado numa obra literária do Stephen King. Cinco anos depois, a mesma dupla (Darabont e King), com “À Espera de Um Milagre” (1999) foi nomeada a 4 estatuetas e, de igual sorte, ficou a ver navios! Lastimável!

É isso! Muito glamour, holofotes, vestidos de grife, ternos elegantes e quase nada de meritocracia. É o Oscar da política, da bajulação e outras coisinhas que merecem destaque num possível texto futuro.

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– Glauber Rocha –

Filme feito em 1959 com direção de Glauber Rocha, a obra iniciou sua carreira promissora.

Sobre o filme

O curta tem 12 minutos e nesse tempo demonstra grande desenvoltura técnica. Há momentos que lembra antes que de passageiro, uma abordagem de Mário Peixoto em “Limite”. Apresenta produção leve quanto à gastos e explora a montagem intensa através de planos detalhe e closes.

“Pátio” tem uma ideia complexa que deixa o espectador pensando como aquilo pode se encaixar em sua interpretação, essa é uma característica muito forte nos experimentais, citei “Limite” no início como possível inspiração, porque  apesar deste ainda ter um mínimo de enredo, mexe com o interior, brinca com as emoções, talvez eu seja arrogante de compará-los, mas a minha experiência juntou as semelhanças.

O interessante é que Glauber, durante sua carreira, vai deixar esse tipo de filme à margem de seu repertório, claro, abusando de alguns elementos, mas com foco em algo mais politizado. “Pátio” não é o tipo de filme que a massa digere com facilidade, ele incomoda bastante, transmite mensagens simultâneas, o casal que perambula entre o chão xadrez, os sapatos estáticos, a vegetação que rodeia o cenário, as expressões nos rostos, isso tudo no campo visual. Esse conjunto acoplado a uma trilha sonora angustiante, cria um incômodo mental, atiça suposições e automaticamente você se pega ligando a obra com sua realidade ou estudo sobre psique.

Vale a pena assistir?

Antes desse curta, eu havia assistido alguns filmes de Glauber, todos representando seu rigor com a estética, os personagens principais vivendo a melancolia existencial, prova de que ele não abandonou os pilares do cinema experimental.

Toda a produção reflete seu lema “Uma câmera na mão e uma ideia na cabeça”, proposta bem executada do início ao fim, a realidade está aí, só segui-la que logo se encontra o que tem de ser mostrado. 

Achei um tanto quanto perspicaz, “Pátio” é de execução simples, porém, com abordagem complexa. A trilha sonora sensacional, seleção de enquadramentos pontuais e roteiro bem articulado. Então, sim! Vale a pena assistir!

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A trilha de Mandalorian foi composta por Ludwig Goransson (Pantera Negra, Creed) e parece que na trilha dessa série ele tem uma certa liberdade para compor, utilizando elementos etnicos e de musica eletrônica como por exemplo no ultimo episodio da Segunda Temporada em que ouvimos o tema dos Dark Troopers carregado de elementos de Dub Step, já o tema de Luke Skywalker trás uma certa nostalgia, drama e esperança fazendo referencias leves aos temas clássicos.

Goransson também aproveitou alguns temas utilizados anteriormente como o tema de Ahsoka Tano usado na animação Guerras Clônicas e Star Wars Rebels.

O tema motivo do Mandaloriano Din Djarin é repleto de elementos etnicos como uma flauta baixo e que continua com um naipe de orquestras e alguns elementos do rock n roll como guitarras distorcidas trazendo assim uma variedade espetacular de texturas musicais o que nos faz ficar ansiosos para quais elementos musicais serão adicionados na terceira temporada da serie.

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O enredo

  Carlitos, envolvido em perseguição por encrenca, acaba correndo pela cidade e em uma das ruas tem contato com uma florista e sua pequena banca de flores. Ela quer vender uma flor e nosso protagonista começa a interagir com a moça, ao passo que ele descobre a cegueira da mesma. Durante a conversa, um ricaço para seu carro de luxo em frente à banca e bate a porta do veículo, fazendo a moça achar que Carlitos foi embora. Percebendo o achismo da florista, ele vai embora de fato, sem corrigi-la e muito encantado por ela.

  O personagem principal vai refletir sobre a mulher, na beira de um rio, mas seu pensamento logo muda de foco, quando um homem bêbado está planejando suicídio por afogamento. Carlitos sem pensar muito, convence o rapaz a não concretizar tal ato, pois a vida tem bastante coisa pela frente. O homem acredita no protagonista e passa a considerá-lo como grande amigo, revelando sua posição social, se mostrando bem rico. 

  Os dois vão comemorar a vida na casa do milionário e em seguida numa danceteria chique. No dia seguinte o protagonista, saindo da casa do rico, vê a florista passando na calçada. Ele pega dinheiro com seu novo amigo e compra todas as flores dela, em seguida, a leva para casa.

   Um tempo passa, o rico fica sóbrio e não se lembra da amizade com Carlitos. O nosso protagonista fica sabendo que sua amada está doente e sem trabalhar e isto se torna um grande problema, pois o aluguel dela está atrasado. Carlitos vai em busca de conseguir dinheiro e entra nas suas aventuras absurdas.

A estrutura

  Participando da categoria de filmes mudos, Luzes da cidade explora bem a trilha sonora, com momentos cômicos onde personagens fazem discursos e suas palavras saem em formas de grunhidos. Há uma cena sensacional, onde tem a gag com um apito, que traz seu som para substituir o barulho de tosses e soluços.

  Os enquadramentos de câmera respeitam a convenção estabelecida pela época, priorizando planos gerais em boa parte do filme, com exceção de pouquíssimos planos fechados e detalhes. Tal padrão, reforça uma atuação voltada para a pantomima (poucas palavras e muito gestual corporal), que em planos gerais se torna importante para o entendimento do público acerca da situação vigente.

  A Direção de Arte busca ambientar a história em uma cidade grande fictícia de 1931, então mergulha em elementos como conjuntos de prédios, casas de milionários, moradias mais pobres, trânsito intenso de carros, etc.

Vale a pena assistir?

  Eu diria que se você é um/a cinéfilo/a apaixonado/a, esse é um dos títulos que deve entrar na sua lista, pois além de ter sido feito por nada mais, nada menos que Charlie Chaplin, apresenta qualidade técnica inigualável.

  É um filme que traz temas pertinentes, como deficiência visual, alcoolismo e amizades superficiais. O jeito como são abordados no longa, mostra como seu criador (Chaplin) era sensível em suas realizações.

  O filme todo é genial, mas a cereja do bolo está na última cena, que com certeza entra para o hall das mais emocionantes e bem montadas da história do cinema.

  Então, sim! Vale muito a pena assistir!

Por

Juliano Ferreira

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