É possível que a maioria de vocês, leitores, já tenha assistido a filmes italianos, franceses, alemães e espanhóis. Mas o velho continente é muito vasto e repleto de diversidade. Cada país tem suas peculiaridades, seus costumes e o cinema é uma fantástica porta para o conhecimento e aprendizado sobre esse povo tão rico em cultura.

Pesquisem sobre a sétima arte na Europa! Vocês não irão se arrepender!

Aproveito o espaço para trazer duas indicações da terra do Jean-Claude Van Damme, ícone cinematográfico da Bélgica! Sim, ele é ídolo por lá! Tem até uma estátua em praça pública na capital Bruxelas, local que tive a incrível oportunidade de conhecer justamente no momento em que o ator estava por lá promovendo sua série da Amazon Prime. Mas deixarei essa história para uma outra oportunidade.

Vamos às indicações, ambas da década de noventa.

A primeira é uma joia rara, vencedora do Globo de Ouro na categoria Melhor Filme Estrangeiro em 1998. Conheçam a história de Ludovic, uma criança de 7 anos de idade, que gosta de vestidos, tem predileção pela cor rosa e fala em se casar, futuramente, com o filho do vizinho, um menino da idade dela. Só que ninguém entende, aceita ou tolera tais comportamentos! Nem mesmo os pais dela, os quais simplesmente não fazem a mínima ideia de como lidar com tudo isso!

Mas o que haveria de errado com tais atitudes, já que, teoricamente, seriam perfeitamente normais para uma criança! O problema, leitores, é que todos a enxergam como um menino! Mas será que ela é mesmo um menino como todos pensam?!

“Minha Vida em Cor-de-Rosa” foi dirigido pelo belga Alain Berliner em 1997 e trata de uma temática sensível e importantíssima, a identidade de gênero, de modo extremamente envolvente! A obra brinca com as cores, passeia pelo lúdico e não poupa circunstâncias realistas para instigar a reflexão do espectador e estimular a quebra de paradigmas! Pode ser chocante para uns, mas é realidade nua, crua e inocente na ótica de uma criança! Vejam!

A segunda indicação, de igual sorte, aborda uma questão humana que comoverá o coração dos mais fortes e que me fez chorar em, pelo menos, dois momentos diferentes. Não sou de chorar em filmes, mas esse aqui me tocou como nenhum outro.

Harry é um típico executivo que vive numa desgastante e repetitiva rotina de trabalho. Ele não costumava enxergar qualquer propósito maior na sua medíocre vida vazia e inócua. Tudo trilhava nesse norte até ele encontrar Georges, abandonado pela família após a morte de sua mãe, mas que, a despeito do sentimento de rejeição, mostrava-se um ser distinto e imaginativo capaz de enxergar o divino em coisas pueris.

De um lado, um homem frio, mecânico, ríspido e egocêntrico. Do outro, alguém sensível, especial e com uma aparente missão a cumprir. Qual será o resultado do encontro de dois seres tão díspares? Deslumbrem-se com essa belíssima poesia cinematográfica que trata, com uma leveza inigualável, de temas sensíveis como “amizade”, “família”, “esperança” e “aceitação”.

“O Oitavo Dia” (1996) foi dirigido pelo também belga Jaco Von Dormael, sendo indicado ao Globo de Ouro na categoria Melhor Filme Estrangeiro em 1997. E, pela primeira vez na história do Festival de Cannes, duas interpretações – ambas dessa comovente obra – dividiram o prêmio de Melhor Ator: Daniel Auteuil e Pascal Duquenne, pessoa (talentosíssima) com síndrome de Down. O filme, ainda, foi indicado à Palma de Ouro do citado festival francês. Vejam também!

Duas pérolas do cinema europeu desconhecidas por muitos e que merecem ser descobertas por vocês!

Ambos foram indicados ao Globo de Ouro, mas “Minha Vida em Cor-de-Rosa” levou a estatueta para casa. A atenção à identidade de gênero e a forma como Berliner conduziu a narrativa cativaram os críticos. Quanto a “O Oitavo Dia”, a sensibilidade de Von Dormael e as performances memoráveis da equipe técnica levaram a uma indicação histórica em Cannes.

Então, bora curtir essas pérolas do cinema belga ainda desconhecid de muitos? Não percam mais tempo, cinéfilos!

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O subgênero se chama Slasher.

Vários são os exemplos, como o marcante e por muitos considerado o precursor, “O Massacre da Serra Elétrica”, dirigido pelo norte-americano Tobe Hooper (1943-2017) em 1974. Alguns filmes, até mesmo, transformaram-se em franquias, casos de Halloween, Sexta-Feira 13 e A Hora do Pesadelo, com os vilões Michael Myers, Jason Voorhees e Freddy Krueger, respectivamente.

As obras, normalmente, não têm requinte técnico e chamam atenção exclusivamente pelos banhos de sangue, gritos, desespero, agonia, violência gratuita e outras diversas desgraças alheias. É o psicopata, com seu instrumento de matança, aniquilando, uma a uma, as vítimas jovens que aparecem em sua frente.

Há, contudo, algumas exceções. A despeito da premissa aparentemente repetitiva, os agentes de algumas obras desse subgênero do horror, com seus talentos, acabaram criando um produto rebuscado, criativo e digno de ser cultuado pela qualidade e não pelos defeitos – caso dos filmes Trash.

Trago, como paradigma de um Slasher rebuscado, o terceiro filme da franquia “A Hora do Pesadelo” (1984-1994), estrelada pelo antagonista Freddy Krueger – criação do saudoso cineasta Wes Craven (1939-2015).

Como muitos sabem, a franquia conta a história de um assassino de crianças que acabou sendo queimado vivo pelos pais das vítimas, sedentos por vingança. Mesmo depois de morto, Freddy continua a atormentar os jovens da Rua Elm, perseguindo-os no mundo dos sonhos com o poder de causar ferimentos reais nos pesadelos, perpetuando, assim, a matança em série de outrora.

Eis, de forma extremamente resumida (e sem spoilers), do que se trata “A Hora do Pesadelo 3 – Os Guerreiros dos Sonhos” (1987): a história se passa em um hospital psiquiátrico e mostra o drama de alguns adolescentes que foram direcionados ao nosocômio após serem considerados insanos diante de seus relatos de perseguição pelo vilão das lâminas de aço. Não acreditaram na veracidade do tormento vivido por eles. Só que os jovens descobriram uma forma de enfrentar, paritariamente, o demônio dos pesadelos.

Mas o que distingue essa terceira obra da franquia das demais? Os detalhes, caros leitores. Vejamo-los.

O roteiro é um deles. A criatividade (sim, o roteiro é extremamente envolvente) tem os dedos do Wes Craven (criador do Krueger) e do Frank Darabont, talentoso cineasta norte-americano responsável pelos roteiros de filmes como “A Mosca II” (1989) e do maravilhoso “Frankenstein de Mary Shelley” (1994). Darabont, que também é diretor, realizou os extraordinários “Um Sonho de Liberdade” (1994) e “À Espera de Um Milagre” (1999), ambos baseados em livros de Stephen King, e que lhe renderam 3 indicações ao Oscar.

A trilha sonora instrumental é do talentoso Angelo Badalamenti, responsável pelas músicas dos seguintes filmes dirigidos por David Lynch: “Veludo Azul” (1986), “Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer” (1992), “Estrada Perdida” (1997), “Uma História Real” (1999) e “Cidade dos Sonhos” (2001).

O elenco é coeso e convincente, contando com a protagonista Patricia Arquette, vencedora do Oscar em 2015 por seu trabalho em “Boyhood” (2014); o coadjuvante Laurence Fishburne, indicado ao Oscar em 1994 ao encarnar o Ike, ex-marido da Rainha do Rock no filme “Tina” (1993) e famoso por interpretar o Morpheus da trilogia “Matrix” (1999-2003); Robert Englund, como o Freddy; Heather Langenkamp, protagonista do primeiro filme da franquia, retornando para um acerto de contas; e Zsa Zsa Gabor, estrela do cinema nas décadas de cinquenta e sessenta em uma especial aparição.

A direção é do versátil Chuck Russell, o mesmo diretor da comédia “O Máskara” (1994) com o Jim Carrey, do eletrizante filme de ação “Queima de Arquivo” (1996) com o Arnold Schwarzenegger e do suspense “Filha da Luz” (2000) com a Kim Basinger.

Depois dessas referências (roteiro, trilha sonora, elenco e direção), ficou curioso para conferir? Veja, vale a pena! Caso já tenha visto há muito tempo, que tal rever ciente dessas informações? Você não vai se arrepender.

O post A Hora do Pesadelo 3, terror oitentista (1980) além do mero Slasher apareceu primeiro em Tecnoveste.

Deve ser nada fácil escolher o vencedor entre tantas obras de extrema qualidade, mas em alguns casos o menosprezo por alguns filmes aperta o coração e dói na alma de qualquer cinéfilo.

Trarei alguns exemplos marcantes das últimas 5 décadas.

Começarei com o talentoso realizador Martin Scorsese, o cineasta que já sinalizou na imprensa que conhece bem “o que é cinema”.

O drama “Taxi Driver” (1976) do Scorsese foi indicado nas categorias Melhor Filme, Melhor Ator (Robert De Niro), Melhor Atriz Coadjuvante (Jodie Foster) e Melhor Trilha Sonora (Bernard Hermann – o responsável pela aterrorizante música de “Psicose” [1960] do Hitchcock). Saiu, infelizmente, de mãos abanando! Considerada uma das maiores injustiças da premiação, perdeu a cobiçada categoria Melhor Filme para “Rocky” (1976), dirigido pelo John G. Avildsen e escrito pelo protagonista Sylvester Stallone.

Scorsese parece que não tem sorte. A obra de ação “Gangues de Nova York” (2002) teve 10 (dez) indicações, incluindo Melhor Filme, Melhor Ator (Daniel Day-Lewis), Melhor Roteiro Original e Melhor Diretor. Mais uma vez, nada! O campeão da noite foi o musical “Chicago” (2002).

Com a comédia “O Lobo de Wall Street” (2013) foram 5 (cinco) nomeações: Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Ator (Leonardo Di Caprio), Melhor Ator Coadjuvante (Jonah Hill) e Melhor Diretor. Sem êxito algum, de novo! O drama racial “12 Anos de Escravidão” (2013) venceu a cerimônia.

Mais recentemente, na última premiação realizada em 2020, “O Irlandês” (2019), apesar de suas 9 (nove) indicações, foi desbancado pelo sul-coreano “Parasita” (2019).

Mas o cinema, como sabemos, não se resume ao Scorsese, nem tão pouco aos conceitos dele. Não é mesmo, Mr. Scorsese? Vejamos outros preteridos.

Voltando no tempo e viajando diretamente para a década de oitenta, encontraremos uma injustiça colossal com o talentosíssimo realizador Steven Spielberg. “A Cor Púrpura” (1985), baseado no livro homônimo da Alice Walker vencedor do Pulitzer, foi indicado a 11 (onze) estatuetas! O filme é extraordinário, um dos melhores já dirigidos pelo Spielberg! Drama intenso, questões profundas, abordagem racial impactante e visceral! O elenco impressiona, sobretudo a magnífica Whoopi Goldberg! Ela, por óbvio, concorreu ao Oscar na categoria Melhor Atriz. Não ganhou. Ninguém dessa fantástica obra ganhou! O vencedor da noite, com 7 (sete) prêmios, foi o insosso e enfadonho drama romântico “Entre Dois Amores” (1985), dirigido pelo Sidney Pollack e protagonizado pela Meryl Streep e pelo Robert Redford. Injusto, muito injusto!

Na década de noventa, um dos melhores, mais emocionantes e mais envolventes filmes da história da sétima arte, irretocável em todos os aspectos, com nota 9.3 no site IMDb (Internet Movie Database), concorreu a 7 (sete) Oscars em 1995 e nada levou! Foi o “Um Sonho de Liberdade” (1994), dirigido pelo Frank Darabont e baseado numa obra literária do Stephen King. Cinco anos depois, a mesma dupla (Darabont e King), com “À Espera de Um Milagre” (1999) foi nomeada a 4 estatuetas e, de igual sorte, ficou a ver navios! Lastimável!

É isso! Muito glamour, holofotes, vestidos de grife, ternos elegantes e quase nada de meritocracia. É o Oscar da política, da bajulação e outras coisinhas que merecem destaque num possível texto futuro.

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Você é um cineasta, profissional ou amador? Tem algum longa-metragem a partir de 60 minutos, um documentário de 40 minutos ou curta-metragem de até 15 minutos? Estão abertas as inscrições para o 11º Cinefantasy – Festival Internacional de Cinema Fantástico. Confira o regulamento no site cinefantasy.com.br e inscreva seu trabalho até o dia 7 de fevereiro!

O festival ocorrerá na capital paulista no mês de março desse ano, com data a definir pela organização, e, mais uma vez, divulgará e incentivará o cinema fantástico e o seu universo através de mostras competitivas, paralelas e atividades de formação.

Há espaço para diversos gêneros fantásticos como horror, ficção científica e fantasia.

A programação contará com debates sobre bandeiras afirmativas; encontros sobre a participação das mulheres na direção do cinema fantástico; a força do gênero no cinema negro e, ainda, sobre a produção LGBTQI+ fantástica. Nesta vindoura edição será realizada, ainda, a sessão Fantastic Black Power, um braço do festival dedicado aos cineastas afrodescendentes!

Fiquem ligados, Cineastas! E, de igual sorte, os Amantes do Cinema! Será uma overdose de obras de extrema qualidade! Imperdível!

O Festival e Minha Experiência como Curador

O Cinefantasy – idealizado por Eduardo Santana e dirigido por Monica Trigo – é o primeiro festival no mundo do gênero fantástico a praticar bandeiras afirmativas, valorizando e evidenciando o relevantíssimo contributo das mulheres, LGBTQI+ e negros para a sétima arte.

Já foram apresentados, até o momento, 1.067 filmes a um público de mais de 90 mil pessoas!

Tive a honra de integrar o time de curadores da 10ª edição, que ocorreu em setembro de 2020 de modo excepcionalmente on-line em decorrência da pandemia do Coronavírus. Além da utilização da plataforma digital, também foram realizadas exibições em Drive-In nas cidades de São Paulo e Fortaleza, bem como algumas sessões em Manaus no Teatro Amazonas.

Acompanhei na íntegra o evento, incluindo a seleção das obras inscritas; os contatos com os organizadores e demais curadores; a abertura com o extraordinário longa nacional “Cemitério das Almas Perdidas” do cineasta Rodrigo Aragão; as exibições dos filmes selecionados e a cerimônia de encerramento.

É de impressionar a primorosa qualidade do festival! Os filmes são incríveis, produções irretocáveis – até as amadoras! E foi justamente a categoria dos curtas-metragens amadores que tive o prazer de curatelar. Que grata surpresa ao conhecer o trabalho de cineastas jovens e promissores de todas as regiões de nosso Brasil! Vi obras apocalípticas, místicas, tensas, aterrorizantes, imaginativas, poéticas, angustiantes, todas com qualidade técnica aprimorada e atuações impactantes!

Louvável a atitude de eventos como esse, priorizando o cinema independente e dando oportunidades aos cineastas até então desconhecidos, mas repletos de talento.

Conheça, pesquise e valorize o cinema independente! Muitos cineastas renomados já saíram dessa seara e outros vários serão revelados! Quem sabe você não conhecerá um em primeiríssima mão!?

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O filme aborda, a  vida  da recém formada Andy, uma jovem cheia de sonhos, que começa a trabalhar na revista da famosa Miranda Priestly a “Runway”. Linda, rica, e com muito reconhecimento no mundo da moda, Miranda tem vários segredos e ama o seu trabalho. A personagem da Anne, no começo não se adapta ao mundo novo, e vai passar por momentos complicados nas mãos da Miranda.

Com o figurino incrível feito por Patricia Field, com a direção de David Frankel e com indicação ao Oscar em melhor atriz, e prêmio globo de ouro: melhor atriz coadjuvante em cinema, o filme e um marco, e faz todo mundo querer assistir novamente.

Você pode assistir esse longa incrível no Star +, e ver quando e onde quiser. Um clássico desse, vale muito a pena ver de novo, com a família e amigos, e não pode faltar a pipoca.

Uma curiosidade sobre o filme é que Merly Streep fez uma mudança em sua personagem, que no começo seria uma chefe explosiva, no entanto a atriz optou em falar com um tom baixo, e com uma atuação severa de Miranda. Em relação a figurino, foram gastos mais de 1.000 dólares, e apesar do baixo orçamento, Patricia conseguiu várias peças com seus contatos e também doações de grifes famosas.

Haja história em, eu já quero uma continuação, para vivermos novas aventuras de novo, com Andy e Miranda.

Não podemos deixar de falar da atuação incrível do elenco, que além de um trabalho bem feito, marcaram uma geração com esse clássico atemporal.

Abraço e até o próximo artigo!!!

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A ideia é que o público consumidor associe positivamente o produto a um personagem ou a uma cena marcante, o que pode aumentar a familiaridade, a lembrança e a preferência do público em relação à marca. Diferentemente das propagandas e dos anúncios tradicionais – como comerciais de TV -, o product placement não interrompe o conteúdo que está sendo consumido pelo potencial cliente a ser atingido e o produto anunciado se integra à narrativa e ao universo da história, gerando uma associação mais natural e emocional.

Esse tipo de estratégia permite que as marcas atinjam públicos segmentados e específicos, de acordo com o perfil dos personagens e do contexto em que o produto é inserido. Por exemplo, uma marca de relógios pode fazer “product placement” em um filme de ação, em que o personagem principal usa um relógio esportivo resistente e sofisticado.

Confira 10 vezes que a Apple fez Product Placement perfeito

1. The Social Network (2010) –
   Diretor: David Fincher
   Produto: MacBook Pro
   Minuto: 18:27
   Personagem: Mark Zuckerberg diz “E se eu precisar fazer alguma coisa em casa?” enquanto ele e seu amigo Eduardo estão discutindo a criação do Facebook.

2. The Avengers (2012)
   Diretor: Joss Whedon
   Produto: iPhone
   Minuto: 32:52
   Personagem: Tony Stark (Iron Man) mostra a Natasha Romanoff (Viúva Negra) seu telefone, dizendo “não se preocupe, eu tenho um”.

3. Star Trek: Into Darkness (2013)
   Diretor: J.J. Abrams
   Produto: MacBook Pro
   Minuto: 39:20
   Personagem: James Kirk está usando um MacBook Pro para analisar dados e encontrar o vilão.

4. The Internship (2013)
   Diretor: Shawn Levy
   Produto: Google Maps no iPhone
   Minuto: 44:20
   Personagem: Os personagens principais estão navegando pelo Google Maps em seu iPhone enquanto procuram o escritório do Google.

5. Sex Tape (2014)
   Diretor: Jake Kasdan
   Produto: MacBook Pro e iPhone
   Minuto: 7:30
   Personagem: O personagem de Jason Segel está usando um MacBook Pro para trabalhar em casa, enquanto sua esposa, interpretada por Cameron Diaz, usa um iPhone.

6. “Don’t Look Up” (2021)
   Diretor: Adam McKay
   Produto: iPhone
   Minuto: 37:41
   Personagem: O filme de Adam McKay apresenta o iPhone em várias cenas, incluindo uma cena em que a personagem interpretada por Jennifer Lawrence usa um iPhone para fazer uma ligação.

7. The Martian (2015)
   Diretor: Ridley Scott
   Produto: MacBook Pro
   Minuto: 1:25:27
   Personagem: O personagem de Matt Damon está usando um MacBook Pro para se comunicar com a NASA enquanto tenta sobreviver em Marte.

8. Kingsman: The Secret Service (2015)
   Diretor: Matthew Vaughn
   Minuto: iPhone
   Personagem: 26:06 – Personagem: O personagem de Eggsy é apresentado a um iPhone por Harry Hart.

9. Blade Runner 2049 (2017)
   Diretor: Denis Villeneuve
   Produto: Sony Xperia
   Minuto: 00:04:50
   Personagem: O personagem de Ryan Gosling usa um Sony Xperia para verificar seu banco de dados enquanto investiga um crime.

10. Homecoming (2017)
    Diretor: Beyoncé
    Produto: Apple Music
    Minuto: 00:08:50
    Personagem: Beyoncé canta “Sorry” enquanto o título da música é exibido na tela e o logo da Apple Music aparece no final da apresentação.

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O post O que é Inteligência Artificial (Guia Definitivo): tudo o que você precisa saber apareceu primeiro em Tecnoveste.

O livro “Blade Runner”, de Philip K. Dick, foi publicado em 1968 e adaptado para o cinema em 1982. O filme homônimo, dirigido por Ridley Scott, tornou-se um clássico do gênero e é um dos principais exemplos de como uma história pode ser reinterpretada em diferentes formatos. Enquanto o livro se concentra mais na investigação de um detetive sobre a existência ou não de replicantes, o filme destaca mais a ação e o visual impressionante, além de trazer novos elementos à trama.

Outro exemplo é “Eu, Robô”, de Isaac Asimov, publicado em 1950 e adaptado para o cinema em 2004. O filme estrelado por Will Smith tem uma trama completamente diferente do livro original, mas utiliza o conceito dos três princípios da robótica, que foram criados por Asimov e se tornaram um marco do gênero.

Outro livro bastante conhecido que inspirou um filme de sucesso é “O Guia do Mochileiro das Galáxias”, de Douglas Adams. Publicado em 1979, a obra de Adams é uma mistura de comédia e ficção científica que foi adaptada para o cinema em 2005. Embora o filme tenha recebido críticas mistas, ele ajudou a popularizar ainda mais a história do Mochileiro das Galáxias, que já era cultuada por muitos fãs.

E, por fim, não podemos deixar de mencionar “1984”, de George Orwell. Embora o livro não tenha sido adaptado para o cinema com o título original, ele já serviu de inspiração para muitos filmes e séries de televisão. A história de Winston Smith e sua luta contra um regime totalitário é considerada uma das grandes obras do século XX.

Para finalizar, vamos listar três livros de ficção científica que ainda não foram adaptados para o cinema, mas que certamente seriam bem recebidos pelo público e pela crítica. São eles: “Neuromancer”, de William Gibson, que foi publicado em 1984 e ajudou a criar o subgênero cyberpunk; “A Canticle for Leibowitz”, de Walter M. Miller Jr., um clássico da ficção científica pós-apocalíptica publicado em 1959; e “Duna”, de Frank Herbert, que já teve uma adaptação para o cinema em 1984, mas que agora ganhará um novo filme dirigido por Denis Villeneuve.

Deixe nos comentários o que você achou das adaptações dos livros para o cinema e se você concorda com a nossa lista de livros que ainda merecem uma adaptação!

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Com sua atuação impressionante em “Manchester à Beira-Mar”, Robinson ganhou o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante no Critics’ Choice Movie Awards e também foi indicado ao Oscar na mesma categoria. Além disso, ele também foi indicado ao Emmy por sua atuação na série “The Newsroom”.

Alguns assuntos interessantes relacionados a Robinson incluem sua amizade com o ator Matt Damon, com quem ele atuou em “The Informant!”, e sua luta contra o alcoolismo. Em 2017, Robinson se tornou pai pela primeira vez com sua esposa, a atriz Olivia Munn.

No Brasil, existem alguns atores que são fisicamente parecidos com Robinson, como Rafael Cardoso e Rômulo Arantes Neto, que poderiam estrelar filmes com ele no futuro.

Gostou da atuação de George Ross Robinson? Comente abaixo e nos diga qual é o seu filme favorito com ele!

O post George Ross Robinson: A história de um ator talentoso e premiado apareceu primeiro em Tecnoveste.

En redes socialies como Tiktok y Snapchat, es posible perceber como a la audiencia latina ha influenciado los temas y la forma en que se abordan en el entretenimiento. Pero, ¿cuáles son esos cambios y cómo la cultura latina está cambiando la industria del entretenimiento?

En primer lugar, es importante mencionar la representación. La falta de representación latina en la industria del entretenimiento ha sido históricamente un problema, pero gracias a la cultura latina y su impacto en la sociedad estadounidense, se han producido cambios significativos. Ahora, podemos ver más actores, directores, guionistas y productores latinos en la industria, y esto se refleja en la creación de contenidos más diversos e inclusivos.

Otro aspecto importante es la temática. La cultura latina ha influenciado la forma en que se abordan temas como la familia, la identidad, la migración y la comunidad en el entretenimiento. En la actualidad, hay más películas, programas de televisión y series que abordan estas temáticas de una manera auténtica y respetuosa, lo que ha llevado a una mayor conexión con el público latino.

Por último, el impacto en la música es innegable. La música latina ha tenido un gran auge en los últimos años, con artistas como J Balvin, Bad Bunny, Rosalía y Maluma liderando las listas de éxitos en todo el mundo. Además, la música ha sido un medio para que los latinos se conecten con su cultura y su identidad, y ha influido en la creación de nuevos géneros y tendencias en la industria.

La cultura latina está cambiando la industria del entretenimiento de muchas maneras, desde la representación hasta la temática y la música. En We Are Mitú, es posible encontrar contenido que refleje estos cambios y celebre la diversidad y la inclusión. La influencia de la cultura latina en la industria del entretenimiento solo está comenzando y sin duda seguirá evolucionando y transformando la forma en que consumimos y producimos contenidos.

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Neste artigo, vamos explorar as invenções e polêmicas envolvendo Thomas Edison, bem como seu impacto na cultura ocidental e na criação de dispositivos tecnológicos modernos.

Thomas Edison foi responsável por mais de mil invenções ao longo de sua vida, desde melhorias em aparelhos telefônicos até a criação da primeira usina hidrelétrica. No entanto, suas contribuições mais notáveis incluem a invenção da lâmpada elétrica, o fonógrafo e o cinetoscópio, um precursor do cinema.

Além disso, Edison também foi um grande defensor da corrente contínua em detrimento da corrente alternada, levando a uma disputa acirrada com seu contemporâneo Nikola Tesla.No entanto, as polêmicas envolvendo Edison não se limitam apenas à disputa com Tesla.

Edison também foi acusado de plágio e de roubar ideias de outros inventores, além de ter participado da execução de um elefante em público como uma demonstração de seu sistema de corrente contínua. Esses incidentes mostram que, apesar de suas muitas contribuições para a ciência, Edison não era um indivíduo isento de controvérsia.

O impacto de Thomas Edison na cultura ocidental é inegável. Sua invenção da lâmpada elétrica permitiu a criação de uma nova indústria de iluminação, enquanto sua criação do fonógrafo e do cinetoscópio levou ao surgimento da indústria fonográfica e do cinema. Além disso, suas contribuições para a eletricidade e o desenvolvimento de sistemas de energia mudaram para sempre a forma como o mundo é iluminado e movido.

Como podemos ver, a vida e obra de Thomas Edison são extremamente complexas e cheias de nuances. Apesar de suas polêmicas e controvérsias, suas invenções tiveram um impacto profundo na cultura e na tecnologia ocidental, e ainda são sentidas até hoje.

O que você acha das contribuições de Thomas Edison? Compartilhe sua opinião nos comentários abaixo.

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Direção de Fotografia

A direção de fotografia de “Fuja” é primorosa e contribui significativamente para a atmosfera tensa e claustrofóbica do filme. As cores frias e sombrias da fotografia reforçam a sensação de isolamento e solidão vividas pela personagem de Chloe. Além disso, a câmera posicionada em ângulos fechados e enquadramentos apertados ajuda a criar uma sensação de opressão e claustrofobia que aumenta gradualmente ao longo do filme.

Atuação dos Atores

Kiera Allen e Sarah Paulson entregam atuações impressionantes em “Fuja”. Kiera Allen, em seu primeiro papel no cinema, transmite a vulnerabilidade e a determinação de sua personagem com naturalidade e habilidade, mantendo o espectador grudado na tela. Sarah Paulson, por sua vez, oferece uma atuação ambígua e cativante, criando uma personagem que é, ao mesmo tempo, carismática e aterrorizante.

Trilha Sonora

A trilha sonora de “Fuja” é discreta, mas eficaz. O uso parcimonioso de música intensifica o suspense e o terror psicológico do filme, sem nunca ser excessivo ou invasivo. O silêncio também é usado com maestria, criando momentos de tensão palpável e mantendo o espectador na beira do assento.

Montagem e Edição

A montagem na edição de “Fuja” é muito bem realizada. A edição rápida e precisa ajuda a manter o ritmo tenso do filme, enquanto a alternância entre cenas de ação e momentos mais contemplativos cria uma dinâmica emocionante e envolvente.

Conclusão

Em “Fuja”, Aneesh Chaganty e Sev Ohanian entregam um filme de suspense psicológico que prende o espectador do início ao fim. Com uma direção de fotografia primorosa, atuações impressionantes, trilha sonora discreta e uma montagem bem realizada, o filme é uma experiência cinematográfica tensa e claustrofóbica. E você, o que achou de “Fuja”? Deixe seu comentário abaixo!

O post Fuja: um filme de suspense psicológico que irá deixar você sem ar! apareceu primeiro em Tecnoveste.

Perder faz necessária parte de um processo que exige uma vitória, no caso, do outro. Assim, é por exemplo, no esporte. Práticas competitivas são frequentes na espécie humana, a maior parte delas, totalmente inventadas. Inventadas mas de consequências muito reais. Por mais que muitos não concordem, há uma biologia por trás da competitividade – antes, durante e… depois.

Perder faz tanto parte da vida que prefiro sugerir uma mudança de nome: em vez de “perdedor” substituir por “em situação de perda”.  Não é só um jogo de palavras. “Perdedor” é como uma sentença, “em situação de perda” revela transitoriedade. Essa abordagem pode ser muito mais poderosa do que imaginam, porque gera uma nova organização do pensamento e isso é muito importante. Sentimentos e pensamentos negativos são armadilhas perigosas para o momento e para o futuro. Hormônios são feitos em função disso, agem de maneira aumentada em certas áreas do corpo, particularmente no sistema nervoso. Um cérebro em permanente desânimo se reorganiza funcionalmente e pode ocasionar problemas futuros mais duradouros, de difícil tratamento.

Em sala de aula, por exemplo, a ação de um professor ou professora sobre um estudante afirmando que ele é um “perdedor”, de que não adianta “ensiná-lo” é muito mais que desastroso, ainda mais para um cérebro em construção – no caso de crianças e adolescentes. No esporte, a mídia descompromissada  e seus maus jornalistas fazem ataques insanos aos “perdedores”. É inaceitável!

A situação de perda ocorre com todos: búlgaros, portugueses, holandeses, japoneses, senegaleses, brasileiros, professores, comentaristas. Precisamos encará-la como uma situação e não como um definição. E seguir, em frente!

O post Perdedor? Quem não é? apareceu primeiro em Tecnoveste.

O público que aprecia o cinema nacional se aproveitou dessa mudança até mais que os produtores de cinema brasileiros – por motivos que beiram ou, às vezes, ultrapassam o limite da legalidade. Entendendo o desafios que se apresentam para que no território nacional de desenvolva uma mercado ativo como o de países do hemisfério norte, cineastas e produtores de cinema passaram a levar sua arte além das salas de cinema.

Esse foi o caso do filme “O Prédio”, com cerca de uma hora de duração, essa película de comédia conta a história de um possível crime ocorrido em um edifício. Os principais suspeitos são os moradores e a polícia tenta fazer seu trabalho investigativo buscando o depoimentos deles. Cada morador, de forma hilária, conta a sua versão deixando os policiais confusos e, a partir daí, a história se desenvolve de maneira divertida e leve.

O filme foi produzido pelo curso de atuação para audiovisual da INDUSTRIA PARA TV de Niterói – que privilegia a participação de alunos de baixa renda PCDs, LGBTQIA+ – e foi  dirigido por André Luiz de Bragança, que já trabalhou na Globo e na Record, além de ter feito participações especiais de Avellar Love (Da banda João Penca e seus Miquinhos Amestrados). Segundo o ator Wanner Rodrigues, que representou o personagem Delegado Carlos Guerra, o filme foi sucesso já na sua estreia em 7 de agosto na Reserva Cultural de Niterói.

É uma iniciativa louvável por parte dos produtos e merece, com certeza, o nosso apoio, seja como público ou como empreendedores que querem ver mais um setor da nossa economia se desenvolver. Confira abaixo as datas das próximas apresentações e, se puder, participe!

Exibições de Cinema

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Quem estiver interessado em ver ou em exibir o filme, entrar em contato com a INDUSTRIA PARA TV com André Luiz de Bragança por ligação ou por mensagem do WhatsApp: (21) 96437-7220.

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Baseado na história do livro “Mauricio: A história que não está no gibi”, os podcasters Tiago Américo e Leandrinho Goiaba conseguiram um furo em um dos seus episódios. Aderindo à tendência de priorizar as novas gerações em detrimento da mídia tradicional, a opção foi um acerto na mosca porque além de ter um alcance maior que as estações rádios e canais de televisão, os podcasts falam com nichos muito mais diretamente.

Quem é Mauricio de Sousa?

O pai da Mônica – personagem de quadrinhos mais famoso do Brasil – nasceu em 1935 no interior de São Paulo e, do alto dos seus 60 anos de carreira, acumulou uma experiência ímpar no mercado artístico e editorial. Mesmo precisando trabalhar para ajudar a família quando pequeno, ele encontrava tempo para ler, a leitura lhe abriu novas possibilidades e o permitiu sonhar.

De datilógrafo a repórter policial, sua paixão pelo desenho foi crescendo com o tempo e sua capacidade de roteirização foi aumentando, até que suas criações começaram a circular pelas cidades brasileiras e, com o tempo, passaram a ser premiadas nacional e internacionalmente.

Não se rendendo à censura da Ditadura Militar – que se iniciou nos anos 1960 e durou quase 30 anos -, o senhor Sousa tem vários personagens que nunca foram publicados, passou por momentos de sucesso não realizado – como no caso das primeiras peças teatrais – e teve momentos de financeiros quase falência.

Apesar de a Turma da Mônica ser o carro-chefe, eles vão muito além com mais de 400 personagens e tem mais de 3 mil produtos licenciados. Até o presente momento, a Mauricio de Sousa Produções já vendeu mais de 1 bilhão de gibis – em diversos idiomas -, produziu filmes live-action, animações e toy arts.

Quem foi Walt Disney

Walt Disney nasceu em Chicago em 1901 e, ao longo da sua vida, foi produtor cinematográfico, cineasta, diretor, roteirista, dublador, animador, empreendedor, filantropo. Ao fundar The Walt Disney Company, ele foi pioneiro no ramo das animações prouzindo curta e longa-metragens de animação. Entre suas obras mais celebradas os parques temáticos ao redor do mundo e os seus mais de 800 personagens – dentre eles Mickey Mouse, Pato Donald, Elsa.

Com mais de 59 indicações e 22 prêmios do Oscar, Mr. Walt foi capaz de identificar logo no início da sua carreira o poder da nostalgia e da contagem de histórias (storytelling) quando passou a utilizar clássicos da cultura mundial – como Pinóquio, Branca de neve etc – para contar suas histórias. Seu tirocínio para os negócios fez com que, desde cedo adquirisse empresas que poderiam agregar valor à marca  – como foi o caso de Pixar, Marvel Studios, Lucasfilm, 20th Century, Searchlight Pictures etc.

O que esperar do Futuro

O podcast onde Mauricio anunciou o grande feito é parte da rede de programas da rádio Os Insuperáveis, que transmite diariamente ao vivo direto do estado do Massachusetts, nos Estados Unidos, e também através da web.  No Youtube, eles publicam excertos de entrevistas como personalidades como Tony Ramos, Fernando Scherer, Ronie Von, João Marcelo Boscoli, Alessandra Maestrini, Claudete Troiano, ex-BBB’s – entre outros.

A rádio Insuperável é muito atualizada com as tendências atuais, pois com um total de quase meio milhão ouvintes apenas em 2022 e média, o meio primário de acesso ao conteúdo deles é feito através de dispositivos móveis. Com programas como Show da Manhã, Making in America, Vem Viver, Mundo da Saúde, Espelho do Imigrante, Tudo Azul e, é claro, Os Insuportáveis, a rádio permite que os imigrantes brasileiros no EUA mantenham contato com a sua cultura e fortaleçam o senso de comunidade.

Pela regularidade nas publicações e qualidade das notícias dos Insuportáveis, é possível prever que ainda este ano anunciaremos mais furos de notícias dos meninos. Para quem gosta de cultura pop, acompanhar Tiago e Leandrinho é um prato cheio. Os caras são divertios, inteligentes e super atenciosos com os convidados que recebem.

É uma alegria imensa que os brasileiros, finalmente, aprenderam a reconhecer, valorizar e priorizar os ídolos nacionais ainda em vida; e é revigorante ver que os mestres da velha-guarda estão cada vez mais dispostos a prestigiar as novas gerações e tentar participar das novas ondas tecnologias que tomam de assalto a sociedade – sejam eles os podcasts ou, até mesmo, os vídeos no Tiktok.

Qual foi o último gibi que você leu? Qual outro brasileiro que você acha que também deveria ter um filme produzido pela Disney?

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Por que Einstein, quando perguntado sobre como seria a terceira mundial respondeu: “a terceira, eu não sei, mas a quarta será de pau e pedra”?

Um conflito nuclear é um suicídio universal. O filme que citei ilustra bem o que ocorreria e por isso foi tão impactante para todos na época. Além da capacidade direta de destruição das bombas, teríamos a radioatividade.

A radioatividade é extremamente cancerígena. As células do corpo submetidas a ela logo se transformariam em células tumorais, especialmente tumores sanguíneos. Isso geraria hemorragias e mortes dolorosas. A morte dos sobreviventes ao holocausto nuclear seria uma questão de tempo, de um tempo sofrido. O mundo passaria por uma poluição sem precedentes e tudo estaria praticamente contaminado por muitos anos, décadas.

Seria praticamente o fim.

As pessoas precisam entender a capacidade devastadora dessas armas. Por isso, estamos muito atentos e confiantes à questão entre Ucrânia e Rússia. A Rússia não está entre as 10 economias do mundo mas tem o maior arsenal atômico do mundo, herança da URSS, na frente dos Estados Unidos e da China.

Não queremos Nagasaki, nem Hiroshima, nem Kiev, nem Moscou, nem Washington. Não queremos uma nova Guerra Fria, mas muito menos queremos uma Guerra quente, repleta de fogo cogumélico, aniquilando anos de uma próspera humanidade.

Fiquemos atentos e confiantes. E otimistas sobre o fim do conflito em andamento.

Se não, preparemos paus e pedras.

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Stromboli (a sílaba tônica é a terceira) é uma ilha próxima da Sicília. Famosa por fazer parte do cinturão de fogo italiano. Famosa pela filmografia de um dos maiores diretores da história, o italiano Roberto Rossellini. Famosa por uma interpretação marcante de uma sueca de sobrenome Bergmann, de nome Ingrid.

Stromboli, terra de Dio (1949) é o nome do filme de Rossellini e também nome de uma ilha de verdade. Ainda hoje, a comunidade da ilha exemplifica uma vida sustentável, na acepção da palavra, vida essa retratada magistralmente no filme. Rossellini consegue focar na visão das câmeras, na sequência das imagens e na interpretação de Ingrid, um documento de um paraíso natural, carregado com o DNA do que seria a nouvelle vague francesa (de Rohmer) e o Cinema Novo (de Glauber Rocha). 

As famílias vivem da pesca e de algumas culturas – como a da azeitona e da uva. Hoje, há em torno de cem habitantes permanentes na ilha, chegando a quatro mil no verão. Além do turismo, brilham ainda as lentes de Rossellini. Quando gravou, recrutou diversos habitantes da própria ilha para atuarem. Na película, o diretor evoca a natureza o tempo todo. O mar abaixo e o vulcão acima é o verdadeiro filme de pessoas que sobrevivem com receio constante das erupções. A lituana Karen (Ingrid) chega a ilha como quem recebesse sua alforria mas aquela viagem não tardaria a mostra que a levou ao confinamento. Os olhos de Karen captam toda ambientação rústica do lugar e logo traz à tona a indignação contra os modos, as aparências e a brutalidade. Sua resiliência parece ser capaz de superar um possível arrependimento, mas o tempo e os fatos acirram a disputa interna. Seu marido, Antonio (Mario Vitale), traz um furão para caçar coelhos. Ao soltá-lo, o pequeno mustelídeo ataca prontamente sua vítima, arrastando-o pelas longas orelhas. Antonio vibra, Karen chora. 

A comunidade vive de forma simples, ecologicamente correta e na esperança de sobreviver à próxima erupção. Um olho no peixe, outro no gato. Quando ela (a erupção) finalmente ocorre, entram em barcos, vão para o mar e esperam, por horas, as coisas “esfriarem”. O mar é fuga e é o sustento. Uma das sequências mais belas do filme (fora a performance de Ingrid Bergmann) é a da pesca do atum. Tudo é registrado de forma poética, métrica, viva, ritmada e coerente. Os barcos se enchem do grande peixe enquanto os olhos de Karen mais uma vez repousam sobre a ação humana sobre a vida. Ela deveria ficar muito mais espantada se visse o que fazemos hoje. 

Cansada de sua “guantánamo”, de sua “alcatraz”, Karen segue impetuosa vontade para fugir de tanta rudeza, simplicidade e distância do continente: prepara um plano de fuga. Seduz o homem do farol (Mario Sponzo) para ajudá-la mas traça ela própria seu caminho: atravessar o vulcão andando e buscar ajuda do outro lado da ilha, junto à comunidade de Ginostra. De lá, a liberdade. Nada é tão simples. Durante a caminhada, Karen percebe a força da ilha, a fumaça, o calor, o cansaço e invoca Deus para sobreviver e salvar o “bambino” que carrega em seu ventre. De cima de Stromboli, lado a lado com o fogo, a explosão da atriz, da personagem e do meio ambiente deslumbram quem vê.

Stromboli e Cumbre Vieja nos devolvem aquele sentimento de que fazemos parte de algo maior, natural e perigosamente belo. Faz com que retomemos essa relação ambivalente com a natureza e nos devolve para a humildade de olhar o planeta de modo respeitoso, temeroso e fraterno.

E vejam Stromboli de Rossellini!

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Estamos em 1939 mas na verdade o tempo é mais remoto: 1861. A história se passa em algum lugar da região sul dos Estados Unidos em plena recém-deflagrada Guerra da Secessão, a guerra civil americana. De um lado, o Sul aristrocrata, latifundiário e partidário imperativo da escravidão. Do outro, o norte industrializado, os intitulados ianques. Um ambiente devastador implantou-se sobre o território dos Estados Unidos levando a quase 1 milhão de mortes durante o conflito (1861-1865). Em uma fazenda do sul escravocrata, Scarlett O’Hara, mimada, apaixonada e apaixonante, inicia uma saga das mais belas da história do cinema. Gone with the wind (E o vento levou). Sessão imperdível (apesar de durar mais de 4 horas…) que deveria estar presente em qualquer lista dessas de “os filmes que devo assistir antes de morrer”.

Os motivos? Um elenco marcante com Vivian Leigh (1913-1967), Clark Gable (1901-1960) e Hattie McDaniel (1895-1952). Muitas indicações para o Oscar (recebeu naturalmente o de melhor filme, sendo o primeiro filme colorido premiado na categoria). Cenas inesquecíveis – como a do incêndio que torrou cenários igualmente importantes como o do primeiro King Kong (1933).  De todas as cenas do filme, a mais tocante para mim é Scarlett retornando a Tara, a fazenda de seu pai. Lá, incendiada e destruída pelos ianques, com a mãe morta e o pai louco, Scarlett não tem o que comer. Com o entardecer ao fundo, segurando o vestido rodado, cabelo em desalinho, ela diz que nunca mais passará fome enquanto viver, segurando nervosamente em uma das mãos um tubérculo, na desolada e arrasada terra outrora próspera.

Fome. 

No centro da cabeça, há um lugar. Ele se chama hipotálamo. Entre outras funções, é o centro da fome. No sangue, um mensageiro: a leptina. A regra é clara: quando você come acima do que precisa, nossa matriz energética estoca gordura nos adipócitos (nossas células dedicadas a “engordar”). Os adipócitos avisam que estão bem abastecidos liberando a leptina. A leptina atua no hipotálamo cessando o apetite. 

Difícil, é o contrário. Estômago vazio, sangue sem açúcar, o corpo reage liberando (a partir do estômago) o hormônio da fome: a grelina. A grelina avisa o hipotálamo: estamos com fome!

Fome.

É um desafio mundial. O exercício de reduzir a fome estava em marcha lenta mas progressiva, mas veio a pandemia. Além dos fatores conhecidos como a seca, o frio, as desigualdades sociais e regionais, as guerras, a má distribuição dos alimentos, tem-se a mais o empobrecimento da população por conta da Covid-19.

Os números atuais assustam. Há uma estimativa de que 23 mil pessoas morreram de fome apenas hoje.  O total de pessoas desnutridas no mundo supera 850 milhões. No entanto, há 1,7 bilhão de pessoas em sobrepeso. Seria lindo que a cena de Scarlett fosse um grito definitivo para cada cidadão dos já quase 7,9 bilhões de seres humanos na atualidade. Enfrentar o incêndio quente de Tara, e esse incêndio frio que revela Neruda…

Fome.

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  Paulo José Gomes de Souza nasceu em Lavras do Sul, no Rio Grande do Sul, em 20 de março de 1937. O contato com as artes começou cedo, ainda na escola. Nos anos 60, ele se mudou para São Paulo onde começou a trabalhar no Teatro de Arena. Sua primeira peça foi Testamento de um Cangaceiro, de Chico de Assis, em 1961.

  Em comunicado, a TV Globo prestou uma homenagem ao ator: “Um dos maiores nomes da nossa dramaturgia, como ator e diretor, e também dono de uma voz marcante, Paulo José é daqueles artistas de quem o público sempre se sentiu próximo. Nas últimas décadas, entrou em nossas casas por meio de uma infinidade de personagens que ficam, assim como ele, para a história”.

  Já nesta quinta-feira morreu o ator Tarcísio Meira, aos 85 anos. Ele e a esposa, a atriz Glória Menezes, de 86, foram internados no Hospital Albert Einstein, no dia 6 de agosto, em São Paulo, diagnosticados com Covid-19. Glória apresentou sintomas leves, enquanto o ator precisou ser intubado. A atriz segue internada.

  Em entrevista a VEJA, em 2019, o ator, que estrelava a peça O Camareiro, afirmou, então com 84 anos: “Artista não se aposenta. Quer trabalhar, enquanto houver trabalho para ele”. Na mesma conversa, ele revelou o temor em relação à finitude da vida, dilema que também assolava o personagem vivido por ele na trama. “Ninguém gosta de pensar que o fim está chegando. Mas ele está chegando para mim. A esta altura da vida, muitos colegas da minha idade se foram. Daqui a pouco, vou eu. Talvez eu deixe um vazio nas pessoas.”

  Entre novelas, séries e teleteatros, Tarcísio carimbou seu nome em mais de 60 trabalhos. Entre os títulos mais marcantes estão Saramandaia (1976), Roque Santeiro (1985), Araponga (1990), Fera Ferida (1993), O Rei do Gado (1996), Hilda Furacão (1998), O Beijo do Vampiro (2002), A Favorita (2008), e Velho Chico (2016). Seu último trabalho na TV foi a novela global Orgulho e Paixão (2018), na pele de um industrial inglês.

  Que descansem em paz.

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Vamos pensar: como é um vampiro? Podemos enumerar algumas propriedades deles:

1. sugam sangue;
2. têm caninos desenvolvidos;
3. são fotofóbicos;
4. são agressivos;
5. transformam-se em morcegos;
6. são mais fortes que os humanos;
7. não suportam alho e crucifixo.

Como explicar a existência de algo assim?

Penso que o povo algumas vezes inventa mas se escora em alguma ″realidade″ para fazê-lo. E eu desconfio de algumas circunstâncias conhecidas aqui. 

Um vírus. Seu material genético é RNA. O contágio? A mordida, a dentada seguida de salivação. Na saliva deles, o poder de matar. Os transmissores podem ser cães, gatos, macacos, guaxinins, coiotes, lobos, chacais e… morcegos. 

O vírus da raiva é introduzido no corpo da vítima e logo mostra a sua capacidade de promover estragos, particularmente no sistema nervoso. O paciente começa a desenvolver problemas associados ao comportamento: de um mau humor a problemas no engolimento. Surge a aversão temerosa à água – o que faz com que a raiva também seja conhecida como hidrofobia. Há relatos também de fotofobia – a mesma aversão, só que em relação à luz. O paciente manifesta maiores crises, vem o sintoma da danação. Ficam agressivos, atacam, mordem, são capazes de ações desproporcionais para sua força (típicos de algumas pessoas com transtornos psiquiátricos) e já não respondem mais pelos seus atos. A crise aprofunda e a morte sobrevém em praticamente todos os casos.

Captou a mensagem, nobre leitor? Uma mistura de elementos da patologia da raiva, de seus transmissores e de todo o espanto do povo em relação aos portadores da doença constróem nosso personagem. Os vampiros da Europa Média podem ter sido cidadãos comuns que sofreram de uma virose que os transtornaram, despersonalizando-os, virando-os pessoas arredias, notívagas, capazes de agredir gratuitamente porque perderam a auto-crítica e a auto-censura. Para mim, caso encerrado.

Quanto ao alho e ao crucifixo, bom, o povo também inventa um pouco, né?

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Tubarões assustam no imaginário de todos até hoje. Mas parece que a fama dos tubarões oscila entre o desejo de matá-los e o descaso excessivo. A maioria das espécies de tubarões não atacam humanos e nenhuma delas identifica o ser humano como uma presa prevista. Mas isso não significa que eles sejam inofensivos; muito pelo contrário. Existem cerca de 375 espécies de tubarões no mundo sendo que 80 delas ocorrem no Brasil. Cerca de 30 espécies no mundo têm episódios de ataque a seres humanos, sendo que no Brasil são encontradas quatro das cinco mais perigosas: o galha-preta, o branco, o tigre e o cabeça-chata. É preciso respeitá-las.

No mês passado, um homem perdeu a vida na praia de Piedade, em Jaboatão dos Guararapes (PE). Segundo testemunhas, mesmo avisado o perigo, o homem se colocou mar a dentro e foi atacado. Ele acabou perdendo a mão e tendo um grande corte na coxa. Não resistiu aos sangramentos e teve uma parada cardíaca. Só em Pernambuco, são 26 mortes desde 1992. O agressivo tubarão-tigre (Galeocerdo cuvier) é apontado como o principal responsável pelos ataques a banhistas em praias da região juntamente com outra espécie tida como feroz e agressiva: o cabeça-chata (Carcharhinus leucas).

Todo cuidado e todo respeito são importantes quando o assunto é tubarão. São muitos deles animais perigosos e precisamos manter essa cautela para que a vida, neste caso, não imite a arte de Spielberg.

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O trunfo de mais uma série biotech é um procedimento que recebeu o prêmio Nobel de Química em 2020: a CRISPR- Cas9. A técnica vem sendo chamada de edição de DNA. As laureadas com o prêmio foram as pesquisadoras (sim, mulheres na ciência!!!) Jeniffer Doudna (EUA) e Emanuelle Charpentier (FRANÇA). Doudna recebeu recentemente uma poderosa biografia já traduzida em português (“A decodificadora”).

O que faz a CRISPR-Cas9?

A técnica aplicada pelas pesquisadoras permite “seeking and destroy” no DNA. Assim, o complexo molecular descoberto originariamente em bactérias como uma espécie de sistema imunológico delas, é capaz de localizar qualquer área específica do DNA e retirar sequências podendo além disso introduzir sequências desejáveis. O espantoso da técnica é a eficiência e praticidade. O biógrafo Walter Isaacson (que escreveu o livro “A decodificadora” sobre Doudna) comentou que apesar de não ser da área aprendera operar a técnica em apenas uma tarde no laboratório! Essa tecnologia é uma forma de hackear o DNA, o que pode ser perigoso ao extremo e traz consequentemente diversas polêmicas subjacentes como a produção de seres humanos “perfeitos”.

Enquanto a técnica vive uma moratória ética à espera de uma melhor compreensão dela e legislações que possam regulá-la, há ao menos uma boa notícia para os entusiastas da série da NETFLIX: segunda temporada garantida!  Vale a pena conferir!

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O Roteiro

Já conversamos sobre as responsabilidades de um Roteirista com seu Roteiro, no texto “O que faz um Roteirista Cinematográfico?”. Recapitulando em resumo o que foi dito lá, o Roteiro é peça fundamental para a criação e condução da narrativa proposta, pois é nele que as principais ações estão descritas para que a Produção trabalhe claramente com todas as funções estabelecidas para alcançar o objetivo maior, entregar o produto Audiovisual.

Um Roteiro tem conjuntos estruturais, que em harmonia, confeccionam bons projetos na tela. Na maioria dos conjuntos, temos a Sequência Lógico Narrativa, ela consiste no raciocínio histórico estabelecido, com isso, os fatos estão envolvidos numa cadeia de ramificações que evolui na presença de ações passadas, presentes e futuras. Os elementos dessa estrutura tem funções diversas e a seguir vamos falar sobre os três mais usados, são eles os Atos, Plot Twists e Pontos de Virada.

3 Atos 

Você já deve ter lido histórias em livros e jornais que apresentaram início, meio e fim. Assim como nestas histórias, os filmes também carregam as três partes, porém são chamadas de Atos.

Os Atos são responsáveis pela divisão dos blocos e suas funções, São 3 que ficam configurados assim: 

O primeiro portando a iniciação do mundo proposto, nele temos acesso ao protagonista e as limitações da realidade em que vive. O primeiro Ato é conhecido como apresentação do mundo comum. 

O segundo mostra o personagem principal atendendo a um chamado de aventura e entrando no mundo extraordinário, saindo da comodidade do Ato anterior e enfrentando desafios e inimigos, forçando amadurecimento nos campos que precisa. 

O terceiro traz a resolução da história, geralmente fazendo com que o protagonista entenda seu potencial e lugar de direito, retornando assim, mais evoluído para o mundo ordinário apresentado no primeiro Ato, que agora é visto com outros olhos.

Plot Twists

São pequenas engrenagens utilizadas para que a trama continue interessante até o fim. Um Plot Twist (Virada da Trama) tem a função maior de surpreender o público com o objetivo de gerar empatia. A utilização ocorre quando a narrativa segue uma direção única dos fatos e precisa de eventos que causem reviravoltas para encorpar a obra. Não há quantidade limite para inserir Plot Twists.

Pontos de Virada

Diferente dos Plot Twists, os Pontos de Virada tem um limite para aparecer no Roteiro. Eles acontecem duas vezes, marcando as transições do primeiro para o segundo Ato e do segundo para o terceiro Ato.

Sua função é exatamente marcar as mudanças das fases da história, sendo extremamente importante para situar o início, meio e fim. No Roteiro Clássico, o primeiro Ponto de Virada acontece no momento em que o chamado da aventura é aceito, o segundo o último Ponto de Virada se concretiza quando o herói perde quase tudo e parte para a reconstrução.

Colocando em prática

Entender as partes técnicas do Cinema é importante não só para quem produz, mas também para quem aprecia as obras. Quando entendemos os processos, fica melhor avaliarmos os conteúdos que assistimos, então fique de olho no nosso Portal, com o intuito de sempre aprender mais sobre a Sétima Arte!  

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Zack Snyder provou que sabia dirigir filmes de zumbis, desde a sua estreia no remake do clássico “Madrugada dos Mortos”, por isso essa produção se tornou uma das maiores apostas da Netflix nesse primeiro semestre de 2021.

De cara é preciso dizer que Army of The Dead está longe de ser um grande filme, a história é fraca, o roteiro é bagunçado e ilógico, os personagens não são ruins, mas são mal desenvolvidos e acabam caindo em estereótipos, as subtramas não tem substância e não conseguem construir o elo dramático que era pretendido e o ato final é uma babaquice clichê e preguiçosa.

Apesar dos comentários negativos acima, eu gostei do filme. Zack Snyder conduz a ação com muito estilo, tem muito gore e violência gráfica, a abertura é sensacional, tem uma pegada rítmica que se inicia com um “terror” e é encerrada de um forma inesperadamente melancólica. O cenário pós apocalíptico é bem feito, David Bautista é um herói eficiente, os zumbis são imponentes e são bem aproveitados, os efeitos visuais e maquiagem convencem.

Army of The Dead é uma baboseira divertida, que oscila entre o divertido e o brega.

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Dinâmica de construção

Por trás do ritmo e sequência imagética, há significados críticos na montagem. Fala do padrão de vida interiorano, reforçando estereótipos até certo ponto, sexistas, não vou ser hipócrita e dizer que outras obras não compartilham da mesma descrição em suas realizações, até porque o cinema com esse viés semidocumental está em funcionamento para representar o real travestido de ficção.

Os costumes são bem apresentados, quando vemos um jeito diferente de acender um cigarro, uma confecção de roupas, criar animais e por fim, se relacionar com a família.

Tenho apenas dois filmes de Humberto Mauro, para falar de sua direção. Assim como em “Ganga Bruta”, “A velha a fiar” é montada com esmero. A música dita as passagens de quadro com a marcação de tempo em cima do pedido.

Antes do início da cantiga, Humberto mostra as figuras que serão importantes para a compreensão do que está por vir, a música inicia e o espectador acompanha sem dificuldades os objetos citados. Chegou em um ponto onde comecei a cantar e ficar extasiado (vicia muito!).

Vale a pena assistir?

Ao meu ver a produção não parece ter sido complicada de executar, se comparada à montagem final. Poucos personagens, o ambiente procurado ajudou bastante, a utilização de objetos cenográficos ganhando vida, isso tudo colaborou para o resultado que foi alcançado.

A edição em cima da marcação musical, como citei anteriormente, ficou muito interessante e a sequência acelerada do final, para um filme de 1964, achei um tanto quanto arrojada.

Esse é o tipo de filme onde eu daria um 10 fácil, expressa uma parte brasileira importante em sua construção histórica e ver filmes assim me deixa animado em saber que nossa cultura pode ser eterna, depende de nós fazer ela atravessar os tempos!  

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A entrega dos prêmios ocorrerá no dia 25 de abril de 2021, de maneira presencial. Segundo a organização, transmissão ao vivo acontecerá de vários locais diferentes, devido a pandemia do coronavírus. Maiores detalhes sobre a premiação ainda não foram divulgados.

Diversidade:

Pela primeira vez, em 93 edições, duas mulheres foram indicadas ao prêmio de direção – Chloé Zhao (Nomadland) e Emerald Fennell (Bela Vingança). Zhao também foi a primeira mulher não branca a ser indicada na categoria, e a primeira mulher a receber quatro indicações no mesmo ano, por direção, roteiro adaptado, montagem, e melhor filme. E Fennel é a primeira mulher estreante a entrar na lista de direção. Ainda assim, a lista da Academia foi menos diversa que a dos Globos de Ouro, que também indicou Regina King, por Uma Noite em Miami.

Confira agora a lista completa dos indicados ao Oscar 2021:

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Significado dos termos

Spin-off: Termo popularizado no meio empresarial que também acabou por ser adotado pelo meio do entretenimento. Baseia-se no lançamento de um produto ou negócio derivado de uma empresa ou produção existente.

Crossover: Produto formado por cruzamentos de ideias e contextos, afim de agregar e expandir a gama de possibilidades presentes em dois ou mais conteúdos.

Como são usados?

Em outros textos postados aqui no Portal da Tecnoveste, falamos sobre recursos fundamentais para a existência e continuidade do entretenimento audiovisual. Cada iniciativa tem seus motivos que variam entre publicidade, administrativo e desenvolvimento da arte trabalhada.

Os Spin-offs são considerados a forma mais popular de continuar contando sobre universos apresentados na história-chefe (ou origem). Em geral, estão relacionados com publicidade e administrativo, já que servem como pretexto para continuar lucrando com uma marca estabelecida. Consistem em utilizar personagens e ambientações da história original, inspirando na estrutura chefe, criando projetos com objetivo de duração extensa.

Os Crossovers tem a função de fazer o que chamamos de “Fan-service”, que é em síntese, entregar o que os fãs querem. Eles existem na medida que as histórias de dois ou mais filmes ou séries, se cruzam. É muito comum com produções envolvendo heróis. Diferente do Spin-off, essa abordagem tem duração de curto prazo, pois as interações giram em torno de 1 a 3 episódios (séries) ou poucos minutos (filmes), salvo excessões como os longas da Disney, por exemplo, que tem o Crossover do início ao fim da exibição. 

Receita do sucesso

Apesar de ter estudos acerca de público e receitas gordas, muitos projetos envolvendo Spin-offs e Crossovers não vingam. Acontece bastante da história-chefe fazer sucesso tremendo e isso empolga os Produtores Executivos, a ponto de encomendarem continuações ou fusão de ideias. 

A realidade é que poucos produtos conseguem avançar no mercado. Exemplos como Fear The Walking Dead (2015), Better Call Saul (2015), Legacies (2018) são os poucos que tiveram forças para continuar. Um grande exemplo de desastre é a série derivada de Friends, chamada Joey (2004), que pegou o personagem título, mas não passou de duas temporadas, sendo um desastre de crítica e audiência.

Com relação aos Crossovers, quem tem se saído bem no universo das séries é a Warner, detentora dos direitos de adaptação da DC Comics para TV. Ela tem promovido encontros positivos entre séries como Flash (2014), Arrow (2012) e Supergirl (2015). A Disney também não ficou para trás, porque investiu em peso nos filmes com os Vingadores (2012).

Conte para a gente seu Spin-off e Crossover favoritos nos comentários abaixo!

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As plataformas de streaming vêm crescendo cada vez mais durante os últimos anos, devido a praticidade desses serviços o interesse para filmes e séries também aumentaram, mas será que com essa nova realidade, será que os cinemas vão perder força e automaticamente a magia dos filmes vão ser ameaçadas? Será que as séries são a nova realidade? Ou tem espaço para os dois? e afinal qual é melhor?

Filmes:

Os filmes tem ao seu favor uma narrativa mais curta e simples, que normalmente é dividido em três atos: Introdução dos personagens, desenvolvimento da história e conclusão, com isso é possível em um tempo médio de duas horas se adentrar naquele universo sem precisar gastar muito tempo da sua vida.
Durante a história, os filmes passaram por inúmeras modificações, de início fomos apresentados ao cinema mudo e em preto e branco, no qual a criatividade era a maior ferramenta para contar uma história, aos poucos o cinema ganhou cor, voz, transitou entre crises e guerras e vem se reinventado a cada instante, hoje podemos presenciar películas de grande qualidade no conforto da nossa casa, durante a pandemia, por exemplo aumentaram ainda mais a demanda de longa metragens, lançados diretamente nos serviços de streaming, entretanto não acredito que isso representará o fim das telonas, todos têm seu espaço, com a diferença que a agora existe mais opções.

Séries:

As séries vem conquistando os públicos de diversos lares, desde o início da televisão, que assim como as novelas possuem uma narrativa seriada, ou seja ela vai sendo escrita enquanto ainda está sendo produzida, com isso os roteiristas acabam podendo contar com a ajuda de seus telespectadores para ditar os rumos de sua história, quem nunca ouviu falar de tal personagem que iria morrer nos primeiros capítulos, mas o público gostou tanto que ele se tornou fixo na atração, diferente das novelas uma série pode durar 1 ano ou 20, sendo dividido por temporadas que vão depender da audiência e retorno financeiro para se extenderem. No comparar com os filmes, as séries possuem uma vantagem em relação ao apelo obtido com os personagens, pois é diferente você está com um personagem no período de 2 horas, para quem sabe o ver de novo em uma continuação, do que está com ele diariamente temporada por temporada, acompanhando seus sucessos e fracassos, os fãs de Greys Anatomy, que o digam. Desse modo é possível notar uma maior procura, principalmente do público mais jovem, por séries nos serviços de streaming, pois algumas produções são vistas para serem assunto na escola, no trabalho e etc. Se tornando quase um ritual.

Minha Opinião:

Por mais que as séries tenham sim, um grande valor, com produções tecnicamente impecáveis nos últimos anos, a minha paixão desde sempre foi por filmes, eu sempre preferi ter uma experiência curta, que eu poderia acabar em um dia, do que me tornar refém de uma história mais longa, talvez seja a minha ansiedade que não permita isso, além do fator tempo, pois no período que eu gasto em uma temporada, eu assisto no mínimo 5 filmes, todavia não quer dizer que eu não goste de série, muito pelo contrário tem umas que eu amo, só que são tantas produções indicadas com um excelente resposta de público e crítica, que chega ser difícil às vezes escolher apenas uma.

Conclusão:

Quando falamos sobre arte, não existe melhor ou pior, certo ou errado, cada pessoa é tocada de uma forma e cada uma delas, possuem diferentes gostos e prioridades, ou seja não existe uma verdade absoluta, todos têm seu espaço e público.

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A pesquisa como base

  O cinema não é a primeira arte a trabalhar com grandes representações da realidade e ficção. A pintura e a literatura em suas especificidades, já construíam ambientações e sensações de variados universos.

  A sétima arte é um conjunto de espelhos que reflete todas as expressões anteriores ao seu nascimento. Nela percebemos elementos de Arquitetura, Escultura, Pintura, Música, Literatura e Dança.

  Um forte traço herdado pelo mundo cinematográfico é o elemento de pesquisa, que é o carro-chefe para qualquer realização, seja ela artística ou não. Pesquisar é entender o formato que sua ideia vai adquirir, saber o rumo que o produto vai tomar e principalmente, concretizar ferramentas que serão utilizadas para a captação do público-alvo. Um dos objetos de pesquisa é o personagem que aparecerá na telona. 

Grandes personagens

  Construir personagens não é tarefa fácil, por isso realizamos o processo de pesquisa, que não será finalizado do dia para a noite. Grandes histórias demandam grandes personalidades.

  Desde o início da sétima arte, nos deparamos com a representação dos comportamentos humanos através de personalidades propriamente humanas ou criaturas com feições diversas das quais estamos acostumados a ver em nosso meio sociável. O importante aqui é começarmos a entender o ponto central dessas representações, pois elas criam vínculo direto com as nossas sensações para com a obra que está sendo projetada.

  Grandes personagens são aqueles que formam-se através de suas experiências vividas nos ambientes, introduzindo troca de valores, sejam eles morais ou materiais. Eles ou elas, ganham o peso de fazer escolhas e lutar pelo que recebem como verdades e isso convoca o fator humano, que consiste na tentativa, no fracasso, no sucesso, no erro, no acerto e entre outras nuances. 

Personagens na Cultura Pop

  Provavelmente você tem um personagem marcante, obtendo os valores que julga serem de extrema valia, quando se trata da sua visão de mundo. Todas as histórias que lemos ou assistimos, tratam de figuras postas à prova para combater seus desafios e isso se relaciona diretamente com nosso inconsciente.

  O ser humano é feito de desejos e realizações. As pulsões humanas aparecem de formas variadas, quem nunca sonhou em salvar alguém? ou servir de inspiração? ou até mesmo ter poderes que te levam aonde quiser? estas são algumas das vontades que temos.

  Então, grandes personagens como Peter Parker (Homem-aranha), Lucky Skywalker (Star Wars) e Princesa Diana (Mulher-Maravilha), acabam entrando em contato com nosso imaginário, porque eles carregam valores consigo e tiram aprendizado de suas jornadas.

  Quais são seus personagens favoritos nos filmes? Deixe nos comentários!

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Juliano Ferreira

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Histórias de Riverdale

  Inspirando seu título no nome de muitas cidades nos Estados Unidos, Riverdale (Vale do Rio, em tradução literal para o Português) foca em contar histórias de vários perfis familiares presentes regionalmente em cidades mais interioranas, que não sejam grandes como Nova Iorque, por exemplo.

  Durante as temporadas, acompanhamos as aventuras dos adolescentes que ao longo do percurso se tornam jovens-adultos, Jughead (Cole Sprouse), Betty (Lili Reinhart), Archie (KJ Apa), Verônica (Camila Mendes) e Cheryl (Madelaine Petsch). Cada um trazendo a sua essência, eles vivenciam conflitos que os levam aos limites de suas ações. 

  Jughead é descendente de uma gangue local, e apesar de ser tão agressivo quanto seus parentes, tem apreço pela escrita e jogos de estratégia.

  Betty, tendo em seus pais forte influência jornalística, é uma investigadora nata, que além de fomentar o jornal da escola, parte para a solução dos mistérios que assolam a cidade.

  Archie é o garoto popular da escola que apesar de não ter boas notas, se dá bem em qualquer atividade física e sempre está disposto a ajudar quem precisa.

  Verônica é filha de família extremamente rica, recém chegada na cidadezinha e raramente não cria atrito com seu pai, que sempre quer interferir na sua vida e na dos residentes locais.

  Cheryl é outra filha de família rica, além de ser obcecada por ter controle sobre tudo o que acontece nos ambientes em que habita.

  Cada temporada traz uma trama principal diferente. O nosso grupo de protagonistas sempre participa do início, desenvolvimento e resolução das histórias. As famílias e amigos deles também são inclusos nas situações, de maneira sólida.

O formato

  As séries têm vários tipos de formatos e aqui no Portal da Tecnoveste já exploramos o que consiste uma Sitcom. Agora veremos onde se enquadra Riverdale através de suas especificidades.

  Assim como uma Sitcom, Riverdale comporta número extenso de episódios por temporada, que varia entre 16 e 25 capítulos. A série trata questões que abarcam um conjunto de experiências e sensações vividas por adolescentes durante o desenvolvimento da idade. Mas as semelhanças param por aí. 

  Apesar de ser bem híbrida, podemos classificá-la por maioria de traços, como série Teen de Mistério. Esse tipo de programa consiste em basicamente acompanharmos a jornada de um grupo de jovens, que se ligam de alguma forma para solucionar casos. Em geral, são pessoas que lidam com questões bem maduras e pesadas para a sua idade, como assassinatos, roubos, empreendedorismo, entre outras. 

  Esse produto audiovisual tem roteiro bem focado no público alvo, então por questões de audiência, é raro o falecimento de personagens do quadro principal ou muito carismáticos.

  Os enredos principais são definidos por temporadas, assim seguimos a trama “A” do primeiro ao último capítulo. Durante o desenvolvimento do fio condutor central, temos contato com a trama “B”, que geralmente está atrelada a uma escolha pessoal de um dos principais e ela dura por um bom tempo. As tramas “C” e “D” iniciam e terminam em cada episódio, elas servem para darmos um tempo da trama “A” e envolvem situações com personagens secundários.

  Por se tratar da temática Mistério, séries como essa captam bastante elemento do movimento Procedural, que foca na utilização de carreiras como Policial, Médica e jurídica para solucionar os casos vigentes. 

  Programas Teens do perfil, também são responsáveis por criar tendências nos costumes e na moda, portanto, tem Direção de Arte impactante, trazendo figurinos sensacionais e objetos que serão desejo intenso dos espectadores. São inseridas músicas de sucesso recente. Não podemos esquecer da tradição do Casting que seleciona atores e atrizes “colírios”, pessoas com beleza sociocultural padrão.

Riverdale vale a pena?

  Se você quer uma série para espairecer a cabeça, Riverdale é uma ótima indicação. Cada temporada tem uma história que chama a sua atenção. Não tem orçamento tão extenso quanto outras por aí, então não crie expectativas com efeitos especiais ou elaborações de enredos muito complexos.

  Ela faz uma propaganda e entrega o que promete. Há momentos em que você ama ou odeia os personagens…mas é tudo parte do show! 

  Se você já assistiu Riverdale ou séries com perfil semelhante, deixe nos comentários a sua opinião!

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Juliano Ferreira  

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A preparação de quem escreve

  A fase mais lembrada dos roteiros de cinema é aquela que envolve cenas e diálogos dos personagens espalhados entre as páginas que servem de guia durante as ações executadas no Set de Filmagem. Essa é uma pequena parcela dos recursos que são utilizados anteriormente para dar origem ao que observamos em tela posteriormente. Os recursos mais comuns são Logline, Storyline, Sinopse, Argumento e Escaleta.

Logline

  A grosso modo, ela é um resumo de uma ou duas linhas, sobre a ideia da história. Em geral, quando realizadores inscrevem filmes em festivais e programas para captação de recursos, esse elemento é fundamental no projeto que é enviado aos avaliadores, pois eles recebem inúmeros trabalhos para analisar e a Logline dá uma noção rápida sobre a ideia do produto.

Storyline

  Muitas vezes confundida com a Logline, a Storyline apresenta uma peculiaridade. Enquanto a Logline passa a ideia ou premissa em até duas linhas, a Storyline, além de fazer isso, traz o enredo dividido nos três atos tradicionais da convenção clássico-narrativa.

  Essa parte tem um formato com cinco a seis linhas para a sua função, onde as duas primeiras linhas são para resumir o começo (Primeiro Ato), as duas linhas centrais destinam-se ao resumo do desenvolvimento (Segundo Ato) e as linhas finais ficam responsáveis pela conclusão (Terceiro Ato).

  Lembrando que a Storyline serve mais para deixar claro os pontos de virada da história, então não apresenta tanta descrição quanto em outras etapas.

Sinopse

  Nesse momento, você vai escrever um resumo da sua obra. A versão  do enredo apresentada na Storyline, agora vai ser um pouco mais desenvolvida. O passo da sinopse é importante principalmente para entrar em festivais, pois, assim como a Logline, também diz bastante do que você quer contar.

  Nela você coloca alguns elementos que julga importante outras pessoas saberem, como por exemplo, ações chaves que direcionam o caminho objetivado, mas sem desenvolvimento extenso.  

Argumento

  É o texto onde as descrições de personagens e situações devem estar bem colocadas. Depois do Script (Roteiro final), o Argumento é a parte mais longa do processo. A história é contada de forma integral, visando transmitir os mínimos detalhes.

  É comum os roteiristas inserir falas e dar um panorama sobre objetos e ambientação. Uma característica marcante da etapa, é a escrita se fazer no modo “presente” o tempo todo, dando a sensação que o enredo acontece no agora, mesmo que trate de ocasiões passadas ou futuras. Ex.: Juliano anda na calçada e vê Maria pela vitrine da loja de roupas. 

Escaleta

  É basicamente o Argumento dividido em cenas, já buscando a preparação para iniciar o Roteiro Final. As cenas são introduzidas de forma sequencial e geralmente em posição vertical. Não é usual, mas há roteiristas que colocam falas dos personagens nessa fase, com o intuito de buscar algo mais concreto no próximo passo.

O Roteiro (Script)

  Chegamos a parte dita como derradeira. O Roteiro é o conjunto da obra e agora vamos para a parte mais técnica, porque com a história concretizada, o filme pode ser produzido com as demandas necessárias. ,

Storyboard

Uma ferramenta mais usada por diretores, vários roteiristas se valem do Storyboard para desenhar em pequenos quadrose ter  noção espacial do que vai ser enquadrado pela câmera nas cenas.

Artifícios do Roteirista

  Cada roteirista tem seus métodos de trabalho e por isso, quando estão produzindo seu projeto, tem o costume de variar a ordem das etapas assinaladas acima. Muitas vezes eliminam alguns processos, mas todos eles tem o objetivo de entregar a história de um filme. 

  Escrever é um trabalho árduo e demanda muito estudo e dedicação. Você pode escrever de forma não convencional, mas assim como um bom roteirista, ter empenho leva pessoas à lugares que transcendem a realidade e a ficção.

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Juliano Ferreira 

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História e estrutura

  Inspirado nos eventos antirracistas e antifascistas que ganharam forte volume no decorrer da pandemia, “Do outro lado” traz a história focada em estudantes que estão participando de uma disciplina optativa. Nós acompanhamos uma reunião cotidiana, até que um deles, ao compartilhar sua tela no aplicativo em vigência, acaba mostrando sua participação em grupos extremistas e isso gera um contexto de grande discussão no grupo.

  O curta-metragem apresenta um enredo não muito complexo, mas que tem a capacidade de abordar temas bem atuais, introduzindo personagens com características diferentes entre sí. Esse conjunto forma uma estrutura sólida no fato de se contar a história central. Poucos momentos nos deparamos com subtramas, porém, quando acontecem, quebram a expectativa de quem assiste, deixando a experiência atrativa.

  Apesar do formato visual flertar bastante com o gênero “Terror Cibernético”, adotado e viralizado no longa “Amizade Desfeita (2014)”, onde acompanhamos todas as situações através da tela de um dispositivo eletrônico (computador, celular, etc), o filme “Do outro lado” não se enquadra nesse tipo de terror. Seus traços são mais voltados a uma mesclagem de Terror psicológico (representando um contexto social de perseguição) com suspense e drama.

  É interessante a disposição em grade das telas dos usuários no aplicativo Zoom. A quebra da quarta parede se torna algo comum, já que nas reuniões desse tipo as pessoas, por vezes, miram no “olho” da câmera e isso acaba gerando empatia, quando necessário.

Impressões

  “Do outro lado” é um curta-metragem certo para o momento certo. É uma produção que em seus 13 minutos tem tom objetivo. O curto tempo de duração deixa o espectador esperando por mais situações envolvendo aqueles personagens.

  A co-Direção realizada por André e Andy (que também encarna um dos personagens) tem seu ponto alto com os atores que conseguem atuar da forma mais natural possível e entregar o fervor das cenas. 

  A edição e montagem feita pela Ieda Lagos é muito importante e logo no início escutamos recortes de notícias sobre os protestos foco da trama, tal como são anunciadas pelas emissoras conhecidas. Esses elementos já delimitam nos primeiros segundos, o peso e a direção que a narrativa irá tomar. Os inserts com as gravações da tela do whatsapp funcionam magistralmente.  

  No mais, é um filme que trata de tema sério e instala reflexões pertinentes acerca do que ocorre em vários lados da sociedade.   

Segue o link para assistir ao filme, disponível no Youtube: 

https://www.youtube.com/watch?v=vHWOlFZj0Oo&t=11s

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Juliano Ferreira

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A situação

  Humberto Mauro não está na minha lista de mais assistidos, pois estou conhecendo seu trabalho recentemente e afirmo com precisão a minha satisfação em realizar a escrita desta crítica. Início a minha visão relatando um ponto negativo que não é um problema exclusivo de “Ganga Bruta”, estou falando da pescagem do público alvo, é evidente uma sofisticação linguística material voltada para uma elite que sabemos não ser maioria de um país recentemente liberto da escravidão, o interior não tem tanto acesso a cultura cinematográfica, estou batendo nesta tecla, pois esse é o exemplo de um filme extraordinário feito para poucos e deveria atingir várias classes.

  Entrando nos pontos positivos, friso o que julgo extremamente importante na construção de filme, a montagem de uma narrativa expressa em significados. Humberto é focado em transmitir mensagens desde o primeiro plano, quando ele quebra o paradigma do plano geral inicial e joga aquele close no rosto da personagem. Ele é muito técnico e vendo as produções atuais, percebi o quanto isso se perdeu, você quando faz um plano, tem que passar uma mensagem com aquilo, mesmo que sua intenção seja não passar uma, mas querendo ou não, gera um significado para você e quem estiver assistindo. Em “Ganga bruta” eu não vi um plano desnecessário, a trilha sonora acompanhando e ditando as sensações do espectador, as atuações certeiras e incorporando uma empatia confortável. Do início ao fim eu fiquei interessado na história.

O roteiro

  O roteiro é muito forte no sentido de construir personagens e estabelecer relações entre eles, tem como intenção maior, aprofundar no jogo entre caçador e caça, vivido pelo casal principal. A relação imposta entre a Ganga e o minério é muito didática, a questão do protagonista ter seu interior violento e a garota externar sua ingenuidade e feminilidade é completamente entendível para quem aprecia esse filme. É uma obra inigualável.    

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Juliano Ferreira

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  Sendo uma das funções mais notadas e reportadas na Sétima Arte, o Diretor de cinema ganha visibilidade e vamos falar sobre o que ele faz.

Os tipos de Diretor

  Estamos acostumados a conhecer mais o estilo Hollywoodiano clássico de direção, onde o encarregado da função, fica basicamente com os horários de trabalho restringidos ao Set de filmagem, sem nem mesmo, colaborar no desenvolvimento do roteiro que vai ser transposto para a tela.

  A verdade é que existem inúmeros tipos de especialistas na área que usam seus diversos artifícios para a realização dos curtas, médias e longas metragem. Hoje podemos identificar essa variedade nos produtos audiovisuais com os quais lidamos em nosso dia a dia. O alcance do cinema no mundo possibilitou um mercado mais versátil, conversando com muitos públicos e isso abriu o leque de profissionais diferenciados. Dentre os tipos de Diretor, podemos falar do clássico, do autor, do produtor e do artista.  

  O clássico, como o nome diz, está ligado à estrutura clássica de setorização dos cargos, então você vai ter o roteirista que escreve a história e nem aparece no Set. O Produtor que fica responsável por fazer o programa acontecer até o final liberando verba, contratando pessoal, olhando locações, etc. O Diretor de Arte, que olha toda a cenografia e maquiagem. O Engenheiro de Som, captando e armazenando os sons vocais e ambiente. O Diretor de fotografia, responsável pela captação das imagens do filme. Os atores/atrizes que se preparam com o roteiro e se apresentam em cena. E por fim o Diretor, que aparece no Set, Para dirigir a cena com o suporte da equipe presente, sem muita cerimônia.

  O autor é aquele que está envolvido no processo de escrita também e é frequente aparecer nos créditos o seu nome como roteirista ou co-roteirista. Sozinho ou com um parceiro ele desenvolve a escaleta das cenas, monta o storyboard e até mesmo conversa uma negociação de verba com produtores, até aqui percebemos uma liberdade maior do que a presente no Clássico. É comum que esse tipo de Diretor fique reconhecido por marcas registradas (Ex.: Zack snyder ficou conhecido por sempre utilizar cores frias e cenas mais escuras em tom mais cinza.) No Set a logistica de trabalho se assemelha ao modo Clássico, porém, com os diálogos aparecendo em maior escala.

  O Diretor Produtor entra com um investimento financeiro, buscando retorno na bilheteria. Ele pode ficar no modo Clássico, Autor ou os dois juntos, tudo depende do tipo que a realização vai demandar. Geralmente o Diretor que se envolve como Produtor, é alguém bem famoso e seu nome acaba sendo bem aproveitado para atrair os espectadores às salas de cinema.      

  O Artista é muito parecido com o Autor, porém, sua essência está no fato de que além de DIretor, ele também é ator e tem experiência em vários setores do Set, como a Direção de Arte, por exemplo. Ele tem a capacidade de criar empatia com seu elenco e até mesmo modificar estruturas iniciais da ideia na história, com o intuito de torná-la mais orgânica e confortável para o restante da equipe. Uma personalidade famosa que marcou o cinema com essas características, foi o Chaplin, que veio do teatro de Pantomimas e Dirigia seus filmes de forma magistral.

A cultura da Direção no Brasil

  No Brasil, é mais comum no cinema de massa, a entrada do Diretor Clássico, mas a maior parte do que é produzido, integra o Cinema Independente, e nele os Diretores Autores e Artistas fazem a festa. Como citei em outros textos, nossa cultura não permite muitos luxos na hora de produzir audiovisual, então acontece de uma pessoa se desdobrar em várias funções.   

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Juliano Ferreira

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Arrasa quarteirões

   Se buscarmos uma tradução mais literal para o Português, Blockbuster fica como “Arrasa quarteirão”. Esse termo ficou popular em 1975, devido ao sucesso absoluto do filme “Tubarão”, que investiu 9 milhões de dólares na produção, com um retorno de 470 milhões de dólares em bilheteria (Número convertido para a cotação atual*).

   Apesar de ganhar um nome na década de 1970, esse movimento tem quase a mesma idade do cinema, à medida que durante as décadas de 1910 e 1920 tivemos o surgimento de curta-metragens com foco no que chamamos de “Comédias pastelão” ou “humor fácil”, que são basicamente aqueles roteiros em que os personagens se metem em situações de cunho físico e constrangedoras. O nome mais famoso dessas obras é Charlie Chaplin, que ao lado de grandes artistas como Buster Keaton e Harold Lloyd, levou multidões aos cinemas para gargalhar da vergonha alheia.

   Com o passar dos anos, as produções ganharam novos ares, explorando a carreira de longa-metragens, que foram fundamentais no desenvolvimento e popularização de Hollywood. Se antes, personalidades como Chaplin injetavam grande quantidade de dinheiro em curtas, agora os produtores colocam muito mais nos longas. Se o investimento é maior, o retorno tem que ser mais do que satisfatório.

   Os proprietários dos estúdios buscam entender a mentalidade de seu público e percebem a oportunidade de usar massivamente o “Sistema de Estrela”, sistema voltado para que os fãs saibam praticamente tudo da vida dos atores/atrizes famosos e através dessa humanização da figura pública, criem um vínculo afetivo com a estrela, a ponto de quando ela aparecer em algum show, irá assisti-la a qualquer custo. Então, quando uma produção anunciava o protagonismo de James Stewart ou Grace Kelly, era certo a presença de grande número de espectadores.

A ideia do Blockbuster

   A princípio, um Blockbuster tinha como premissa, gastar pouco com um retorno gigantesco. Hoje gasta muito para se ter grandes bilheterias. A verdade é que temos dois grupos dentro deste termo, o que tem sucesso e o que fracassa.

   Os filmes que pretendem arrasar quarteirões e têm sucesso são os que vendem bem a ideia com trailers e propagandas. Eles visam trazer novidades no meio cinematográfico, geralmente voltadas ao movimento tecnológico visual, então as histórias presentes nos roteiros ficam em segundo plano, prejudicando uma boa colocação na academia do Oscar, por exemplo. Também portam linguagem acessível à população em massa, seja nos signos ou diálogos.

   Os que fracassam muitas vezes pecam no marketing do filme, mas tem outros fatores como a seleção de elenco que não agrada o público.

Funciona?

   Os Estados Unidos são conhecidos por muitas coisas, mas é inegável que Hollywood é sua maior potência perante o seu reconhecimento no mundo.

   Hollywood ascendeu sua fama construindo e adaptando fórmulas que são utilizadas até hoje. Essas fórmulas são carinhosamente chamadas de “Enlatados Americanos”, que por sua vez são a alma do Blockbuster. 

    Esse modelo, por ser taxado como parte da cultura Norte-americana, pois exalta o sonho americano, deixando as histórias e situações um tanto quanto atrativas ao povo. Quem nunca sonhou em salvar a Terra de um apocalipse? 

   Então, sim. Funciona! A Jornada do Herói é sempre seguida à risca e já perdemos a conta de quantos títulos Blockbusters foram realizados e levaram pessoas aos cinemas, quebrando vários recordes de bilheteria. 

   Se ainda não está crente do que foi dito nesse texto, basta passear pelos filmes atuais do Império Disney! Você encontrará cada detalhe que aqui foi citado.

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Juliano Ferreira

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  Curta-metragem realizado em 1942, foi concebido pelo Humberto Mauro que dispensa apresentações, simplesmente um ícone da gama cinematográfica brasileira, esse é o terceiro filme de sua autoria que tenho o prazer de assistir e comentar.

  O curta faz uma viagem no tempo contando uma história breve para justificar e esclarecer ao espectador o motivo da princesa Isabel assinar a carta da Lei Áurea. Humberto usufrui de seus recursos padrões, a começar pela câmera que a todo momento sinaliza o ponto interessante na sequência da trama, a ambientação e decoração dos locais são mostrados com o intuito de “martelar” a situação transmitida.

  No início tem a narração que temporiza a época da história e em seguida os personagens nos guiam com ações. A montagem casa como sempre nos filmes desse cineasta, fica fácil adquirir empatia com o objeto em cena.

  Apesar de saber os significados da Lei Áurea para a construção nacional, é interessante absorver obras que contam seu contexto, porque se você puxa isso para um âmbito de cultura como é o cinema, por exemplo, a população consegue acesso às informações de forma mais optativa. 

  O diretor tomou cuidado ao construir as personagens e ambientá-los. O engraçado é que a princesa Isabel é retratado de forma muito ingênua e essa característica Humberto Mauro tem facilidade de trabalhar, principalmente em figuras femininas.

  A relação da protagonista com sua amiga é sempre de brincadeira e inocência infantil, até que elas encontram uma escrava passando fome e com medo, Isabel vê seu sofrimento e percebe que o Brasil colonial não é como no Palácio Real, o mundo afora apresenta desumanidade.

A Redentora 

  “O Despertar da Redentora” traz reflexões sobre a escravidão, no final temos imagens dos escravos felizes sendo libertados, mas se estudarmos a fundo, veremos que após as libertações, os mesmo ficaram sem opções para uma vida digna, pois saíram sem nada. Isso não é uma crítica, apenas uma observação, pois acho que o objetivo do filme era ilustrar o contexto da Lei Áurea e não o que sucedeu. 

  Gostei e indico. Mais um filme extremamente didático que com 18 minutos passa um assunto que a pessoa demoraria horas para entender. Fotografia genial, roteiro na medida e trilha sonora nos conformes.     

Por

Juliano Ferreira

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   “A arte não reproduz o que vemos. Ela nos faz ver.”

– Paul Klee –

   Obtendo funções mais influentes nos Sets de filmagem, a Direção de Arte  junto à aliados profissionais de nichos variados, compõem a arte das produções. Vamos entender sua importância! 

A arte

   A arte tem papel fundamental no desenvolvimento e registro histórico da humanidade desde os primeiros passos de nossos ancestrais. No texto sobre “Direção de Fotografia“,  abordamos um pouco sobre os registros e suas adaptações, bem como sua inserção na sétima arte.

   Abaixo iremos listar as funções pertencentes ao setor de Arte em uma produção.

Diretor de Arte

   Bem, o Diretor capta a responsabilidade de coordenar todo aquele setor. Ele estará em conversas com as demais equipes de Set para alinhar questões diversas que influenciem na cara que o produto pretende ganhar, então ele vai falar com o Diretor de Fotografia para ver como o cenário deve ser alinhado, por exemplo. O Diretor de Arte, em geral, tem certos conhecimentos relacionados à moda, maquiagem, arquitetura, artes plásticas e demais movimentos ditos artísticos e estruturais.

Assistente de Arte

   Apesar do Diretor levar os créditos pelos feitos do seu setor, não faz tudo sozinho, pois tem ao seu lado uma equipe de realizadores. Comecemos a falar dos assistentes. 

   São o braço mais próximo do Diretor e cumprem demandas momentâneas, resolvendo questões de customização no Set. O Diretor precisa de assistentes com entendimentos de áreas diferentes, por tanto, é comum vermos um assistente que supra conteúdos de maquiagem e outro que saiba sobre cenografia. Ao contrário do que pensam, por serem sempre comparados à estagiários, eles são cursados e competentes para executar as demandas do filme. 

Arquiteto e Engenheiro

   O Diretor de arte pode ser bem informado em várias áreas, mas quando se tem a possibilidade de ter alguém com formação e conhecimento específico para desempenhar tarefas com propriedade maior, é sempre bem vindo. É aí que entram o arquiteto e o engenheiro.

   Pessoa que estudou e aprofundou no modo de elaborar e concretizar com precisão, mecanismos de construções físicas em suas variadas espécies. O arquiteto e o Engenheiro trabalham em cooperação à medida que o primeiro cria a ideia calculada no papel (podendo usar outros materiais e formatos para traduzir o seu pensamento). Após a inserção da ideia, vamos para a parte prática, colocar a mão na massa e construir o Set. Nessa fase, aparecem os engenheiros em suas especificidades de Luz, mecânica e hidráulica.  

   O de luz cuida diretamente da iluminação do Set e também está ligado aos profissionais da fotografia. Além de fomentar a luz, fábrica as situações que envolvem explosões e efeitos que são realizados durante o clique da cena.

   O mecânico fica encarregado de propor situações e objetos que englobam robôs, veículos e outros elementos para interação com os atores durante as filmagens.

   O hidráulico fomenta dispositivos para momentos onde são requisitados fluidos como água, por exemplo.

Importância

   A máxima de quem produz audiovisual é que, se todos os componentes do grupo estão em harmonia, o projeto tem grandes chances de alavancar imensuravelmente. Obviamente que algumas produções são famosas por terem sucesso, mesmo portando dificuldades de relacionamento interno, como é o caso da franquia Transformers, onde houve desentendimentos entre elenco, Direção Geral e Produção.

   O ponto que queremos assinalar após o relatado no parágrafo anterior, é que sem a Arte, não existe filme! Você pode até tentar lembrar de um título que não tenha ela e falhará miseravelmente. 

   A equipe de Arte tem que estar em harmonia total para encaixar os objetivos ditos como visuais da trama. O Diretor precisa liderar a sua turma, de forma que todos se sintam ouvidos e respeitados, para que possam executar seu melhor durante o processo construtivo. 

   A Direção de Arte não é apenas formada pelo Diretor, pois para além dele, há pessoas / profissionais que também são feitos de sonhos e atitudes, focando no objetivo de entregar um ótimo show ao espectador.

Por 

Juliano Ferreira

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   Esse é um longa que tem a direção e roteiro feitos pelo Rogério Sganzerla, que na época do lançamento, tinha apenas 22 anos. Ele conseguiu viver do cinema ao longo da vida, mas seus outros títulos não tiveram tanta notoriedade quanto a do filme que irei escrever sobre.

   Abusando e externando da cultura pop em tela, “O bandido da luz vermelha” é um filme de ficção baseado nos crimes cometidos pelo personagem-título. A trama em sua totalidade apresenta características que até então não percebi nos outros filmes nacionais da época, que assisti. Os enquadramentos e movimentos da câmera, apesar de não serem originais na composição, são bem colocados e dinamizam o fato em foco, recurso explorado a fundo no cinema Hollywoodiano, peguei essa referência logo de início com a perseguição de automóveis. 

   O protagonista “rouba” a cena com a atuação intensa de Paulo Villaça, você sente o peso dramático a ser transmitido e as cenas que envolvem a quebra da quarta parede são sensacionais. Os demais componentes do elenco cumprem seu papel de forma importante. A trilha sonora é repleta de canções que provavelmente o público da época estava familiarizado, pude reconhecer algumas e isso fez com que eu me aproximasse mais da proposta da obra. 

   O roteiro mescla elementos quanto à narrativa, segue a clássica, mas traz o rompimento da quarta parede, há sempre uma narração, seja de jornalista, seja do protagonista, tem o arco do herói, seus conflitos pessoais e profissionais são apresentados sem dificuldade de interpretação. Gostaria de parabenizar também a montagem com cortes milimétricos e encaixes estudados com otimismo.

O legado 

    O filme realiza críticas fortes ao contexto da época, estamos falando de algo lançado em 1968, a ditadura estava ocorrendo desde 1964, temas como sexualismo, terrorismo, comunismo, guerras, pobreza, corrupção e movimento intelectual são discutidos e ao assisti-lo, a impressão é que enquanto leio uma crônica de jornal, estou escutando uma rádio-notícia. 

   “O bandido da luz vermelha” pode ser chamado de clássico nacional, devido ao processo em geral, não tive dificuldade em perceber os signos apontados. É um longa que tem linguagem forte voltada para uma esfera política e social de 1968, pode ser usado até por historiadores. Não fica devendo em nada do que propõe e prendeu a minha atenção.    

Por

Juliano Ferreira

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O cinema tem o potencial de fundir o que melhor se constrói nas outras artes. O processo de relação com a literatura se torna intenso, no que diz respeito à fomentação de um roteiro. Temos grandes influenciadores que colaboraram bastante com a evolução e entendimento da escrita cinematográfica.

Joseph Campbell, um professor universitário e mitologista do século 20, percebeu as semelhanças presentes em praticamente todas as histórias que tratavam de temas míticos e fantasiosos. Ele se aprofundou no estudo de que se “dissecarmos” os enredos dos livros, encontraremos um padrão que liga o protagonista (herói) às etapas de provações experienciadas pelo mesmo. Formalizando os resultados de sua pesquisa, Campbell relatou a utilização de 12 etapas na “Jornada do herói mitológico”.

1. O mundo comum

Fase em que conhecemos o ambiente inicial, geralmente para entender o cotidiano do nosso personagem. São estabelecidas algumas características que serão exploradas nos passos seguintes.

2. Chamado à aventura

Surge o primeiro contato com algo que sai do cotidiano. É um convite da situação que precisa da atenção do nosso protagonista.

3. Recusa do chamado

O medo de deixar sua vida cotidiana e entrar em novo desafio, faz com que o herói recuse o chamado.

4. Encontro com o mentor

O mentor pode ter várias representações física e espiritual. Ele tem a função de treinar e guiar o protagonista até certo ponto da narrativa. O encontro geralmente é um tanto quanto conturbado, já que toma um tempo até o herói aceitar os métodos de seus ensinamentos.

5. Travessia no primeiro limiar

Limiar significa fronteira, limite. Esse momento marca o primeiro ponto de virada da história, quer dizer que dali para frente a narrativa vai decolar, pois os objetivos estão tomando o caminho da concretude.

6. Testes, aliados e inimigos

Essa fase, talvez seja a que mais se repita durante o processo narrativo, pois aborda os desafios variados que estarão no caminho do herói. Isso faz com que ele se fortaleça na trilha.

7. Aproximação da caverna oculta

A sétima etapa sinaliza o segundo ponto de virada do conto. Após enfrente um caminhada intensa, repleta de contratempos, chegamos ao objeto da busca. Toda a preparação entre herói e mentor foi para este momento, onde se situa o perigo supremo a ser batido.

8. A provação suprema

 É o momento em que o protagonista encara a situação de morte ou quase morte, ressurgindo (metaforicamente ou literalmente) em seguida, portando equilíbrio e força maior. 

9. Recompensa

Após ganhar a batalha travada com seu maior desafio, até então, o herói se apossa do seu objetivo interessado desde o início de sua caminhada.

10. Caminho de volta

O terceiro ato começa nessa fase. O herói ainda está no ambiente da aventura, decidindo retornar ao mundo comum, mas seus inimigos tornam essa volta bem complicada.

11. Ressureição

Trazendo uma intensidade maior que a fase 8 (A provação suprema), a décima primeira vai encorpar ainda mais nosso herói, pois o perigo maior será combatido e para além disso, teremos mudanças definitivas na personalidade do protagonista, advindas de sua vivência no mundo da aventura. O procedimento vai culminar no renascimento do indivíduo.

12. Retorno com o Elixir

É a etapa derradeira da jornada. Nela é conquistado o que era necessário para o protagonista amadurecer com êxito e fazer a diferença no mundo comum ao qual pertence. Seu retorno é o ponto alto.

A jornada no cinema

Os passos listados acima podem ter variações de acordo com a necessidade do roteirista. No cinema é utilizada a adaptação dessa estrutura feita pelo escritor Christopher Vogler, que escreveu o livro envolvendo a mesma temática “A jornada do escritor: Estrutura Mítica para Escritores”.

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As produções

Produzir, segundo o dicionário, é criar bens ou utilidades para satisfazer as necessidades humanas. Nesse aspecto geral, quem produz está fornecendo conteúdo para determinado fim.

O cinema, desde seus primórdios, tem os produtores como carro condutor do produto que chega à plateia. Mas você já imaginou como funciona o processo de produção? Os setores envolvidos? Bem! Vamos falar sobre os variados tipos de produtores e suas funções!

Produtor

Esse geralmente está à frente da produtora engajada nos projetos. Tem uma relação direta com praticamente todos os membros do trabalho. Ele costuma deter os direitos do filme e poder de decisão sobre o que vai adiante ou não. Por vezes, fica responsável em representar a obra em festivais e premiações.

Produtor Executivo

Talvez seja o mais relevante da pré-produção, pois cuida do orçamento e contratação relacionados à parceria de equipe técnica, elenco, patrocinadores e locações. É o cara dos contatos! Abrindo caminhos e opções para a realização.

Diretor de Produção

Fica mais próximo dos funcionários presentes na produção, principalmente os diretores Geral, de Arte e Fotografia. Ele estabelece um diálogo com o intuito de entender suas necessidades e repassa as informações ao Produtor Executivo, que irá estudar se tais requerimentos cabem no orçamento concedido.

Produtor de Set

Está presente no Set exatamente na hora que as gravações passam a ser rodadas. Tem a função de verificar se tudo corre como planejado, caso não, busca meios eficazes de solução. Também cuida da logística de suporte à equipe, trazendo alimentação e métodos que tragam conforto e amparo para se ter uma gravação saudável. Ao final das rodagens, esse produtor participa ativamente da desprodução do Set de filmagens.

Produtor de Elenco

Carrega a função de achar o elenco certo para o trabalho. Em geral, realiza esta tarefa com o Diretor ou Assistente de Direção, pois os mesmos carregam o perfil procurado. Quem é Produtor de Elenco, mantém contato com vários agentes ou empresários de atores, atrizes e modelos para ter grande leque de opções.

Produtor de Locação

Apesar do Produtor Executivo participar na escolha dos lugares de filmagem, é o Produtor de Locação que fica exclusivo na análise do ambiente a ser selecionado. Ele verifica se o local é apto e apresenta segurança para os fins almejados.

Produtor de Objetos

É o braço direito da Direção de Arte, pois colabora na estruturação do cenário. Sua produção é híbrida, dependendo do profissional, pode solicitar a compra ou até mesmo, fabricar os itens ordenados. Para exercer essa área, ter sensibilidade artística é um diferencial.

Assistente de Produção

Geralmente serve como estágio para quem quer seguir na produção, mas há quem se interesse pela carreira de assistente como fonte de renda a longo prazo. O assistente fica por dentro do que acontece em praticamente todas as produções, pois auxilia em várias demandas setoriais. 

No Brasil

Vimos que a produção de um filme é composta por muitos setores e cada um é endereçado à uma tarefa. No Brasil e em lugares onde há muitas produções independentes, a dinâmica é alterada.

Um filme que tem todas as funções listadas acima, executadas por muitas pessoas, é considerado como bem financiado. Nas formas independentes, costuma-se ter uma ou duas pessoas que cuida de todos os aspectos da produção, às vezes mais, dependendo do acordo de remuneração ou permuta.

O Brasil apresenta um histórico recente de poucas oportunidades para as produtoras terem acesso a um financiamento que permita a introdução de grande equipe técnica. Felizmente isso abriu espaço para a criatividade e perseverança na realização dos projetos, dando destaque à plantéis formados com número reduzido de produtores, que têm seus trabalhos reconhecidos por festivais afora.

Dicas para além!

Continuar a aprender e evoluir é o que fazemos de melhor! Por isso, estaremos deixando dicas de entretenimento para a sua degustação!

Segue uma ótima dica de livro sobre o tema:

O cinema e a produção   

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A forma do filme

Participando do conjunto de filmes adolescentes da década de 2010 que abordam temas sobre a vida na internet, “Amizade desfeita” se destaca dos demais títulos, quando busca uma estética familiar ao seu público alvo.

Nos curtas, médias e longas – metragem, temos a construção em tela com uma decupagem formal, onde a câmera é dirigida por meio de cortes, seleção de eixos, variação dos planos e o traçado de caminhos trilhados por extensos sets montados. Essa técnica se tornou um código universal para fomentar entendimentos acerca do que se passa na história contada.

O filme em questão, quebra magistralmente com o estilo tradicional de decupagem, justamente pela ideia que quer passar. Ele utiliza de um estilo cinematográfico denominado “Found Footage”, que consiste em realizar as capturas de vídeo no modo documental, porém, com forte caráter fictício, tal modo é usado com frequência em filmes de terror. Esse estilo tem como marca registrada o espectador acompanhar o que acontece através de dispositivos tecnológicos provenientes de personagens específicos, causando o efeito de visão em primeira pessoa. 

Captando a ideia explicada no parágrafo anterior, “Amizade desfeita” passa seu tempo de 1h 23m na tela do computador da protagonista Blair. De início, podemos ver uma interação normal entre adolescentes em chamada de vídeo, tudo fluindo bem, até que algumas situações não comuns ocorrem de maneira intensa. 

Como assistimos apenas a tela da Blair, ficamos sabendo o que acontece apenas por ela, recebendo as informações necessárias para entendermos as inter relações das pessoas ali presentes ou não. Essa dinâmica cria curiosidade e certa aflição, pois ao mesmo tempo em que entendemos a tela, há a tensão de sentirmos falta da decupagem que gera mais pontos de vista. Assim, observamos que o objetivo da produção foi alcançado. 

Os temas

Ao final da década de 2000, o número de acessos à internet cresceu massivamente e as relações sociais sofreram alterações. Se antes as comunicações se dava majoritariamente de forma presencial, agora o digital entrou força.

As reuniões em suas diversidades, passaram a ser estabelecidas em chamadas de áudio e vídeo, com espaços cedidos por empresas como Skype e Zoom. Concomitantemente, as redes sociais se aperfeiçoaram à medida que as pessoas viram a possibilidade de expor seus detalhes íntimos e profissionais. 

Tendo esse contexto em mente, voltemos ao longa-metragem. “Amizade desfeita” busca como centro, conflitos adolescentes, que englobam namoros, amizades e bullying. Até então, essas situações são rotineiras em filmes do gênero teen, só que o modo como o roteiro entra nelas, deixa a narrativa interessante, consegue dar um peso aos assuntos, por vezes romantizando (parte do clichê), mas funcional. A história traz a questão do bullying como fator principal de tudo acontecer.

O Bullying sempre foi sério e trouxe consequências sérias, o ponto é que com a internet, você pode fazê-lo com alguns toques no teclado, expondo e tendo acesso à qualquer dado publicado. Um vídeo, por exemplo, caso seja viral, pode passar de um milhão de views fácil! Tal feito pode ser o suficiente para derrubar o psicológico de um ser humano. 

Atualmente temos o bullying disfarçado, chamado “Cancelamento”. O ato consiste em julgar uma pessoa que fez ou disse algo que a internet não julgue correto, em seguida, ocorre o bloqueio desse indivíduo nas redes sociais de quem não tolera seu comportamento. A questão é que a exposição em redes sociais, torna o cancelamento um tanto quanto banal, pois situações como um pedido de casamento pode, devido a essa cultura, levar ao fim a vida de uma personalidade. 

O filme mostra o quão forte é a influência da internet na vida das pessoas. O bullying virtual, independente de qual cultura seja, é extremamente prejudicial. Uma postagem, em segundos pode se tornar seu maior pesadelo. Outro fator é que a web dá espaço para a democratização do uso e as pessoas se sentem à vontade para utilizar a tela como escudo, não pensando nos resultados de seus atos.

Dicas para além!

Continuar a aprender e evoluir é o que fazemos de melhor! Por isso, estaremos deixando dicas de entretenimento para a sua degustação!

Segue um texto falando sobre a cultura do cancelamento, que ocorre atualmente::

O que é cultura do cancelamento? O que significa nos mundos real e digital?

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                                                                                                                                          – Evelyn Cordeiro –

O audiovisual cresce cada vez mais com o passar dos anos. A forma vai se adaptando ao conteúdo, por tanto, criar algo é diferente de acordo com o momento no qual estamos inseridos. Vamos ver como a criação de conteúdo se desenvolveu até o nosso contemporâneo.

O conteúdo

Antigamente, quem tinha grande poderio financeiro, conseguia concretizar produções e veicula-las para seus públicos. Essa pequena classe era formada pelas grandes produtoras, que eram detentoras dos projetos de grande repercussão.

No início do século passado, os meios para ter acesso a algum entretenimento audiovisual eram bem restritos, as pessoas basicamente iam às salas de cinema. No meio do século passado, com as tecnologias relacionadas à televisão doméstica, foram inseridos mais meios de aproveitamento. A população recebia programas da sala de casa.

A TV, vendo um mercado em potencial, importou o que de melhor o cinema, rádio e o teatro fabricaram, ideia, equipamentos, logística e dinâmica de produção. Passa a surgir dessa combinação os programas televisivos, onde cada show tinha horário específico para ser transmitido, tal fato era analisado de acordo com a movimentação do público, ou como é nomeado, a audiência. 

Audiência é basicamente o conjunto de pessoas que acompanham determinado programa. Para calcular o público que está assistindo, temos o mecanismo chamado “Contador de pessoas”. A contagem se dá na seguinte forma, cada ponto do contador equivale a uma média de 200 mil pessoas, então quanto mais pontos de audiência, melhor colocado o show se encontra na programação televisiva.

Uma vez que os estúdios de TVs observam o desempenho de sua agenda, os quadros de apresentação se tornam fixos, e por anos vemos os mesmos programas sem alterações nas configurações, muda elenco, tecnologias, mas a ideia se encontra impetrada.

Após anos da criação da televisão, os recursos que antes eram extremamente inacessíveis às pessoas físicas comuns, se transformam gradualmente em algo alcançável. As maquinagens dos grandes produtores ainda não estão, pelo menos, em perfil concreto, fácil para a grande massa se apropriar, mas o pouco disponível torna factível a revolução que alterou o cenário audiovisual mundial. 

A criação

Se antes poucos tinham equipamentos e conhecimentos acerca de tudo o que engloba uma produção audiovisual, na virada do século o jogo mudou, um novo milênio entrou e com ele, artifícios destravaram a entrada de novos criadores de conteúdo.

Assim como a TV se apropriou da estrutura presente no teatro e cinema, os novos criadores pegaram tudo de antes e mixaram. Nesses moldes, temos a edição e montagem, produção, continuidade de postagem para engajamento de público e distribuição.

Os criadores foram unidos em plataformas de conteúdos, a mais influente é o Youtube. Elas são responsáveis pelo reconhecimento de indivíduos que em outra época, talvez estariam impossibilitados de realizar seus trabalhos audiovisuais.

Em ambientes como a plataforma citada no parágrafo anterior, o engajamento é o coração das produções, porque assim como na TV, os programas ganham modelos específicos e  têm seus públicos fidelizados. Sistemas como inscrição, likes, comentários e compartilhamentos servem como feedback de quem acompanha o show e ajudam o canal a crescer.

Essa revolução é interessante à medida que um criador de conteúdo pode sair de lugares além da elite. A realidade brasileira ainda não é a ideal para exemplificarmos isso, pois os impostos sobre os equipamentos e serviços de internet passam dos limites aceitáveis.

Quem cria tem grandes desafios, seja no audiovisual ou em outras áreas. Fazer a diferença para você e outras pessoas é o que inspira continuar seu trabalho e aprimorar as ideias. Produzir é existir!

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O que é?

Sendo a sigla para Computer Graphic Imagery, o CGI, em síntese é o modo como são nomeadas as imagens feitas por computador, que comportam um conjunto programático formado por três dimensões, gerando os objetos que estamos acostumados a chamar de tridimensionais.

Além de filmes, é uma tecnologia que aparece em expressões de diversas áreas, como videogames, desenhos animados e situações que envolvem contato com o campo imagético. 

O CGI surgiu com o compromisso de otimizar a produção e venda para grandes empresas, principalmente as que tinham como centro lucrativo a criação de veículos automobilísticos. A partir daí já se percebe uma pegada bem publicitária, que usa a vertente denominada CAD.

O CAD – Computer Aided Design (Desenho Assistido por Computador) surgiu na década de 1960 com o objetivo de ilustrar estruturas com possibilidades de variações infinitas. Este programa está presente em diversos softwares de design, que dependendo da profissão, mudam a nomenclatura para a utilização em fins específicos. O mais famoso deles, até então, é o AutoCAD, responsável pela viabilidade e versatilidade na criação de conteúdos ilustrativos com cálculos extremamente reais.

Como funciona nos filmes?

Com grande espírito evolutivo, o cinema aderiu à esta tecnologia advinda do computador. A primeira grande produção que entrou no circuito CAD foi Star Wars (1977) de George Lucas, utilizando efeitos nos sabres de luz e tiros nas armas de fogo. 

As mecânicas que chamamos de efeitos especiais estão presentes no cinema, bem antes do desenvolvimento em CGI. Nas salas eram exibidos longas e curtas-metragem com feras gigantescas, viagens a lugares inexplorados e idealizações futuristas. Para criar a ambientação desejada, as produções se valiam da construção de maquetes e objetos compostos por diversos materiais, como massinha, por exemplo. Ainda tinha os atores que vestiam fantasias e andavam sobre cenários repletos de materiais leves, dentre eles, papelão e isopor. Os rolos de filmes também eram muito usados na inserção de efeitos em pós-produção, muitos gostavam de colori-los e fazer colagens.

Os anos passaram e o CAD foi se adaptando às necessidades. Os produtores viram a possibilidade de conciliar engenharia mecânica e computação. Esse foi um dos fatores que elevaram o status do cinema na década de 1980. Os filmes passaram a injetar grandes investimentos nas ciências dispostas, incorporando os robôs e adicionando efeitos de computador.

Hoje o audiovisual ganhou muitos caminhos e além de Filmmakers (realizadores que vivem exclusivamente de curtas, médias e longas-metragem cinematográficos), temos os Videomakers (mexem com conteúdos para além do cinema). Essa diversificação cria demandas personalizadas e elas necessitam de artifícios em larga escala, daí o aprimoramento de softwares de edição. Os mais famosos e talvez os mais democráticos são o pacote Adobe e o pacote Vegas.     

O CGI se tornou um nicho fundamental na indústria cinematográfica e podemos analisar esse aspecto nos entretenimentos que são apresentados na contemporaneidade. Os espectadores se tornam mais exigentes à medida que a evolução surge. Se pegarmos um longa de alto investimento da década 1990 e compararmos com o que acompanhamos atualmente, haverão grandes diferenças gráficas. Os realizadores entendem essa evolução e boa parte do orçamento estabelecido vai para os efeitos especiais criados em computadores.

As novidades dessa tecnologia agregam ao fluxo de composição que cito no texto “O que faz um Diretor de Fotografia?”. As imagens sempre passam mensagens, e tudo o que estiver ao alcance para tornar sua ideia mais sólida é bem vindo! É loucura imaginar que um software pode fabricar realidades, mas é confortante saber que as tecnologias construídas para fins específicos, podem ser adaptadas ao processo de imersão nas telas.

Dicas para além!

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Livros que falam mais sobre programação e CAD.

Shell Script Profissional (Português) Capa comum – 1 abril 2008

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– Tio Ben – 

Sendo a primeira adaptação do herói para as grandes salas de cinema, Homem aranha (2002) iniciou uma trilogia que marcou a vida de muitas pessoas e serviu de modelo para a produção de outras franquias com foco heroico. Dentro de sua influência, iremos falar sobre as responsabilidades no meio jovem.

Peter Parker

Como boa parte dos heróis, o Homem Aranha tem sua vida humana e nessa mesma ele é denominado, Peter Parker. Um garoto que perdeu os pais muito cedo e criado por seus tios. Sofre bullying na escola, gosta dos estudos e é apaixonado por sua colega e vizinha Mary Jane, que inicialmente não o nota como possível colóquio amoroso.

Com o parágrafo acima podemos ver questões que presenciamos em nossas vidas, cada um em sua individualidade, é claro!

O roteiro nos traz um Peter que apresenta inseguranças, segue uma vida padrão de aceitar as coisas e tentar se adaptar ao meio, mesmo que sua busca se torne complexa devido aos empecilhos externos. 

Apesar de seu lançamento em 2002, o filme é atual para questões relacionadas ao modo como estamos reagindo às evoluções em sociedade. Nosso protagonista tem acesso à meios e métodos de informação e parece dedicado a absorvê-los. Nos longas é mostrado seu extenso interesse na ciência, desenhos e fotografia, áreas um tanto quanto diferentes, mas que se complementam em algum estágio de relacionamento. 

Ele acaba se tornando um entusiasta e pesquisador do que lhe atrai. Quando falamos do porque essa questão é atual, se configura no sentido de que hoje temos inúmeras formas de captar conhecimentos e reverter em objetivos concretos. As pessoas jovens, dentre suas responsabilidades, se valem dessas formas para resolver situações  

O acesso cria a oportunidade e a pessoa monta sua “rede” de seleção, assim criando um vínculo com a experiência de aprendizagem, chegando ao centro do nosso texto, a  responsabilidade na juventude!

Alter Ego

No meio de sua vida, até então normal para um adolescente, Peter é picado por uma aranha radioativa, que o leva a ter seus sentidos incrivelmente aguçados. Agora ele cruza a linha de uma vida simples para viver o que seu tio lhe deixou como legado “Com grandes poderes, vem grandes responsabilidades.”.

A cada geração passada, os jovens vem amadurecendo cada vez mais cedo, tanto no campo biológico, como no pensante, assim visto no texto publicado pela Gazeta Digital. A juventude, para o bem ou para o mal, é o futuro do mundo. Isso gera um peso enorme para quem passa por essa fase.

No filme, a primeira atitude que o Peter toma quando adquire os poderes, é buscar impressionar a garota dos seus sonhos, Mary Jane. A pressão social que ele enfrentou desde sua infância poderia ter nova forma agora, mas o sentimento de culpa pela morte do seu tio faz ele questionar se é correto, com todo o seu poder, colocar suas vontades à frente de um bem geral. 

Sua força, agilidade e inteligência passam a ser componentes cruciais para combater os crimes de sua cidade durante os três longas-metragens. Parker é jovem e o fator de querer aprender, mesmo pelo caminho difícil o faz um bom herói. No primeiro filme ele aprende que ganhar poderes sempre vem acompanhado de responsabilidades, no segundo vemos que conciliar as responsabilidades demanda traquejo e no terceiro observamos que nossas escolhas fazem a diferença.

O homem aranha é um herói em formação, sempre aprendendo a força que as responsabilidades têm. A mensagem de seus filmes é bem didática e traz uma linguagem compreensível à construção da identidade jovem. Amadurecer e entender seu lugar no mundo não é tarefa fácil, mas saber trabalhar seu potencial e como usá-lo, vai do caminho de cada um.  

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“ O cinema não tem fronteiras nem limites. É um fluxo constante de sonho”

– Orson Welles –

A forma como temos acesso ao conteúdo cinematográfico após o período de exibição nas grandes salas, vem evoluindo conforme os dispositivos tecnológicos apresentam opções de variação. Até chegar ao sistema On Demand, passamos por tecnologias como Videotape, Videocassete, DVD e Blu-Ray.

Videotape

Considerado o primeiro meio programado para armazenagem de conteúdos audiovisuais, tem como data inicial, 1956. Esse dispositivo contribuiu muito para o planejamento nas emissoras, possibilitando gravar shows de variadas espécies, assim conseguindo apresentá-los repetidamente em outros horários, como cita o site Portal São Fransisco.

Videocassete

Diferente do Videotape, que tem funções mais abrangentes para as emissoras de TV, o Videocassete, pouco após seu lançamento, se tornou mais acessível ao uso em domicílio. Nascendo em 1963, foi um marco na expansão do acesso ao entretenimento. Apesar de no começo ter preço extravagante, foi barateando no decorrer de sua trajetória. 

O cinema e a televisão observaram que esse dispositivo se tornaria um nicho extremamente lucrativo e passaram a explorar a implementação de ideias e estruturas cabíveis para o formato VHS – Video Home System (Sistema doméstico de vídeo). 

O VHS trouxe, também novas formas de trabalho. Uma delas se configurou nos seguintes moldes. Uma pessoa reunia grande quantidade de títulos audiovisuais em estantes com divisões alfabéticas e gêneros, disponibilizava os itens para aluguel temporário e cobrava taxa de uso. O local onde acontecia essas interações ficou conhecido como videolocadora. Tal formato de negócio se popularizou pelo mundo, devido à Blockbuster.

DVD

Pegando todo o processo que as fitas cassete já realizavam, o DVD chegou com a incrementação na ideia e design. DVD – Digital Versatile Disc (Disco Digital Versátil), introduziu, como é mencionado em seu nome, a versatilidade. 

O CD, além de economizar espaço, passou a utilizar o desenvolvimento da tecnologia de mídias digitais, que possibilitaram melhorias na reprodução audiovisual, estamos falando de sistema sonoro, trazendo som mais limpo e com variações de Home Theater e imagem, que tirou o granulado em tela, presente nas gerações anteriores.

Blu-Ray

Trazendo as características básicas do DVD, o Blu-Ray potencializa o fator tecnológico, importando a geração de vídeo e áudio em alta definição, tal fenômeno é conhecido como Full HD. A sensibilidade sonora se torna intensificada ao mesmo tempo em que o espectador acessa a resolução gráfica com parâmetro mínimo de 1920 x 1080 pixels.

De tudo um pouco no On Demand

Após breve passada pela história dos dispositivos de armazenamento e reprodução audiovisual, vamos para a atualidade. Vivemos no movimento intitulado Streaming, sistemas de assinaturas em nuvem que disponibilizam entretenimento. Eles por sua vez, se enquadram no esquema de On Demand (Sob demanda), que é basicamente você ter controle sobre quando e onde vai desfrutar do entretenimento.

A questão é que se analisarmos bem, esse serviço captou a mecânica do que era colocado em prática de meados dos anos 1950, até o que a tecnologia nos anos 2000 possibilitou. As fitas inauguraram o poder do “quando” e “onde” e o DVD compactou o tamanho físico.

On Demand se torna único no jeito de vender seu produto, porque com sua programação total na nuvem, não há espaço físico para ocupar. O cliente em pouco tempo se registra de forma online e acessa a plataforma de qualquer dispositivo contendo rede. Podemos falar ainda da gama de empresas no ramo que fornecem dos mais variados gêneros, alcançando múltiplos públicos, forçando a diminuição da pirataria que se consolidou nos modos antecessores. 

Agora, dado esse envolvimento histórico, o que você acha? Há espaço para novas tecnologias no meio cinematográfico e televisivo? Deixe sua opinião nos comentários!

Dicas para além!

Continuar a aprender e evoluir é o que fazemos de melhor! Por isso, estaremos deixando dicas de entretenimento para a sua degustação! 

Plataformas On Demand:

Netflix: https://www.netflix.com/br/

Telecine Play: https://www.telecineplay.com.br/

HBO GO: https://www.hbogo.com.br/landing

Prime Video: https://www.primevideo.com/

Disney+: https://www.disneyplus.com/

Por

                                                                                                                                 Juliano Ferreira

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 (Sebastião Salgado)

Para o audiovisual existir, há engrenagens que o faz funcionar, estamos falando de setores que juntos compõem o produto final. Entre Roteirista, Diretor Geral, Produtor, Diretor de Arte e outras funções, falaremos aqui de uma área que demanda bastante técnica e sensibilidade humana, Direção de Fotografia.

O que é fotografia?

Antes de relatar o trabalho de um Diretor Fotográfico, vamos ao início de tudo, começando pela etimologia da palavra. Originária do grego phosgraphein, ela indica a interação entre registro e luz, por tanto, a captação de imagens que conhecemos através de dispositivos como câmeras analógicas e digitais são frutos de uma grafia em contato com a iluminação.

O registro de imagens não se iniciou com as fotos em sí, pois antes de se oficializar a criação de um objeto com gatilho para pegar momentos, há registros históricos do início da  humanidade, de representação cultural em pinturas rupestres e posteriormente, quadros emoldurados. Segundo estudiosos, a primeira foto oficial realizada com uma máquina fotográfica, aconteceu no ano de 1826, liderada pelo Francês Joseph Nicéphore.

Enfim… o Diretor de Fotografia!

Por obra do destino, é de senso comum sabermos mais como uma atriz e um Diretor Geral trabalham no SET do que quem carrega e opera a câmera para dar vida à história em tela. 

Em uma produção, seja ela grande, média ou pequena, uma ou mais pessoas desempenham diversas tarefas para que o conteúdo ganhe corpo. Dentre as pessoas, há aquele que se compromete por manusear o equipamento nomeado câmera fotográfica. Até então parece uma tarefa simples, correto? bem… nem tanto!  

O trabalho fotográfico starta com o conhecimento do equipamento, verificando o tipo de lente, tipo de filtro, exposição, branco, ancoragem, posição do tripé, foco e enquadramentos, tudo isso alinhado de acordo com o que foi discutido com os demais setores. Citados os itens de trabalho, vamos entender como eles entram na elaboração audiovisual.

O primeiro contato que o Diretor de Fotografia tem na produção é com o roteiro, porque é nele que se encontra a história a ser contada e ela precisa sair do papel. A partir desse ponto, ele se junta aos demais setores para discutir detalhes técnicos, nesse caso, mais visuais, buscando estabelecer elementos que emitem a essência da obra. 

Quando se entra em uma filmagem, é muito importante saber qual é a identidade do projeto e daí, buscar agregar com seus estudos e vivências, que podem vir de formas pessoal e profissional. O fotógrafo quando dá o famoso “clique”, procura estar em harmonia com sua equipe “pessoal”, que varia a formação dependendo do orçamento disposto, formada por assistente de câmera (responsável pela checagem total do equipamento a ser utilizado), foquista (girando o foco à procura da nitidez desejada), eletricista (responsável pela forma que a iluminação toma) e maquinista (cuida da movimentação da câmera com ou sem trilhos).

Os detalhes técnicos mencionados são extremamente relevantes, e tão importante quanto, é a ligação com sua realização. Com certeza você escutou a expressão, “fulano gosta do que faz” ou “nasceu pra isso”, bem, elas estão diretamente relacionadas ao equilíbrio perfeito entre dominar a técnica e transmitir seu conteúdo sentimental. Quando vimos um filme, uma foto ou um quadro, interagimos e absorvemos aquilo em níveis variados, e quem produz conteúdo, também está sujeito à estabelecer relações com o que construiu. 

Fotografia é muito mais que só captar o momento, é um estado de cultura, conhecer você e o outro, é estabelecer o diálogo entre o objeto e a luz. É um olhar que pode dar modelo ao que por vezes o nosso ver não pode captar de forma nua.

Dicas para além!

Continuar a aprender e evoluir é o que fazemos de melhor! Por isso, estaremos deixando dicas de entretenimento para a sua degustação!

Indicação de livros sobre fotografia:

https://blog.emania.com.br/13-livros-de-fotografia/

Conheça o trabalho do grande fotógrafo brasileiro, Sebastião Salgado:

https://sites.google.com/site/7e5histfoto/sebastiao-salgado

                                                                                                         Por

Juliano Ferreira

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No dia 03 de outubro deste ano, foi lançado o filme Joker (Coringa). De acordo com o site AdoroCinema, o filme levou nota 5,0 nas críticas, para os usuários, o filme mereceu uma nota de 4,5 e a imprensa 4,2. A média crítica do filme pode ser considerada elevada, com toda certeza. Mas o que iremos analisar é algo bem diferente. 

É possível que um personagem se transforme em um ser na vida real? A loucura tratada é ficcional ou é real?

Admito que não sei nada sobre patologias da mente – a quem se interessar, indico um artigo que trata sobre o livro Cinema e Loucura ou no cinema brasileiro, que há um artigo muito bom sobre Representações Imagéticas no Cinema Brasileiro. Não sou psicólogo e acredito não ter tal perícia para opinar, quem diria para escrever sobre. Tratarei sobre a teoria do personagem e suas loucuras.

Louco, louco e louco

Diversos personagens na ficção são loucos. O que se entende por loucura é, na verdade, uma marginalização do que é considerado normal, do que a sociedade regula ser, na verdade. Dependendo de como e quem analisa a obra em questão, haverá muitos detalhes, como quando citado Jean Claude-Carrière no livro Literatura e Cinema (2007, vol. 1), da coletânea Mistérios da Criação Literária, de José Domingos de Brito (Org.).

Compreende-se assim que, qualquer pessoa que faça algo que não é aceito pela sociedade, é louca. De certo modo, eles têm razão. Por outro lado, entender quão complexo é esse raciocínio também é um movimento necessário.

Em o célebre livro de Lewis Carroll, Alice no país das maravilhas, encontramos diversos exemplos de personagens ficcionais que possuem traços de loucura – isso para não dizer completamente loucos -, ou que possuem em seus nomes, o adjetivo louco ou maluco, como o Chapeleiro Maluco.

Ser e Estar, eis a questão…

O processo ficcional é colaborativo e instigante. Não é possível criar um personagem do zero. O que se pode fazer é se inspirar em um – ou vários – já existentes. A completa inovação é difícil e teoricamente impossível – algo que muitas vezes não acontece na prática, já que temos diversos escritores inovando em diversos pontos de suas narrativas e ficções -, no entanto, trataremos de algo bem mais filosófico.

O ser ficcional, paradoxalmente, existe nas entrelinhas. Ele é apenas no papel, onde está situado. Em línguas onde os verbos ser e estar significam coisas diferentes, estando separados – no inglês eles são o mesmo, verb to be, que através do contexto, sabe-se qual é qual -, pode-se entender que, o indivíduo pode ser sem estar? E o contrário, estar sem ser, é possível?

Bem, é confuso, eu sei. Mas imagine-se comigo:

Eu existo independentemente de estar? Sim, certo?
Eu consigo existir no meu quarto, enquanto outras pessoas existem em outro lugar, o que não significa que eu precise estar onde elas estão para existir (para ser).
Logo, o verbo ser está atrelado ao verbo existir.

Já é possível estar se não existe? Por exemplo, é possível uma galinha de 20 olhos, 7 cabeças e 1 ouvido estar na sua sala? Bem, até seria possível, se ela existisse. 

Um verbo independe do outro.

Já que entendemos isso, passamos ao cinema e aos livros.

Cinema, livros e ficção

Nos livros, novamente, nos baseamos em algo que já existe, ou seja, vemos ou pensamos e depois escrevemos. No cinema, mais ainda, nos baseamos em outros filmes, livros, músicas e etc… Ou seja, nos baseamos nas produções já existentes.

O ser ou indivíduo louco é tão importante na história que uma das cartas mais significativas do tarot é “o louco”, uma das 78 cartas e o vigésimo segundo Arcano Maior – nome dado ao conjunto principal das 22 cartas que compõem o grupo do tarot, diferenciando-se das menores -, isso significa que se para a prática esotérica e mística essa figura é importante, imagine para a ficção, em si. 

Já que a ficção se apropria de inúmeras figuras místicas e de práticas de nosso imaginário. Isso passa a significar uma verdade, logo, o imagético se transforma em real em nossas mentes. 

Essa é a grande importância do imaginário para os livros, cinema e para a ficção, já que sem o imaginário, não teríamos esse conteúdo tão amplo para decorrer – tendo mais interesse, sugiro o artigo Elogio à loucura.

Que loucuras lerei?

Eis aqui algumas poucas reflexões sobre a loucura na ficção.

Agora, ao ler um bom livro sobre a loucura ou algo ficcional, saiba dessas boas novas.

Por Pedro Rosemberg

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Começamos a semana falando como o Facebook possibilita a você encontrar um novo trabalho e pesquisar quanto vale o que te pagam na atual posição que você ocupa na empresa em que você trabalha hoje.

Facebook Jobs: o que é, para que serve e como funciona

As recentes mudanças que têm ocorrido na sociedade brasileira têm possibilidade, em alguns casos, o uso da ciência e da tecnologia em favor da desburocratização dos serviços públicos e da modernização de atividades triviais como dirigir. Nesse sentido, a CNH Digital é um grande avança para todo mundo que conduz veículos e, sobretudo, para aqueles que não gostam de andar com carteira muito volumosa.

Carteira Digital de Trânsito (CNH Digital): o documento do futuro

Elon Musk é realmente o Tony Stark da vida real, mas sem toda aquela arrogância. A mais recente atividade dele é o Neuralink, um sistema avançado de integrar o cérebro humano à dispositivos tecnológicos, tanto para recuperar pessoas que tiveram funções cerebrais prejudicadas por acidentes ou doenças, quanto para aqueles que querem, por meio da tecnologia, se tornar superhumanos.

Neuralink de Elon Musk: uma interface tecnológica mais avançada que smartphones e tecnologias vestíveis

O filme dos Vingadores fez muito sucesso ao redor do mundo todo e você que gosta da 7ª Arte também precisa conhecer o que está por trás desse marco da história do cinema e como as empresas por trás dele lucraram.

Vingadores Ultimato – Um marco na história do cinema

Discutimos, também, sobre criatividade e como os filósofos clássicos que forjaram o arcabouço intelectual dos tempos atuais ainda influenciam os pensadores dos tempos presentes.

Criatividade – Os novos pensadores conseguiriam alcançar os antigos pensadores?

Para que busca um certa orientação mais holística sobre a vida e como tomar decisões mais acertadas ainda tempo um texto super bacana sobre a capacidade de se fazer escolhas corretas.

A capacidade de fazer a escolha certa

E aí, você aproveitou essa última semana?

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O público crescia cada vez mais, muitos não imaginavam que a Marvel se tornaria o que ela é hoje. A incrível organização e trabalho de enredo, montagens, escolha de atuação e a tão lendária trilha sonora, fizeram com que os irmãos russo construíssem algo incrível que é o universo compartilhado da Marvel, onde, cada evento causa um impacto em cada filme, um seguido do outro.

Vingadores Ultimato entrou para a história do cinema como o filme de maior bilheteria mundial esse ano, ultrapassando a posição na qual o filme Avatar que estreou em 2009 que arrecadou US$ 2,789 bilhões nas bilheterias mundiais, após tantos anos, Avatar que era conhecido como o filme de maior bilheteria de todos os tempos, deixou de ser reconhecido por essa posição. Na primeira vez em cartaz, o longa não conseguiu ultrapassar o tão aclamado Avatar como o filme de maior bilheteria mundial, o sucesso de Vingadores Ultimato foi tanto, que ele foi relançado no cinema com cenas extras arrecadando US$ 2,790 bilhões na segunda vez em cartaz. O sonho dos irmãos russo, assim como te todo diretor de cinema, era de alcançar este objetivo pois todo o universo cinematográfico da Marvel se destinou à este tão aguardado momento, a conclusão de 22 filmes contando com o próprio. Ao ultrapassar Avatar, os irmãos russo (Anthony e Joe Russo) agradeceram aos fãs e espectadores pelo sucesso de Vingadores Ultimato nas bilheterias mundiais.

O universo cinematográfico da Marvel, se dividiu em 3 fases, na qual o longa “Homem de ferro” de 2008 marca o início do universo Marvel nos cinemas. Cada fase da Marvel, era marcada por um ponto central de enredo, na qual a primeira fase demonstra a criação do grupo denominado “Vingadores” selecionados por Nick Fury, interpretado por Samuel L. Jackson, finalizando-se na batalha épica em Nova York contra Loki e o exército de Thanos. Na segunda fase do universo cinematográfico da Marvel, o filme “Homem de ferro 3” marca mais uma vez o início da segunda fase, na qual os heróis recebem novos aliados como: Feiticeira escarlate, Homem formiga (Scott lang), Visão e Guardiões da Galáxia. Aos poucos, o enredo demonstrava o caminho no qual Tony stark e Steve Rogers iriam se destinar até a terceira fase, foi então que o primeiro filme da terceira fase se originou: “Capitão América: Guerra Civil”, dividindo os vingadores em dois grupos, o grupo de Tony e o grupo de Steve. A terceira fase também introduziu novos heróis, O mago supremo: Dr. Estranho, o rei de Wakanda: Pantera Negra, o tão amado e conhecido amigo da vizinhança: Homem Aranha, a filha da Vespa original (Janet Van Dyne) e Homem formiga original (Hank Pym): Vespa (Hope Van Dyne) e a Incrível e poderosa Capitã Marvel.

Por mais que os heróis tenham lutado entre si em “Capitão América: Guerra Civil”, deixaram seus sentimentos de lado para proteger a terra e consequentemente, o universo. Thanos sempre foi a grande ameaça de todo o UCM, em todas as fases do UCM era possível notar que a ameaça Thanos era eminente,. Em Guerra infinita, os heróis uniram-se novamente contra a Ordem Negra de Thanos e o próprio, que tinha o objetivo principal de conseguir todas as joias do infinito e dizimar metade da população com a finalidade de balancear o universo, diferente das HQs, na qual a finalidade de seus atos era agradar seu grande amor: A morte. O sucesso do plano de Thanos de demonstrou que os vingadores deveriam fazer algo para consertar o que já havia sido feito. Foi então que com a aparição do homem formiga no futuro, os heróis não perderam as esperanças de consertar aquilo que Thanos realizara.

Vingadores Ultimato marca a saída de Robert Downey Jr. do papel de Homem de ferro, e Chris Evans do papel de Capitão América do elenco. Os heróis juntamente com Thor interpretado por Christopher Hemsworth, era reconhecida como “A trindade da Marvel”, desde sua inclusão nos vingadores, Tony Stark tem demonstrado um grande crescimento emocional, um homem orgulhoso se tornou aquele que se sacrificaria pelo bem de todos. Em todos os filmes, cada vingador deu tudo de si para a proteção do planeta terra, Steve Rogers sonhava em ter a dança que havia prometido à Peggy Carter, com a morte de Peggy, Steve não pôde cumprir sua promessa. Ao viajar ao passado, Steve teve a chance de cumprir sua promessa, e Tony pôde conhecer seu pai: Howard Stark. De acordo com os irmãos russo, o longa dá uma atenção maior aos vingadores iniciais, principalmente à trindade da Marvel.

O longa marcou uma geração inteira, desde crianças até adultos, diretores, roteiristas e escritores. O longa permanecerá no coração de muitos durante um bom tempo, se tornando também o melhor filme de herói de todos os tempos. O longa ganhou vários prêmios no MTV MOVIE AWARDS, tais como: Melhor filme, melhor herói e melhor vilão. O cinema se lembrará de Vingadores Ultimato, o sucesso e a bilheteria do filme, a Marvel ainda realizará mais filmes, porém, será que algum deles alcançará ou ultrapassará o sucesso de vingadores ultimato?

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Por uma leve coincidência do destino, nossos conteudistas publicaram essa semana uma série de artigos relacionados ao bem-estar e à saúde mental. Se você não está muito ligadx nesses assuntos, é importante que conheça estratégias para ter mais qualidade de vida e lidar com os problemas sociais e psicológicos conforme eles aparecer.

Começamos a semana falando sobre os perigos da desinformação na Internet e como isso pode nos afetar, levando algumas pessoas a desenvolverem transtornos mentais. Esse tipo de problema não deve nunca ser ignorado, por isso foram apresentadas algumas estratégias para lidar com transtornos mentais.

Uma crítica foi feita às adaptações cinematográficas de 2019, relacionando às a multi-milionária indústria do cinema que nem sempre presa pela qualidade, mas, às vezes, deixa se levar pelo lucro imediato em detrimento da arte. Saindo do universo das artes visuais e passando para as artes escritas, foram dadas algumas dicas tecnológicas de como ler mais e melhor a partir dos sites, aplicativos e aparelhos que existem hoje em dia.

Para que está buscando um estilo de vida mais produtivo, acessível e sustentável, um artigo especial sobre o assunto foi publicado e outro foi lançado discutindo as relações abusivas que estão tão presentes na nossa sociedade atualmente.

Para não perder nada na semana que se inicia amanha, você pode se inscrever na nossa newsletter e nos seguir nas redes sociais: Twitter, Instagram, Facebook.

Confira:

O projeto da desinformação mundial criado pela internet

A tecnologia e os transtornos mentais: como lidar com esse problema do jeito certo (dica de aplicativos)

Adaptações cinematográficas em 2019, um desastre de proporções milionárias

Literatura na palma da mão – tão fácil quanto respirar 

Relatos de relacionamento abusivos na Internet

O que é necessário para atingir uma vida saudável? Sacrifício ou diversão? 

Como vai ser o Dia Comunitário do Pokémon GO no Brasil

Gastronomia no Instagram: como criar fotos que dão água na boca?

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