Um pouco da história

Sete pessoas são levadas a julgamento em 1969, por um conflito  envolvendo policiais e manifestantes, ocorrido em 1968. 

Os Sete indivíduos são julgados por serem acusados de conspiração, ao constar nos altos do julgamento, que iniciaram o confronto contra os policiais durante seu protesto contra a Guerra do Vietnã.

Durante o julgamento vão surgindo informações e pessoas chave, que contribuem ou atrapalham para a evolução do resultado.

O contexto dentro do filme

A Guerra do Vietnã foi um evento importante que alterou a história no século 20. Tendo a duração de 20 anos (1955-1975), o evento trouxe muitas questões sociais e políticas, principalmente no território estadunidense.

“Os 7 de Chicago” consegue mostrar bem os motivos que levaram ao início das manifestações contra a Guerra, e o primeiro deles era a obrigatoriedade do alistamento e envio compulsório militar, de jovens que retornavam mortos ao país de origem.

Movimentos de contracultura como o Hippie, Panteras Negras, junto a estudantes de faculdades renomadas, se encontraram na manifestação para achar um senso comum, acabar com a Guerra.

Durante as manifestações, um conflito é desencadeado, e o protesto pacífico se torna num mar de sangue, contabilizando mortes e sequelas futuras.

Vale a pena assistir?

Contando a narrativa quase toda dentro do tribunal, o filme traz flash backs e conversas entre os advogados e seus clientes. O elenco é de muito talento, composto por Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne e Joseph Gordon-Levitt. 

Aaron Sorkin, que entrou de Diretor e Roteirista, conseguiu montar uma dinâmica interessante para contar a história. É visível o lado ao qual ele defende, pelas ferramentas que utiliza. Sua Direção torna os personagens caricatos e que se encaixam na sua proposta.

É um filme que vale as indicações recebidas, tecnicamente é bem servido. Trata de temas relevantes como racismo, Alistamento Militar, violência policial e Polarização.

Para quem gosta de estudar fatos históricos, esse é um ótimo título, pois não tem uma linguagem fácil e direta. 

Então vale a pena assistir! 

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Desde muito cedo, Turma da Mônica foi uma entrada, mas lembro de pirar muito em Asterix quando era criança. Quando cresci mais acho que Beavis and Butt Head, South Park e todas essas animações malucas de comédia.

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O Roteiro

Já conversamos sobre as responsabilidades de um Roteirista com seu Roteiro, no texto “O que faz um Roteirista Cinematográfico?”. Recapitulando em resumo o que foi dito lá, o Roteiro é peça fundamental para a criação e condução da narrativa proposta, pois é nele que as principais ações estão descritas para que a Produção trabalhe claramente com todas as funções estabelecidas para alcançar o objetivo maior, entregar o produto Audiovisual.

Um Roteiro tem conjuntos estruturais, que em harmonia, confeccionam bons projetos na tela. Na maioria dos conjuntos, temos a Sequência Lógico Narrativa, ela consiste no raciocínio histórico estabelecido, com isso, os fatos estão envolvidos numa cadeia de ramificações que evolui na presença de ações passadas, presentes e futuras. Os elementos dessa estrutura tem funções diversas e a seguir vamos falar sobre os três mais usados, são eles os Atos, Plot Twists e Pontos de Virada.

3 Atos 

Você já deve ter lido histórias em livros e jornais que apresentaram início, meio e fim. Assim como nestas histórias, os filmes também carregam as três partes, porém são chamadas de Atos.

Os Atos são responsáveis pela divisão dos blocos e suas funções, São 3 que ficam configurados assim: 

O primeiro portando a iniciação do mundo proposto, nele temos acesso ao protagonista e as limitações da realidade em que vive. O primeiro Ato é conhecido como apresentação do mundo comum. 

O segundo mostra o personagem principal atendendo a um chamado de aventura e entrando no mundo extraordinário, saindo da comodidade do Ato anterior e enfrentando desafios e inimigos, forçando amadurecimento nos campos que precisa. 

O terceiro traz a resolução da história, geralmente fazendo com que o protagonista entenda seu potencial e lugar de direito, retornando assim, mais evoluído para o mundo ordinário apresentado no primeiro Ato, que agora é visto com outros olhos.

Plot Twists

São pequenas engrenagens utilizadas para que a trama continue interessante até o fim. Um Plot Twist (Virada da Trama) tem a função maior de surpreender o público com o objetivo de gerar empatia. A utilização ocorre quando a narrativa segue uma direção única dos fatos e precisa de eventos que causem reviravoltas para encorpar a obra. Não há quantidade limite para inserir Plot Twists.

Pontos de Virada

Diferente dos Plot Twists, os Pontos de Virada tem um limite para aparecer no Roteiro. Eles acontecem duas vezes, marcando as transições do primeiro para o segundo Ato e do segundo para o terceiro Ato.

Sua função é exatamente marcar as mudanças das fases da história, sendo extremamente importante para situar o início, meio e fim. No Roteiro Clássico, o primeiro Ponto de Virada acontece no momento em que o chamado da aventura é aceito, o segundo o último Ponto de Virada se concretiza quando o herói perde quase tudo e parte para a reconstrução.

Colocando em prática

Entender as partes técnicas do Cinema é importante não só para quem produz, mas também para quem aprecia as obras. Quando entendemos os processos, fica melhor avaliarmos os conteúdos que assistimos, então fique de olho no nosso Portal, com o intuito de sempre aprender mais sobre a Sétima Arte!  

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Um pouco da história

Bart, recepcionista em um pequeno hotel, trabalha em horário fixo sem muita movimentação comercial, o que torna sua rotina tranquila para quem apresenta condições de interação social diferentes. 

Após trocar de turno com um colega de trabalho, um crime acontece no hotel e Bart se vê no meio de uma investigação, carregando consigo algo que pode solucionar o crime.

O protagonista

É importante falarmos sobre a condição do personagem principal, pois é o que vai ditar sua relação com os demais. 

Bart, como é citado durante o longa-metragem, é contemplante da Síndrome de Asperger, Transtorno de Neurodesenvolvimento. Esse transtorno faz com que a pessoa perceba o mundo e outros indivíduos de forma diferente, ressalto que não é uma doença, por tanto, não há cura. Os que carregam a condição, costumam ter um nível de inteligência elevado, apresentando um pouco de dificuldade quanto à interpretação do que é dito e a linguagem proposta em determinadas situações.

As referências

Durante o filme, nos deparamos com homenagens a outros títulos. O Diretor e Roteirista, Michael Cristofer parece ter um grande apreço pelo Mestre do Suspense, Hitchcock, pois seu roteiro em boa parte, faz alusão ao Psicose e Janela Indiscreta. Percebemos tal movimento, quando o protagonista observa tudo o que acontece de câmeras espalhadas pelos espaços e claro, na hora de realizar a montagem da cena do crime.

Ainda há outras obras que parecem ter emprestado um pouco de suas formas, como é o caso de Atividade Paranormal (2007) (Câmeras espalhas, possibilitando vermos praticamente tudo o que acontece) e O Abutre (2014) (O protagonista estando sempre no meio do caos).

Roteiro híbrido

Atualmente, devido às mudanças no cenário cinematográfico, é bem comum assistir obras que mesclam gêneros. Alguns casamentos são mais utilizados como Comédia e Romance, Drama e Suspense, Ação e Comédia… e por aí vai. Acontece que nem toda combinação dá certo, por atrapalhar o andamento dos conflitos iniciados.

Infelizmente a combinação entre Drama, Suspense e Romance não foi frutífera para “O Recepcionista”, que encontra dificuldades em seguir uma linha do Suspense que é interrompida pelo foco em excesso na condição social do protagonista e seu romance com Andrea.

A iniciativa de abordar um tema como Síndrome de Asperger é bom, porque é possível tocar mais pessoas sobre o assunto, já que estamos falando da Netflix, uma plataforma provida com milhões de usuários. Ter um protagonista nesta condição é interessante narrativamente falando, pois um recepcionista sempre está em contato com diversos tipos de pessoas e ilustrar as interações torna possível aparecer situações com boas dinâmicas.

A questão é que o filme é vendido como um forte suspense e entrega Drama romântico com suspense que não desperta grandes curiosidades. Chega um ponto em que o Roteiro abandona o crime (Fato extremamente divulgado nas campanhas publicitárias) e foca na paixão de Bart e a sensação de perigo desaparece quase por completo.

Michael ainda tenta ressuscitar o suspense do caso, trazendo o policial investigador em alguns momentos, assim como a mãe do protagonista, mas não consegue recuperar o clima, tornando a mistura híbrida um fracasso. 

Vale a pena assistir?

Infelizmente há mais pontos negativos do que positivos. Apesar de no elenco ter a belíssima Ana de Armas, sua presença não foi suficiente para mascarar a falta de continuidade nos conflitos inaugurados. 

Começa bem, montando o suspense e quando entra no segundo ato, já não entendemos as funções dos personagens, suas motivações e o pior, o vilão literalmente deixa de existir. Bart não enfrenta situações de provação, que comprovem a evolução do personagem ao fim do enredo. 

Confesso que “O Recepcionista” não está na minha lista prioritária de recomendações.

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A história

  Após enfrentar valentões no reformatório juvenil ao qual se encontra, Adonis (Michael B. Jordan) chama a atenção de Mary Anne (Phylicia Rashād), que o procura e faz a proposta para ele morar com ela. Ainda desconfiado da mulher, recebe a informação sobre a existência do seu pai falecido, que por sinal se chamava Apollo Creed. O garoto aceita o convite.

  Anos se passam e Adonis está em emprego comum numa grande empresa de contabilidade, com possibilidade de subir de cargo. Dividindo seu tempo entre lutas de boxe noturnas e o trabalho cotidiano, ele decide que tem de focar no que gosta, assim entrando de cabeça no boxe.

  Na busca de descobrir quem foi seu pai, de fato, Creed encontra Rocky Balboa, que fica surpreso ao ver o filho de seu falecido amigo. Adonis tem muita vontade de competir nas grandes lutas e quer o Rocky como seu treinador, e após um tempo relutando, o mesmo aceita. Nesse período, Creed acha o amor em Bianca (Tessa Thompson), uma cantora.

  Com medo de viver na sombra do pai, Adonis e Rocky preferem deixar a sua identidade anônima enquanto se preparam para a luta arranjada com um lutador pertencente à mesma academia de treino. Ao fim do show, seu sobrenome é revelado, bem como a sua história pregressa e Adonis adquire um peso enorme no seu psicológico.

  Assim como o protagonista, Rocky tem de travar batalha pessoal para vencer seus rivais e dar novo sentido à vida. Eles embarcam nos desafios juntos!

O ringue da vida

  Muito antes de Creed: Nascido para lutar, foi lançado o filme Rocky: Um lutador, em 1976 . O Roteirista e idealizador da história, também creditado como protagonista, foi nada mais nada menos que Sylvester Stallone. Hoje nós o conhecemos como um dos maiores artistas de longas-metragem de ação, mas ele nem sempre viveu em alto patamar.

  Na época que começou a dar vida à história do filme, Stallone estava com dificuldades para achar emprego e isso o levou a passar fome, dormir no seu carro e não conseguir cuidar seu cachorro, ele vendeu o animal por não conseguir fornecer a assistência necessária, e com o valor recebido, investiu em transportes para tentar vender seu roteiro, que estava finalizado. 

  Era difícil conseguir fazer alguém comprar a sua ideia nos termos estabelecidos por ele. A história era boa e os Produtores se interessavam, mas Sylvester só venderia o Script, caso fosse acordado a sua participação como protagonista do longa e os realizadores não queriam um ator desconhecido, pois atrapalharia a divulgação do filme. Stallone chegou a receber propostas em torno de US$100.000,00 e recusou, por não aceitarem sua principal exigência.

  Já cansado de rodar com sua ótima história e ninguém aceitar seus termos, o cineasta caiu em frustração, até que num último esforço, apresentou sua ideia ao renomado Produtor de Hollywood, Robert Chartoff. O Produtor aceitou seus termos e ele estrelaria filme, porém, com o salário bem abaixo do mercado (US$ 30.000.00), dando como justificativa o não conhecimento do retorno em bilheteria, pelo fato do Sylvester ser anônimo ao grande público.

  No fim das contas, Rocky foi um sucesso de bilheteria e crítica! Stallone ganhou fama estrondosa e não esqueceu de seu velho amigo. Ele foi atrás do cachorro para pegá-lo de volta, mas o então dono quis negociar um valor, eles acertaram o que foi pedido e o Cineasta recuperou seu amigo. Dali em diante, Sylvester ascendeu exponencialmente no ramo cinematográfico, fazendo as sequências de Rocky e Rambo.

Qual a relação entre Stallone e o filme Creed?

  Após fazer o pequeno apanhado histórico acima, vamos entender o papel de Stallone em Creed. O roteiro que ele escreveu para o filme de 1976 é lembrado como um dos que mais seguem a Jornada do Herói, formatada pelo escritor Christopher Vogler. Os 12 passos da estrutura são explorados um por um.

  A receita que foi para a tela deu tão certo, que gerou vários filmes posteriores. Pela sua importância a nível mundial, Sylvester se tornou referência direta da franquia que perpassou gerações. Isso se deve não somente ao seu status como ator, mas também sua paternidade para com as obras. Sua luta pessoal fez com que criasse algo extremamente relevante.

  Desse modo, observamos em Creed, a sequência de uma ideologia com trabalhos iniciados em 1976. A linha da Jornada do Herói é praticamente a mesma no modo como o protagonista enfrenta seus desafios pela vida. Ele leva pancadas, mas as forças se regeneram e o tornam mais forte.

Falando do filme

  O ponto alto de Creed é visto pelo espetáculo da montagem feita com a câmera em parceria com a trilha sonora. Em se tratando de um longa feito 40 anos depois do primeiro da saga, é perceptível a utilização massiva da tecnologia fornecida no momento da realização. O elenco tem uma química sensacional e cria empatia descomunal com o espectador.

  Creed: Nascido para lutar é importante, pois trata de histórias palpáveis e personagens reais. O criador viveu sua luta e converteu isso em filme. Esse é um dos exemplos mais marcantes que comprovam a força do cinema na vida das pessoas!

Por

     Juliano Ferreira          

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A preparação de quem escreve

  A fase mais lembrada dos roteiros de cinema é aquela que envolve cenas e diálogos dos personagens espalhados entre as páginas que servem de guia durante as ações executadas no Set de Filmagem. Essa é uma pequena parcela dos recursos que são utilizados anteriormente para dar origem ao que observamos em tela posteriormente. Os recursos mais comuns são Logline, Storyline, Sinopse, Argumento e Escaleta.

Logline

  A grosso modo, ela é um resumo de uma ou duas linhas, sobre a ideia da história. Em geral, quando realizadores inscrevem filmes em festivais e programas para captação de recursos, esse elemento é fundamental no projeto que é enviado aos avaliadores, pois eles recebem inúmeros trabalhos para analisar e a Logline dá uma noção rápida sobre a ideia do produto.

Storyline

  Muitas vezes confundida com a Logline, a Storyline apresenta uma peculiaridade. Enquanto a Logline passa a ideia ou premissa em até duas linhas, a Storyline, além de fazer isso, traz o enredo dividido nos três atos tradicionais da convenção clássico-narrativa.

  Essa parte tem um formato com cinco a seis linhas para a sua função, onde as duas primeiras linhas são para resumir o começo (Primeiro Ato), as duas linhas centrais destinam-se ao resumo do desenvolvimento (Segundo Ato) e as linhas finais ficam responsáveis pela conclusão (Terceiro Ato).

  Lembrando que a Storyline serve mais para deixar claro os pontos de virada da história, então não apresenta tanta descrição quanto em outras etapas.

Sinopse

  Nesse momento, você vai escrever um resumo da sua obra. A versão  do enredo apresentada na Storyline, agora vai ser um pouco mais desenvolvida. O passo da sinopse é importante principalmente para entrar em festivais, pois, assim como a Logline, também diz bastante do que você quer contar.

  Nela você coloca alguns elementos que julga importante outras pessoas saberem, como por exemplo, ações chaves que direcionam o caminho objetivado, mas sem desenvolvimento extenso.  

Argumento

  É o texto onde as descrições de personagens e situações devem estar bem colocadas. Depois do Script (Roteiro final), o Argumento é a parte mais longa do processo. A história é contada de forma integral, visando transmitir os mínimos detalhes.

  É comum os roteiristas inserir falas e dar um panorama sobre objetos e ambientação. Uma característica marcante da etapa, é a escrita se fazer no modo “presente” o tempo todo, dando a sensação que o enredo acontece no agora, mesmo que trate de ocasiões passadas ou futuras. Ex.: Juliano anda na calçada e vê Maria pela vitrine da loja de roupas. 

Escaleta

  É basicamente o Argumento dividido em cenas, já buscando a preparação para iniciar o Roteiro Final. As cenas são introduzidas de forma sequencial e geralmente em posição vertical. Não é usual, mas há roteiristas que colocam falas dos personagens nessa fase, com o intuito de buscar algo mais concreto no próximo passo.

O Roteiro (Script)

  Chegamos a parte dita como derradeira. O Roteiro é o conjunto da obra e agora vamos para a parte mais técnica, porque com a história concretizada, o filme pode ser produzido com as demandas necessárias. ,

Storyboard

Uma ferramenta mais usada por diretores, vários roteiristas se valem do Storyboard para desenhar em pequenos quadrose ter  noção espacial do que vai ser enquadrado pela câmera nas cenas.

Artifícios do Roteirista

  Cada roteirista tem seus métodos de trabalho e por isso, quando estão produzindo seu projeto, tem o costume de variar a ordem das etapas assinaladas acima. Muitas vezes eliminam alguns processos, mas todos eles tem o objetivo de entregar a história de um filme. 

  Escrever é um trabalho árduo e demanda muito estudo e dedicação. Você pode escrever de forma não convencional, mas assim como um bom roteirista, ter empenho leva pessoas à lugares que transcendem a realidade e a ficção.

Por

Juliano Ferreira 

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O cinema tem o potencial de fundir o que melhor se constrói nas outras artes. O processo de relação com a literatura se torna intenso, no que diz respeito à fomentação de um roteiro. Temos grandes influenciadores que colaboraram bastante com a evolução e entendimento da escrita cinematográfica.

Joseph Campbell, um professor universitário e mitologista do século 20, percebeu as semelhanças presentes em praticamente todas as histórias que tratavam de temas míticos e fantasiosos. Ele se aprofundou no estudo de que se “dissecarmos” os enredos dos livros, encontraremos um padrão que liga o protagonista (herói) às etapas de provações experienciadas pelo mesmo. Formalizando os resultados de sua pesquisa, Campbell relatou a utilização de 12 etapas na “Jornada do herói mitológico”.

1. O mundo comum

Fase em que conhecemos o ambiente inicial, geralmente para entender o cotidiano do nosso personagem. São estabelecidas algumas características que serão exploradas nos passos seguintes.

2. Chamado à aventura

Surge o primeiro contato com algo que sai do cotidiano. É um convite da situação que precisa da atenção do nosso protagonista.

3. Recusa do chamado

O medo de deixar sua vida cotidiana e entrar em novo desafio, faz com que o herói recuse o chamado.

4. Encontro com o mentor

O mentor pode ter várias representações física e espiritual. Ele tem a função de treinar e guiar o protagonista até certo ponto da narrativa. O encontro geralmente é um tanto quanto conturbado, já que toma um tempo até o herói aceitar os métodos de seus ensinamentos.

5. Travessia no primeiro limiar

Limiar significa fronteira, limite. Esse momento marca o primeiro ponto de virada da história, quer dizer que dali para frente a narrativa vai decolar, pois os objetivos estão tomando o caminho da concretude.

6. Testes, aliados e inimigos

Essa fase, talvez seja a que mais se repita durante o processo narrativo, pois aborda os desafios variados que estarão no caminho do herói. Isso faz com que ele se fortaleça na trilha.

7. Aproximação da caverna oculta

A sétima etapa sinaliza o segundo ponto de virada do conto. Após enfrente um caminhada intensa, repleta de contratempos, chegamos ao objeto da busca. Toda a preparação entre herói e mentor foi para este momento, onde se situa o perigo supremo a ser batido.

8. A provação suprema

 É o momento em que o protagonista encara a situação de morte ou quase morte, ressurgindo (metaforicamente ou literalmente) em seguida, portando equilíbrio e força maior. 

9. Recompensa

Após ganhar a batalha travada com seu maior desafio, até então, o herói se apossa do seu objetivo interessado desde o início de sua caminhada.

10. Caminho de volta

O terceiro ato começa nessa fase. O herói ainda está no ambiente da aventura, decidindo retornar ao mundo comum, mas seus inimigos tornam essa volta bem complicada.

11. Ressureição

Trazendo uma intensidade maior que a fase 8 (A provação suprema), a décima primeira vai encorpar ainda mais nosso herói, pois o perigo maior será combatido e para além disso, teremos mudanças definitivas na personalidade do protagonista, advindas de sua vivência no mundo da aventura. O procedimento vai culminar no renascimento do indivíduo.

12. Retorno com o Elixir

É a etapa derradeira da jornada. Nela é conquistado o que era necessário para o protagonista amadurecer com êxito e fazer a diferença no mundo comum ao qual pertence. Seu retorno é o ponto alto.

A jornada no cinema

Os passos listados acima podem ter variações de acordo com a necessidade do roteirista. No cinema é utilizada a adaptação dessa estrutura feita pelo escritor Christopher Vogler, que escreveu o livro envolvendo a mesma temática “A jornada do escritor: Estrutura Mítica para Escritores”.

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– Antoine Lavoisier –

Um roteirista no cinema, para construir seu roteiro, acaba recorrendo a métodos que constroem seu padrão de escrita, um deles é o “clichê”, que vamos entender agora se ajuda ou atrapalha!

A fórmula clichê

Original do Francês, sendo escrito como cliché, tem no seu significado primário, a utilização de uma matriz feita de metal, destinada à fabricação de imagens e textos. Estes, vindo de conjuntos em repetição.

As artes tem inúmeros conteúdos já produzidos, e querendo ou não, muitos são inspirados em antecedentes. É como dizia o renomado cientista, Lavoisier: “Na natureza nada se cria, nada se perde, tudo se transforma”.

O cinema incorporou esta frase com maestria, à medida que grandes nomes desenvolveram fórmulas sobre expressões avulsas, que até então, não tinham sido imaginadas em conexão. Um forte exemplo, é o advento das obras de Charlie Chaplin, reunindo elementos do teatro de variedades, mais especificamente as pantomimas (gestos corporais) à situações de enquadramento em câmera. A reunião feita por ele, juntamente à cineastas do início do século 20, serviu de espelho para estabelecer convenções na indústria do gênero nomeado, comédia pastelão. Esse modelo é replicado até os dias atuais.

Os clichês estão sempre relacionados com gêneros de comédia, ação, aventura, romance, drama, terror e suspense, cada tipo em seu segmento. Eles servem para criar o que chamamos de “identidade por reconhecimento”. Ela implica em fazer com que o espectador saiba o tipo de obra a qual está acompanhando. Essa identidade entra inicialmente no roteiro, quando para criar uma situação, o escritor busca algo cravado em memória para estabelecer uma relação mais íntima com quem assiste. Um grande exemplo é quando um casal briga em um filme de romance, passam um período distantes e no último ato, eles se reconciliam em local público, perante a imensa quantidade de pessoas que ficam de plateia os observando. Aposto que com esse exemplo, você deve ter lembrado de inúmeras obras que fazem exatamente isso.

Os clichês sempre geraram polêmica e divergências de opiniões para quem produz e recebe o conteúdo. A verdade é que a fórmula se torna um facilitador e se desvencilhar dela, é sinônimo de entrar em campo novo, assumindo riscos. Há realizadores que utilizam da fórmula por anos e dão super certo, como é o caso do Steven Spielberg, e há os que fogem da curva e também são bem sucedidos, como o Luis Buñuel.

Jogando com o clichê

O cinema contemporâneo passou por diversas adaptações e os públicos se diversificaram bastante. Com salto amplo no modo de fazer cinema, os roteiros foram entrando em harmonia com o fluxo recente.

Hoje, a gama de filmes que ironizam e questionam os clichês é enorme. A comédia tomou a liberdade de brincar com os roteiros clássicos. Títulos como “Todo mundo em Pânico” ganharam espaço e trouxeram de forma leve, todas as características e exageros de filmes de terror. Em seguida, o mercado viu o potencial nos filmes de suspense e terror que entraram na possibilidade de abordar temas atuais, sem fixar na ideia de construção estabelecida no século passado, fortalecendo gêneros com pegada de terror psicológico. 

Interpretar e brincar com os clichês, se tornou um hábito na indústria cinematográfica. Passando por altos e baixos, o processo cinematográfico fixou marcas registradas, sendo uma delas o clichê. O ponto é que eles já estão inclusos em tópicos para fomentar roteiros. São recursos e podem ser inseridos no repertório de quem cria conteúdo. Se ajudam ou atrapalham, o que vai definir isso, é o que vem antes dos créditos finais.

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