Um pouco da história

Sete pessoas são levadas a julgamento em 1969, por um conflito  envolvendo policiais e manifestantes, ocorrido em 1968. 

Os Sete indivíduos são julgados por serem acusados de conspiração, ao constar nos altos do julgamento, que iniciaram o confronto contra os policiais durante seu protesto contra a Guerra do Vietnã.

Durante o julgamento vão surgindo informações e pessoas chave, que contribuem ou atrapalham para a evolução do resultado.

O contexto dentro do filme

A Guerra do Vietnã foi um evento importante que alterou a história no século 20. Tendo a duração de 20 anos (1955-1975), o evento trouxe muitas questões sociais e políticas, principalmente no território estadunidense.

“Os 7 de Chicago” consegue mostrar bem os motivos que levaram ao início das manifestações contra a Guerra, e o primeiro deles era a obrigatoriedade do alistamento e envio compulsório militar, de jovens que retornavam mortos ao país de origem.

Movimentos de contracultura como o Hippie, Panteras Negras, junto a estudantes de faculdades renomadas, se encontraram na manifestação para achar um senso comum, acabar com a Guerra.

Durante as manifestações, um conflito é desencadeado, e o protesto pacífico se torna num mar de sangue, contabilizando mortes e sequelas futuras.

Vale a pena assistir?

Contando a narrativa quase toda dentro do tribunal, o filme traz flash backs e conversas entre os advogados e seus clientes. O elenco é de muito talento, composto por Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne e Joseph Gordon-Levitt. 

Aaron Sorkin, que entrou de Diretor e Roteirista, conseguiu montar uma dinâmica interessante para contar a história. É visível o lado ao qual ele defende, pelas ferramentas que utiliza. Sua Direção torna os personagens caricatos e que se encaixam na sua proposta.

É um filme que vale as indicações recebidas, tecnicamente é bem servido. Trata de temas relevantes como racismo, Alistamento Militar, violência policial e Polarização.

Para quem gosta de estudar fatos históricos, esse é um ótimo título, pois não tem uma linguagem fácil e direta. 

Então vale a pena assistir! 

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Inspiração e faixas de música do EP

Inspirado na filosofia hindu, o EP é composto por cinco faixas instrumentais que
representam os elementos da natureza:

1. Prithvi (Terra)
2. Apas (Água)
3. Tejas (Fogo)
4. Vayu (Ar)
5. Akash (Éter)

Mais que uma experiência sonora, o projeto convida o ouvinte a uma jornada interior e
cósmica — onde cada música evoca sensações profundas ligadas à imaginação.

Sobre a artista

Lyzz Hana é uma artista LGBTQIA+, excêntrica e sensível. Sua arte mistura o universo
mágico das fadas com o underground contemporâneo. Com uma identidade visual
marcante e uma abordagem criativa que transita entre o delicado e o cósmico, Lyzz
cria um espaço sonoro para quem se sente fora dos padrões — jovens alternativos,
sonhadores, pessoas queer e todas as almas livres.

Com trabalhos anteriores no Spotify e videoclipes no YouTube, Lyzz Hana se consolida
como um nome em ascensão dentro da cena alternativa brasileira. Ela também é
defensora ativa da diversidade e da liberdade de expressão.

Como Lyzz quer que você se sinta?

“Como se estivesse flutuando no espaço, dançando em um um sonho antigo. Quero
que quem ouvir sinta que está em um lugar mágico, sem limites, onde tudo é possível.”

Links oficiais para acompanhar de perto

Disponível já no Spotify:

https://open.spotify.com/intl-pt/album/24qKhSU2bDCd0C2tHUbTQ0

Arte do EP:

https://www.lyzzhana.com/ep-os-cinco-elementos/ 

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Um pouco da história

Malcolm (Marlon Wayans) se muda para o subúrbio com sua companheira, Kisha (Essence Atkins). A vida a dois é maravilhosa até acontecer eventos bizarros na residência adquirida. Ao ver as imagens captadas pelas câmeras no local, Malcolm percebe algo que precisa de atenção além do normal.

A franquia e referências

Inatividade Paranormal (2013) é o primeiro filme da franquia, que é derivada da saga Todo mundo em pânico. Partilhando a mesma ideia da saga original, o longa traz referências de obras de terror, focando nas marcantes do gênero de Found Footage, tendo como base principal, “Atividade Paranormal (2007)”.

Os irmãos Wayans são conhecidos por realizarem produções que conversam bastante sobre questões raciais e sexistas, tornando os Roteiros cômicos em conteúdos reflexivos e o filme carrega essa marca inteligentemente.

Apesar de brincar com as normas padrões do terror, o objetivo de Inatividade Paranormal está longe de querer fazer medo, justamente por desmistificar a linha de tensão e apreensão causada pelos grandes terrores.

Vale a pena assistir?

Para quem ama o “pastelão”, é uma ótima indicação. O humor é ácido, então não é qualquer um que gosta. É interessante assistir para entender de forma lúdica os filmes de terror, porque tira aquele peso que eles carregam, por serem sérios demais. Vale a pena assistir!

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Um pouco do filme

Mitch Buchannon (Dwayne Johnson), líder da equipe Salva-vidas da baía de Malibu, se vê ameaçado pelo playboy Matt Brody (Zac Efron), que acaba forçado a participar da equipe. Em meio a rixa dos dois, um problema maior pede atenção da equipe.

Drogas e outras ações suspeitas aparecem na baía e Mitch convoca a equipe para descobrir a origem dos problemas, entrando assim, em uma aventura épica para salvar mais do que civis de afogamento.

Referências à série de TV

Baywatch tem o intuito claro de não ser levado a sério, porém, faz jus à produção televisiva lançada em 1989. As primeiras semelhanças são percebidas nos nomes idênticos dos personagens, apesar de fisicamente o quadro mais recente de atores ser diferente dos primeiros.

A Produção se vale excessivamente de relembrar a construção estética do primeiro trabalho. temos contato com os Slow-motions (Câmeras-lentas), figurinos bem justos, principalmente nas mulheres. Além, é claro, da reutilização das músicas marcantes da época.

Vale a pena assistir?

Logo no início, o Longa já mostra que não pretende ser levado a sério e acaba ganhando licença poética, quando foca em alimentar a nostalgia do seu espectador. Algo interessante a se ressaltar, é que o Roteiro também tem a intenção de captar públicos mais novos, como é o caso dos nascidos no final de 1990 e início de 2000.

Com relação a história, não há nada muito elaborado para nos surpreender, já que nos primeiros minutos entendemos quem são os mocinhos e vilões. A trama tem bons momentos pastelões para tirar risadas e entreter.

Pelo conjunto de referências e pontos nostálgicos e não prometendo ser algo além disso, Baywatch vale muito a pena ser assistido!

O post Baywatch: S.O.S. Malibu – Dir. Seth Gordon [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história

Charlie Watson (Hailee Steinfeld), adolescente que está prestes a fazer seus dezoito anos, perdeu seu pai precocemente e busca finalizar o projeto que os dois haviam iniciado juntos, construir um Muscle Car e fazê-lo funcionar.

Charlie ainda tenta se adaptar ao novo normal da família, que agora tem um padrasto. Para ocupar a mente, ela vai a um ferro velho regularmente pegar novas peças e fazer a caranga funcionar, mas nada dá certo, até que ela encontra um Fusca abandonado, que a atrai instantaneamente. Ela consegue o ligar e leva para casa. 

Pouco tempo depois o Fusca se mostra muito mais que um simples carro e partilha os desafios e emoções da aventura que os aguarda.

Transformers

Michael Bay já nos tinha apresentado a esse universo de robôs alienígenas que se transformam em veículos motorizados e animais do nosso planeta. Transformers se consolidou cinematograficamente em 2007.

Todos os filmes da linha principal, mostram os robôs Autobots, criando um vínculo com a raça humana e fechando acordo para proteger o Planeta Terra de ataques promovidos pelos antagonistas denominados, Decepticons.

De todos os personagens que aparecem em toda a série de Longas-metragem, os únicos que estão presentes em todos são o Optimus Prime e o Bumblebee, que ganhou esse filme solo.

Bumblebee e Charlie

O Spin-off veio para dar uma pequena repaginada no Bumblebee, que com Michael Bay, tinha uma postura mais imponente em relação aos desafios. Esse filme é sobre seu primeiro contato com a Terra e os efeitos causados por isso. 

O robô cria rapidamente um laço com a co-protagonista, Charlie, exatamente pelo fato dos dois terem seus mundos arrancados de si e serem forçados a seguir com a vida.

Vale a pena assistir?

Fica claro a diferença de abordagem proposta entre Michael e Travis. Se os primeiros filmes buscam um tom mais obscuro na composição, aqui vemos algo mais iluminado e leve.

O ponto alto desse longa, imageticamente falando, é conseguirmos acompanhar sem esforço as coreografias de luta, pois além do CGI ser aceitável, a luz é bem inserida.

O Roteiro é bem feito, criando alguns momentos emocionais e empoderando inteligentemente a protagonista. Há um furo ou outro, como a explicação para a tecnologia dos Decepticons, que conseguem captar um sinal à galáxias de distância, mas quando estão no Planeta Terra, têm dificuldades para localizar um robô no mesmo país. Alguns personagens são extremamente caricatos, como o interpretado por John Cena,  mas não atrapalham a narrativa.

É uma nova versão dos Transformers com história justa. Então, vale a pena assistir, sim!

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O Roteiro

Já conversamos sobre as responsabilidades de um Roteirista com seu Roteiro, no texto “O que faz um Roteirista Cinematográfico?”. Recapitulando em resumo o que foi dito lá, o Roteiro é peça fundamental para a criação e condução da narrativa proposta, pois é nele que as principais ações estão descritas para que a Produção trabalhe claramente com todas as funções estabelecidas para alcançar o objetivo maior, entregar o produto Audiovisual.

Um Roteiro tem conjuntos estruturais, que em harmonia, confeccionam bons projetos na tela. Na maioria dos conjuntos, temos a Sequência Lógico Narrativa, ela consiste no raciocínio histórico estabelecido, com isso, os fatos estão envolvidos numa cadeia de ramificações que evolui na presença de ações passadas, presentes e futuras. Os elementos dessa estrutura tem funções diversas e a seguir vamos falar sobre os três mais usados, são eles os Atos, Plot Twists e Pontos de Virada.

3 Atos 

Você já deve ter lido histórias em livros e jornais que apresentaram início, meio e fim. Assim como nestas histórias, os filmes também carregam as três partes, porém são chamadas de Atos.

Os Atos são responsáveis pela divisão dos blocos e suas funções, São 3 que ficam configurados assim: 

O primeiro portando a iniciação do mundo proposto, nele temos acesso ao protagonista e as limitações da realidade em que vive. O primeiro Ato é conhecido como apresentação do mundo comum. 

O segundo mostra o personagem principal atendendo a um chamado de aventura e entrando no mundo extraordinário, saindo da comodidade do Ato anterior e enfrentando desafios e inimigos, forçando amadurecimento nos campos que precisa. 

O terceiro traz a resolução da história, geralmente fazendo com que o protagonista entenda seu potencial e lugar de direito, retornando assim, mais evoluído para o mundo ordinário apresentado no primeiro Ato, que agora é visto com outros olhos.

Plot Twists

São pequenas engrenagens utilizadas para que a trama continue interessante até o fim. Um Plot Twist (Virada da Trama) tem a função maior de surpreender o público com o objetivo de gerar empatia. A utilização ocorre quando a narrativa segue uma direção única dos fatos e precisa de eventos que causem reviravoltas para encorpar a obra. Não há quantidade limite para inserir Plot Twists.

Pontos de Virada

Diferente dos Plot Twists, os Pontos de Virada tem um limite para aparecer no Roteiro. Eles acontecem duas vezes, marcando as transições do primeiro para o segundo Ato e do segundo para o terceiro Ato.

Sua função é exatamente marcar as mudanças das fases da história, sendo extremamente importante para situar o início, meio e fim. No Roteiro Clássico, o primeiro Ponto de Virada acontece no momento em que o chamado da aventura é aceito, o segundo o último Ponto de Virada se concretiza quando o herói perde quase tudo e parte para a reconstrução.

Colocando em prática

Entender as partes técnicas do Cinema é importante não só para quem produz, mas também para quem aprecia as obras. Quando entendemos os processos, fica melhor avaliarmos os conteúdos que assistimos, então fique de olho no nosso Portal, com o intuito de sempre aprender mais sobre a Sétima Arte!  

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Breve introdução na história

Em uma pequena cidade, o desaparecimento de crianças se torna recorrente. Enquanto isso, uma família passa dificuldades de relacionamento, por algo ocorrido num passado não muito distante.

Greg Harper (Jon Tenney), policial experiente que se depara com problemas familiares e é convocado para o caso que assola a cidade, onde crianças estão sumindo em grande escala, configurando assim, crime serial.

Ao mesmo tempo, coisas estranhas acontecem na casa de Harper e sua família, composta por Jackie (Helen Hunt) e Connor (Judah Lewis), eles têm que descobrir o motivo, correndo riscos psicológicos e físicos.

Suspense ou Terror?

À espreita do mal tem um grande problema de Roteiro logo no início, quando não deixa claro seu objetivo de gênero. A ideia de abordar crimes em série é interessante, porque entra na dinâmica de filmes policiais, mas a produção fica trabalhando demasiadamente em técnicas típicas dos terrores clichês (Jumpscares e trilha não diegética sem nada acontecendo), deixando o espectador confuso sobre a proposta, pelo menos até o início do segundo ato.

Ritmo

O filme apresenta grandes irregularidades quanto ao enredo e o que é construído visualmente. Enquanto acompanhamos a trajetória da família principal no primeiro ato, eventos estranhos assolam sua casa, até aí tudo bem, isso é uma prática comum e funcional nos suspenses, mas quando acontecem de forma exagerada e no mesmo formato em cenas seguidas, sem a intenção de evoluir a narrativa, se torna desagradável.

Depois da repetição excessiva no primeiro ato, temos os segundo e terceiro atos que deixam claros a experiência que o espectador terá até o fim do longa, já que são dadas explicações verbais pontuais. Alguns Plot Twists são legais, mas poderiam ter mais profundidade quanto ao motivo de acontecerem, para não soar como escape gratuito.

Roteiro e Produção

“À espreita do mal“ tem muitos problemas relacionados ao desenvolvimento de enredo e isso acaba custando caro para filmes de Suspense. Não há grandes atores/atrizes e os personagens não cativam a ponto de torcermos pelo seu bem ou mal. 

O segundo ato do longa-metragem chega a trazer uma esperança de engrenagem da produção, mas na reviravolta para o terceiro ato, tudo vai por água abaixo, quando conveniências passam a servir de muletas para o Roteiro. 

Durante o filme nos deparamos com um conceito interessante, denominado Phrogging (invasão de residências). Phrogging é uma ação feita por criminosos que “pulam” de casa em casa no modo furtivo, se valendo de suas habilidades para praticar sequestros e roubar itens, a fim de obter ganhos sobre as vítimas. Essa ação é muito comum em lugares de subúrbio e condomínios.

Vale a pena assistir?

Infelizmente este não é o filme que eu indicaria quando alguém quisesse algo de Suspense para assistir. Ele tem problemáticas que nos fazem perder o interesse pela história, logo nos minutos iniciais, quando ficam martelando na dinâmica frágil da repetição de elementos que mais pra frente, percebemos não serem conexos com a linha de raciocínio daquele universo.

São poucas as situações que quebram expectativas, fator que deixa o suspense monótono e sem a sensação de perigo iminente. O último ponto de virada é decepcionante e a utilização de figurino sem sentido claro, frustra de vez a esperança alimentada no segundo ato. 

O post À espreita do mal – Dir. Adam Randall [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

O conteúdo do filme

Longa-metragem dirigido e escrito por Ody Fraga, que trabalhou bastante com novelas e ficou mais inserido no meio das pornochanchadas.

O filme traz o passo-a-passo da linha de pornochanchada. Temos um roteiro raso no que diz respeito a imprimir uma história engajada, a direção de arte bem fomentada com decoração e figurinos explorados ao máximo, trilha sonora acompanhando os acontecimentos, acentuada principalmente nas cenas envolvendo teor sexual e abordagem de temas polêmicos.

Esse filme é da década de 1980 e fala da mulher na posse de seu corpo e liberdade em meio a uma sociedade machista. Três amigas são as personagens centrais e cada uma vive seus dilemas, são abordadas coisas do tipo, perder virgindade, ter medo de homens, posição de poder, prostituição e fantasias sexuais.

A Pornochanchada

A pornochanchada em sua maioria produzida, é voltada ao público masculino e às vezes beira a um machismo excessivo. “O sexo nosso de cada dia” reflete isso em toda a sua extensão, o tempo inteiro as mulheres são retratadas como objeto, apesar de haver situações onde elas estão no comando de escolher quando vão transar.

Tem uma personagem das três, no final do filme que é extremamente violada, ela tem medo de homens, não é adepta de sexo anal e é praticamente ignorada quanto suas vontades, o roteiro não tem pudor para a situação dela e nas cenas da suruba ela tá morrendo de prazeres, como se sua consciência não estivesse mais ali.

Vale a pena assistir?

Como citei no início da crítica, “O sexo nosso de cada dia” traz a linha completa do que uma pornochanchada deve obter. Para um longa do gênero, eu achei sincero. Não vou dizer que indico para todo mundo, por motivos óbvios, é um filme que apesar de beirar à tosquice, tem que saber digerir criticamente. 

O post Entendendo a Pornochanchada com o filme “O sexo nosso de cada dia”, lançado em 1981 apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história

Clóvis (Marcus Majella) tem infância e adolescência problemática, sem se fixar em um lar familiar. O tempo passa, e quando vira adulto, encontra sua vocação em aplicar golpes (Vendas de artes falsas, furto de dinheiro em conta, não pagamento de despesas, etc.) nas pessoas para se sustentar. 

Após um dos golpes dar errado, ele acaba se deparando, no meio de sua fuga, com a irmã Lohane (Samantha Schmütz). Os dois portam muitas diferenças e tem que se virar para escapar das enrascadas em que se encontram.

A estrutura do filme

Seguindo a Narrativa Clássica, acompanhamos os protagonistas Clóvis e Lohane em um conjunto de cenas cômicas. O Roteiro foca no humor brasileiro, principalmente em se tratando de rir da própria situação. 

O Rio de Janeiro é palco da história, como ocorre na maioria das produções nacionais de destaque. A trilha sonora é interessante, trazendo nomes que vão de Raul Seixas até Anitta, sendo assim, um complemento ao ritmo da narrativa.

A Direção de Arte é bem ativa, dando aos cenários e figurinos, a vivacidade que estamos acostumados a assistir, focando num visual bem litorâneo do Brasil.

Vale a pena assistir?

“Os salafrários” consegue tirar alguns risos, peca muitas vezes no ritmo da história e tem problemas de emoção no Voice Off (o bom é que ele aparece mais no início e depois deixa as cenas funcionarem por si). Apesar de ser um besteirol, falta um pouco de ousadia na ora de elaborar as cenas.

O longa-metragem aborda temáticas relevantes como a corrupção envolvendo políticos e pessoas que aplicam golpes em outras. Infelizmente estamos familiarizados com essas questões, mas o filme traz de forma leve.

Valer a pena ver… até vale, porém, com algumas ressalvas. Tem momentos para você se divertir, então, se estiver em um dia bem ocioso, e quiser rir um pouco das irregularidades feitas por pessoas de má fé no território nacional, essa é a indicação! 

O post Os salafrários – Dir. Pedro Antônio [Sessão crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história do filme

Katie Mitchell (Abbi Jacobson) é a filha mais velha de uma família nada convencional. Ela vive tendo discussões com seu pai, Rick Mitchell (Danny McBride), acerca da aprovação entre pai e filha. 

Katie é aprovada na faculdade de cinema que mais queria, então faz todos os preparativos para viajar até a mesma, incluindo a compra da passagem de avião. Rick, vendo a necessidade de melhorar sua relação com a filha, cancela a viagem de avião da Katie e a convence ir de carro com toda a família até a faculdade.

No caminho eles se deparam com robôs que criaram consciência vingativa contra a humanidade. Katie, Rick e o restante da família são forçados a se unir e combater a revolta.

A estrutura do filme

Trabalhando em cima do Design de sucesso utilizado em “Homem-Aranha no Aranhaverso”, “A família Mitchell e a revolta das máquinas” investe no 3D com um tom pasteurizado. Os personagens são muito expressivos e caracterizados, os cenários são vivos em cores. A trilha sonora tem na base as batidas eletrônicas. O Roteiro segue a Narrativa Clássica, focando na linearidade dos acontecimentos.

Discursos do filme

Mantendo coesão do início ao fim, o filme consegue abordar temáticas variadas da forma mais direta possível. Conseguimos sentir os conflitos entre Katie e Rick, assim criando intimidade com a história.

A Pandemia do Coronavírus se tornou grande ameaça e trouxe mudanças no estilo de vida aos grupos familiares. A vida digital se intensificou, e se antes as pessoas já usam aparelhos digitais para internet e afins, agora viramos praticamente reféns da internet para executarmos as necessidades da vida pessoal e profissional. Então, “A família Mitchell e a revolta das máquinas” retrata a relação que estabelecemos com as tecnologias nos últimos tempos.

Não podemos deixar de comentar que a Pandemia tirou entes de muitas famílias e nos deixou bem preocupados com pessoas próximas. O filme não cita a Pandemia diretamente, mas coloca como assunto secundário, valorizando a importância de quem está sempre ao nosso lado, mesmo que enfrentando suas lutas pessoais. 

Vale a pena assistir?

É uma animação emocionante e carismática, portando alto teor de qualidade que vai desde o Roteiro até o visual na tela. Está lotado de referências à Cultura Pop (Principalmente dos anos 80) e com certeza é um filme feito para assistir com a família toda. Vale muito a pena!

O post A família Mitchell e a revolta das máquinas – Dir.Michael Rianda [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

– Glauber Rocha –

Filme feito em 1959 com direção de Glauber Rocha, a obra iniciou sua carreira promissora.

Sobre o filme

O curta tem 12 minutos e nesse tempo demonstra grande desenvoltura técnica. Há momentos que lembra antes que de passageiro, uma abordagem de Mário Peixoto em “Limite”. Apresenta produção leve quanto à gastos e explora a montagem intensa através de planos detalhe e closes.

“Pátio” tem uma ideia complexa que deixa o espectador pensando como aquilo pode se encaixar em sua interpretação, essa é uma característica muito forte nos experimentais, citei “Limite” no início como possível inspiração, porque  apesar deste ainda ter um mínimo de enredo, mexe com o interior, brinca com as emoções, talvez eu seja arrogante de compará-los, mas a minha experiência juntou as semelhanças.

O interessante é que Glauber, durante sua carreira, vai deixar esse tipo de filme à margem de seu repertório, claro, abusando de alguns elementos, mas com foco em algo mais politizado. “Pátio” não é o tipo de filme que a massa digere com facilidade, ele incomoda bastante, transmite mensagens simultâneas, o casal que perambula entre o chão xadrez, os sapatos estáticos, a vegetação que rodeia o cenário, as expressões nos rostos, isso tudo no campo visual. Esse conjunto acoplado a uma trilha sonora angustiante, cria um incômodo mental, atiça suposições e automaticamente você se pega ligando a obra com sua realidade ou estudo sobre psique.

Vale a pena assistir?

Antes desse curta, eu havia assistido alguns filmes de Glauber, todos representando seu rigor com a estética, os personagens principais vivendo a melancolia existencial, prova de que ele não abandonou os pilares do cinema experimental.

Toda a produção reflete seu lema “Uma câmera na mão e uma ideia na cabeça”, proposta bem executada do início ao fim, a realidade está aí, só segui-la que logo se encontra o que tem de ser mostrado. 

Achei um tanto quanto perspicaz, “Pátio” é de execução simples, porém, com abordagem complexa. A trilha sonora sensacional, seleção de enquadramentos pontuais e roteiro bem articulado. Então, sim! Vale a pena assistir!

O post Pátio – Dir. Glauber Rocha [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história

Desde pequeno, o francês Philippe Petit (Joseph Gordon-Levitt) tem contato com as performances circenses. Seu maior apreço se dá pelo equilibrismo em cordas e durante seu crescimento, se aperfeiçoa neste módulo.

Um dia, quando vai ao dentista consertar um estrago causado em uma de suas apresentações, Philippe se depara com uma manchete de jornal mostrando as Torres Gêmeas de Nova Iorque, quase prontas da obra que está em execução. O rapaz fica encantado com elas e quer fazer algo artístico inédito com elas.

Após convencer um conjunto de conhecidos, o protagonista coloca o seu maior plano em prática, atravessando vários desafios.

A estrutura do filme

O longa trabalha bem o seu Roteiro, principalmente a narração do protagonista enquanto os eventos acontecem. As informações não são passadas demasiadamente, ao mesmo tempo não faltam dados para que o espectador entenda as situações apresentadas.

O filme funciona no sistema de retratar algo factual e que já tem seu desfecho apresentado em outras mídias. Como o trabalho é em cima de algo que já aconteceu, é necessário trazer criatividade ao projeto, e “A travessia” trabalha muito a questão sonora, pensando ainda num visual fotográfico para inserir sensações no espectador.

Vale a pena assistir?

Esse filme é bom se você assistir sem expectativas de ver uma mega produção. Ele entrega uma história cheia de metáforas acerca dos artistas, quando desenvolvem seus projetos. Há o uso de CGI, que às vezes oscila, interferindo na organicidade da cena, mas como o foco não está na computadorização, dá pra relevar.

As atuações são boas, me surpreendi com o Joseph arriscando no Francês, mesmo não sendo seu idioma materno, trouxe intensidade nos diálogos, quando necessário. O restante do elenco foi bem dirigido.

O Roteiro não traz grandes pontos de virada, tudo acontece da forma mais fácil possível para o protagonista e isso prejudica um pouco da credibilidade na jornada dele e atrapalha até o espectador a ter mais empatia com o enredo.

É um filme biográfico e faz homenagem às Torres Gêmeas, então mesmo que não esteja 100% nos padrões de um bom filme, vale a pena assistir, porque se trata de um fato histórico.  

O post A travessia – Dir. Robert Zemeckis [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história

Enola é filha de uma família composta por mãe, pai falecido e dois irmãos mais velhos. A garota passou a ser educada única e exclusivamente por sua mãe, Eudoria Holmes (Helena Bonham Carter), já que seus irmãos Sherlock Holmes (Henry Cavill) e Mycroft Holmes (Sam Claflin) decidiram viver suas vidas na cidade grande.

Tendo sido educada através de livros, atividades físicas e ensinamentos maternos acerca do aprimoramento de várias habilidades, Enola se tornou uma garota forte e inteligente. 

Um dia, sem explicações, sua mãe desaparece, forçando o reencontro com seus irmãos. Aos 16 anos, sem a figura materna para lhe dar suporte, Enola fica sob a tutela do irmão mais velho, Mycroft, mas a falta de entendimento entre os dois, faz com que a adolescente fuja com o propósito de encontrar sua mãe. Na sua jornada, acaba interagindo com personagens notáveis, que a incentivarão mudar o rumo da política vigente da Inglaterra de 1880. 

A narrativa

Enola Holmes é um filme que busca um cuidado enorme na hora de encaixar a história da protagonista com o momento vivido pela Inglaterra no final do século 19. O Roteiro é sensível e cativa o espectador.

Apesar de não investir em muitas cenas de ação, as poucas que têm, conseguem injetar emoções significativas para nos deixar curiosos para a sequência dos fatos. Os personagens são bem postados, carregando fortes características.

Os três atos são diluídos de forma natural e sem pressa. Todas as questões abordadas são explicadas sem que haja ausência de algo.

A estrutura e objetivo do filme

Sherlock Holmes é um dos personagens mais admirados da cultura popular, suas aventuras são sempre lembradas como um marco das narrativas de enigma.

Eu particularmente sou adepto da expansão do universo de grandes nomes como esse. A Enola ter sua aventura retratada é extraordinário, pois ela não é só a irmã de um dos maiores detetives de todos os tempos, ela é uma mulher que crava o seu espaço em um meio fortemente machista.

O longa traz simbologias geniais para mostrar a situação da protagonista, a começar pelo seu nome, Enola, que de trás para frente, fica Alone, que no inglês significa sozinha e durante sua aventura, ela tem que por autossuficiência, lidar com todos os desafios no caminho.

Sherlock, nesse trabalho, se torna coadjuvante, mas de forma justa, pois aparece em momentos chave, para dar um mínimo de mentoria à irmã. A relação dos dois é cativante, porque eles são parecidos quanto ao dom de entender as pistas dos mistérios e estão sempre ligados pela emoção de achar respostas.

A independência da protagonista traz discussões hoje muito abordadas, como o feminismo, que aliás, é imposto da melhor forma possível. A mensagem é clara e a luta é real. 

Sem dúvidas, o filme incorpora um discurso bem estruturado e em suas duas horas de duração, não perde por nenhum segundo seu foco.  

Vale a pena assistir?

Trazendo elenco de peso e uma Direção maravilhosa, esse longa-metragem tem a receita do encantamento.

Millie Bobby Brown dispensa apresentação, consegue manter o carisma que a revelou para o mundo em “Stranger Things” e quando ela quebra a quarta parede é com uma sutileza incomum. O restante dos atores/atrizes estão sensacionais, importando verdade nos seus respectivos papéis.

Com certeza vale a pena assistir!

O post Enola Holmes – Dir. Harry Bradbeer [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco do enredo

Junior (Russell Brand), um jovem coelho, se vê atraído pelo mundo musical e sonha em tocar bateria profissionalmente. Sua família tem tradição milenar de ser o símbolo da Páscoa e entregar ovos de chocolate para as crianças em todo o mundo, e seu pai quer que ele siga o negócio da árvore genealógica. O filho discorda do desejo paterno e resolve fugir.

Sua viagem acaba em Hollywood, onde acidentalmente encontra Fred (James Marsden), um rapaz quase na casa dos 30 anos, que ainda mora com os pais, sendo taxado como irresponsável e acomodado pelos mesmos. 

Em busca de encontrarem seus destinos de vida, Junior e Fred embarcam em uma aventura para salvar seus futuros e a Páscoa.

A estrutura do filme

Com proposta de Live-action, o longa mistura elementos em 3D com pessoas e cenários reais. Junior é feito totalmente no computador, assim como os habitantes do local onde mora. Cada personagem tem suas características físicas únicas.

A trilha sonora investe no Rock Pop, que permeia toda a duração do longa, já que Junior tem ambição de tocar bateria. 

A fotografia busca enquadramentos que favoreçam as interações realizadas entre os co-protagonistas, de forma que não fique tão destoante o 3D com o ambiente palpável.

Vale a pena assistir?

“HOP” é uma história bem simples de Roteiro, inclusive não aprofundando em questões chave para uma elaboração melhor dos conflitos vividos pelos personagens. Isso não atrapalha muito a experiência de quem assiste. Outro ponto do Roteiro é que há momentos que lembram bastante produções que falam de Natal.

É claramente um entretenimento que tem como investimento base, a parte visual. Os efeitos 3D são bem feitos, pois não geram aquela sensação de desenho oco, sem peso. O ator James, manda bem ao interagir com os elementos “não reais”, ele deixa crível a situação que seu personagem está vivendo.

É um filme para ver com a família, principalmente com os filhos, pois tem um visual bacana e trabalha questões importantes para o desenvolvimento humano, como independência e responsabilidade.  

Portanto, vale a pena assistir! Viva o espírito da Páscoa! 

O post HOP – Rebelde sem Páscoa – Dir. Tim Hill [Sessão Crítica / Especial de Páscoa] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Dinâmica de construção

Por trás do ritmo e sequência imagética, há significados críticos na montagem. Fala do padrão de vida interiorano, reforçando estereótipos até certo ponto, sexistas, não vou ser hipócrita e dizer que outras obras não compartilham da mesma descrição em suas realizações, até porque o cinema com esse viés semidocumental está em funcionamento para representar o real travestido de ficção.

Os costumes são bem apresentados, quando vemos um jeito diferente de acender um cigarro, uma confecção de roupas, criar animais e por fim, se relacionar com a família.

Tenho apenas dois filmes de Humberto Mauro, para falar de sua direção. Assim como em “Ganga Bruta”, “A velha a fiar” é montada com esmero. A música dita as passagens de quadro com a marcação de tempo em cima do pedido.

Antes do início da cantiga, Humberto mostra as figuras que serão importantes para a compreensão do que está por vir, a música inicia e o espectador acompanha sem dificuldades os objetos citados. Chegou em um ponto onde comecei a cantar e ficar extasiado (vicia muito!).

Vale a pena assistir?

Ao meu ver a produção não parece ter sido complicada de executar, se comparada à montagem final. Poucos personagens, o ambiente procurado ajudou bastante, a utilização de objetos cenográficos ganhando vida, isso tudo colaborou para o resultado que foi alcançado.

A edição em cima da marcação musical, como citei anteriormente, ficou muito interessante e a sequência acelerada do final, para um filme de 1964, achei um tanto quanto arrojada.

Esse é o tipo de filme onde eu daria um 10 fácil, expressa uma parte brasileira importante em sua construção histórica e ver filmes assim me deixa animado em saber que nossa cultura pode ser eterna, depende de nós fazer ela atravessar os tempos!  

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Um pouco da história

Bart, recepcionista em um pequeno hotel, trabalha em horário fixo sem muita movimentação comercial, o que torna sua rotina tranquila para quem apresenta condições de interação social diferentes. 

Após trocar de turno com um colega de trabalho, um crime acontece no hotel e Bart se vê no meio de uma investigação, carregando consigo algo que pode solucionar o crime.

O protagonista

É importante falarmos sobre a condição do personagem principal, pois é o que vai ditar sua relação com os demais. 

Bart, como é citado durante o longa-metragem, é contemplante da Síndrome de Asperger, Transtorno de Neurodesenvolvimento. Esse transtorno faz com que a pessoa perceba o mundo e outros indivíduos de forma diferente, ressalto que não é uma doença, por tanto, não há cura. Os que carregam a condição, costumam ter um nível de inteligência elevado, apresentando um pouco de dificuldade quanto à interpretação do que é dito e a linguagem proposta em determinadas situações.

As referências

Durante o filme, nos deparamos com homenagens a outros títulos. O Diretor e Roteirista, Michael Cristofer parece ter um grande apreço pelo Mestre do Suspense, Hitchcock, pois seu roteiro em boa parte, faz alusão ao Psicose e Janela Indiscreta. Percebemos tal movimento, quando o protagonista observa tudo o que acontece de câmeras espalhadas pelos espaços e claro, na hora de realizar a montagem da cena do crime.

Ainda há outras obras que parecem ter emprestado um pouco de suas formas, como é o caso de Atividade Paranormal (2007) (Câmeras espalhas, possibilitando vermos praticamente tudo o que acontece) e O Abutre (2014) (O protagonista estando sempre no meio do caos).

Roteiro híbrido

Atualmente, devido às mudanças no cenário cinematográfico, é bem comum assistir obras que mesclam gêneros. Alguns casamentos são mais utilizados como Comédia e Romance, Drama e Suspense, Ação e Comédia… e por aí vai. Acontece que nem toda combinação dá certo, por atrapalhar o andamento dos conflitos iniciados.

Infelizmente a combinação entre Drama, Suspense e Romance não foi frutífera para “O Recepcionista”, que encontra dificuldades em seguir uma linha do Suspense que é interrompida pelo foco em excesso na condição social do protagonista e seu romance com Andrea.

A iniciativa de abordar um tema como Síndrome de Asperger é bom, porque é possível tocar mais pessoas sobre o assunto, já que estamos falando da Netflix, uma plataforma provida com milhões de usuários. Ter um protagonista nesta condição é interessante narrativamente falando, pois um recepcionista sempre está em contato com diversos tipos de pessoas e ilustrar as interações torna possível aparecer situações com boas dinâmicas.

A questão é que o filme é vendido como um forte suspense e entrega Drama romântico com suspense que não desperta grandes curiosidades. Chega um ponto em que o Roteiro abandona o crime (Fato extremamente divulgado nas campanhas publicitárias) e foca na paixão de Bart e a sensação de perigo desaparece quase por completo.

Michael ainda tenta ressuscitar o suspense do caso, trazendo o policial investigador em alguns momentos, assim como a mãe do protagonista, mas não consegue recuperar o clima, tornando a mistura híbrida um fracasso. 

Vale a pena assistir?

Infelizmente há mais pontos negativos do que positivos. Apesar de no elenco ter a belíssima Ana de Armas, sua presença não foi suficiente para mascarar a falta de continuidade nos conflitos inaugurados. 

Começa bem, montando o suspense e quando entra no segundo ato, já não entendemos as funções dos personagens, suas motivações e o pior, o vilão literalmente deixa de existir. Bart não enfrenta situações de provação, que comprovem a evolução do personagem ao fim do enredo. 

Confesso que “O Recepcionista” não está na minha lista prioritária de recomendações.

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Um pouco da história do filme

Um senhor de idade faz suas atividades cotidianas, mas sempre evitando entrar em um aposento que está com a porta fechada. Ele sempre para em frente a um cavalete e fica um tempo o observando.

Sua neta vem visitá-lo com certa regularidade e traz desenhos que ela faz pensando nele. Esses desenhos remetem a um passado que ele quer apagar. Um dia, a menina, por acidente, acaba entrando no quarto com a porta fechada e encontra um lindo quadro, aparentemente pintado por seu avô, que a pega no flagra e resgata os sentimentos positivos que aquela pintura lhe causou tempos atrás.  

A animação

Canvas não é inovador esteticamente falando, pois utiliza técnicas em 3D já estabelecidas no mercado. A mecânica da animação é padrão, trabalhando bem nos grandes olhos dos personagens. A ambientação é um pouco seca em cores e seres vivos, talvez para causar uma sensação da solidão, vivida pelo protagonista.   

A proposta é válida?

O curta-metragem é explicitamente uma referência à arte como alívio para nossa existência. O próprio nome, “Canvas”, significa “Tela de pintura”, e a tela acaba sendo um ponto chave na narrativa.

É mais um filme bonito para se ver sem muita pretensão, porque é bem simples tecnicamente, tanto no que diz respeito ao Roteiro, como na estética da imagem. Seus 9 minutos fazem com que ele valha a pena ser assistido. 

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Significado dos termos

Spin-off: Termo popularizado no meio empresarial que também acabou por ser adotado pelo meio do entretenimento. Baseia-se no lançamento de um produto ou negócio derivado de uma empresa ou produção existente.

Crossover: Produto formado por cruzamentos de ideias e contextos, afim de agregar e expandir a gama de possibilidades presentes em dois ou mais conteúdos.

Como são usados?

Em outros textos postados aqui no Portal da Tecnoveste, falamos sobre recursos fundamentais para a existência e continuidade do entretenimento audiovisual. Cada iniciativa tem seus motivos que variam entre publicidade, administrativo e desenvolvimento da arte trabalhada.

Os Spin-offs são considerados a forma mais popular de continuar contando sobre universos apresentados na história-chefe (ou origem). Em geral, estão relacionados com publicidade e administrativo, já que servem como pretexto para continuar lucrando com uma marca estabelecida. Consistem em utilizar personagens e ambientações da história original, inspirando na estrutura chefe, criando projetos com objetivo de duração extensa.

Os Crossovers tem a função de fazer o que chamamos de “Fan-service”, que é em síntese, entregar o que os fãs querem. Eles existem na medida que as histórias de dois ou mais filmes ou séries, se cruzam. É muito comum com produções envolvendo heróis. Diferente do Spin-off, essa abordagem tem duração de curto prazo, pois as interações giram em torno de 1 a 3 episódios (séries) ou poucos minutos (filmes), salvo excessões como os longas da Disney, por exemplo, que tem o Crossover do início ao fim da exibição. 

Receita do sucesso

Apesar de ter estudos acerca de público e receitas gordas, muitos projetos envolvendo Spin-offs e Crossovers não vingam. Acontece bastante da história-chefe fazer sucesso tremendo e isso empolga os Produtores Executivos, a ponto de encomendarem continuações ou fusão de ideias. 

A realidade é que poucos produtos conseguem avançar no mercado. Exemplos como Fear The Walking Dead (2015), Better Call Saul (2015), Legacies (2018) são os poucos que tiveram forças para continuar. Um grande exemplo de desastre é a série derivada de Friends, chamada Joey (2004), que pegou o personagem título, mas não passou de duas temporadas, sendo um desastre de crítica e audiência.

Com relação aos Crossovers, quem tem se saído bem no universo das séries é a Warner, detentora dos direitos de adaptação da DC Comics para TV. Ela tem promovido encontros positivos entre séries como Flash (2014), Arrow (2012) e Supergirl (2015). A Disney também não ficou para trás, porque investiu em peso nos filmes com os Vingadores (2012).

Conte para a gente seu Spin-off e Crossover favoritos nos comentários abaixo!

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Introdução

“O homem do Sputnik” faz referência ao programa de satélites soviéticos lançados no espaço. Feito a apresentação do objeto principal da trama, vamos discorrer sobre o filme. Um protagonista da roça tem seu galinheiro destruído por um satélite, que logo descobre ser parte do Projeto Sputnik, sabendo de sua procedência, Anastácio vê a oportunidade de ascender financeiramente e desfrutar do mundo fora do interior, sua mulher Cleci também atiça essa ambição, eles encontram um jornalista que os ajuda, em troca de furo jornalístico. Durante a história há a presença de personagens internacionais (Russos, Norte-americanos, franceses) atrás de seus interesses acerca do satélite.

A trama segue uma narrativa clássica e traz personagens característicos da chanchada, funciona muito bem. No início eu citei sobre a presença de Jô, mas praticamente todos os atores/atrizes estão deslumbrantes, suas atuações remetem a uma paródia e desapego que o gênero cobra. O único fator que não prejudica tanto, mas tira o espectador de sua imersão é a linguagem proferida nas falas, por exemplo, fica estranho ver Anastácio dizendo coisas teatralmente, quase formal, por todo aquele contexto onde vive.

Direção

Carlos Manga tem uma sensibilidade na hora de trazer diferentes realidades que quando realiza um filme desses, parece mais um documentário, você consegue identificar pessoas do seu cotidiano na caricatura dos personagens e é incrível comentar isso, pois estou escrevendo esse texto no século 21, quase 60 anos após o lançamento da obra. Na hora que tem as cenas de como os gringos enxergam o Brasil é espetacular, eu não fico ofendido, acho graça, porque é um estereótipo que temos deles estereotipando a gente.

Na construção fílmica, Manga abusa das técnicas estrangeiras no que se refere ao movimento de câmera, giros, aproximação, movimentos laterais e muito mais, essa dinâmica valoriza o que está sendo transmitido.

Ver “O homem do Sputnik” é uma aula de chanchada, saber da estrutura é primordial para conhecer a história do cinema brasileiro que infelizmente muitos não têm acesso. Dei boas risadas dessa obra que sobrevive ao tempo com críticas vivas e válidas até o dado momento.

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As culturas do Rio

Nelson Pereira dos Santos dirigiu esse filme de maneira abraçadora, quase em tom inteiramente documental, o título traz bem o que o filme quer passar, o diretor fixou tão bem a sua linguagem que podemos dizer onde ele quis chegar.

“Rio 40 Graus” tem como personagem e local principal a cidade do Rio de Janeiro, também denominada “Cidade Maravilhosa” desde 1904, o enredo é formado e guiado por subtramas onde a matriz é o modo como os miseráveis sobrevivem em meio a uma cidade tão bela.

Nelson explora muito bem as culturas de cada classe social, desde uma sutileza na fala até um conglomerado de atitudes, temos a presença de crianças forçadas a conseguir o sustento da família, vendendo amendoins, ricos desfrutando a beleza da praia e seus dilemas, políticos interessados no bem próprio, além de casais passando por difíceis situações de vida. A valorização cultural é latente no longa, pois há fortes ilustrações da paixão do povo brasileiro por futebol e samba carnavalesco.

A pobreza sempre está presente no país e damos quase automaticamente por ignorá-la, Nelson mostra esse fato de forma muito intensa, ele não precisou de uma mega produção e nem técnicas muito articuladas de câmera, focou em um Roteiro montado com muita inteligência e realidade.

Quando vemos um garoto tentando juntar dinheiro para a sua mãe, sendo atropelado e logo em seguida tem uma cena de pessoas se divertindo e aproveitando no samba, me causa uma sensação desgostosa, não pela dramaticidade, mas pelo fato de saber que isso está presente de forma massiva na minha realidade.

A festa que espanta os infortúnios

Somos um povo que brinca, repleto de fôlego, porém, quando a realidade aparece sob nosso nariz, temos uma tendência a ignorar, porque dói e é esse o ponto trabalhado por Nelson, que finaliza o longa com uma festa exaltando a felicidade brasileira e eu penso que essas mesmas pessoas, amanhã retornarão aos seus problemas cotidianos.

“Rio 40 graus” cumpre bem o seu papel. Fiquei chocado com o roteiro esplendoroso, vejo como uma grande referência, pois resgatou algo que eu estava procurando nos últimos filmes que tenho assistido, uma ficção que traga realidade densa, que force as pessoas a pensarem e analisarem seu meio.     

O post Rio 40 graus – Dir. Nelson Pereira dos Santos [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Breve resumo da história

O professor de Arqueologia, Henry Jones Junior (Harrison Ford), nos momentos em que não está lecionando, tem como hobbie, procurar e guardar relíquias espalhadas pelo mundo. Tendo seu auterego, o nome Indiana Jones, conhecido por realizar grandes buscas, é convidado a não deixar que um artefato religioso e com poderes místicos, caia nas mãos dos nazistas, que almejam dominar o mundo com as propriedades do objeto denominado,  “Arca Perdida”.

Criando Indiana Jones

George Lucas e Steven Spielberg tem amizade que vem de longa data e devido a isso, sempre conversaram sobre parcerias para futuros filmes. Acontece que os dois são amantes incontestáveis da mesclagem entre os gêneros de Ação e Aventura e Ficção Científica. George tinha acabado de fazer Star Wars (1977) e queria tirar outra ideia do papel, que envolvia um herói com características semelhantes às de James Bond. O nome inicial do personagem seria Indiana Smith.

Lucas levou sua proposta a Steven, que ficou muito animado em dirigir o projeto, com algumas ressalvas. Eles acordaram que o nome do protagonista, em vez de ser Indiana Smith, deveria ser Indiana Jones para gerar mais impacto, e assim perdurou.

O nome Indiana foi uma homenagem feita ao cachorro de George. Outras marcas registradas são o chapéu, a jaqueta de couro, a pistola e o chicote, que fazem parte da identificação visual do personagem, por onde ele passa.  

A estrutura do longa-metragem

O filme é considerado um clássico da década de 80, carregando um conjunto de convenções estabelecidas entre as produções de Ação e Aventura. Isso inclui personagens caricatos e enredo com previsibilidade exacerbada.

Trazendo roteiro clássico, nós acompanhamos Indiana Jones, que no meio de desafios e provações, está totalmente engajado na Jornada do Herói. Suas motivações são basicamente as mesmas do James Bond, que entra na aventura para sentir a adrenalina causada pela pulsão de quase morte. Não podemos deixar de falar sobre seu relacionamento amoroso com Marion (Karen Allen), que é explorado pelos inimigos, na forma de fraqueza, com a finalidade de causar a rendição de Jones.

Os efeitos visuais, atualmente se encontram datados, mas as tecnologias disponíveis à época foram bem utilizadas, inclusive tendo boa interação entre os atores e efeitos de computação. Lembrando que George e Spielberg têm a característica de valorizar e serem cuidadosos com os efeitos especiais de seus filmes, por tanto, esta parte não ficou a desejar.

Com certeza, a Direção de Arte é o ponto destaque, pelo fato de construir cenários maravilhosos e reforçar as situações apresentadas, através das vestimentas e objetos.

Vale a pena assistir?

Os clássicos sempre valem a pena assistir, principalmente se você quer entender sobre a evolução histórica da Sétima Arte. Claro que tem ressalvas, principalmente quanto ao conteúdo apresentado no roteiro.

Esse é um filme que claramente parou na época em que foi feito, e não falo apenas dos efeitos especiais. As histórias onde mulheres dependem dos homens para não serem vulneráveis, ficaram no passado. É interessante assistir o Indiana exalando virilidade, mas chega momentos que o exagero é demais. Há situações que a Marion claramente pode dar conta, mas o filme tira esse poder dela, e mesmo que isso faça parte dos Roteiros Clássicos, acaba atrapalhando a experiência de que assiste atualmente.

O longa é lembrado por cenas e trilha sonora marcantes, então continua tendo força quanto às memórias sensoriais criadas.

Por fim, vale a pena assistir, mesmo que abordando algumas questões, tenha parado na década de 80.     

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  Os filmes de Comédia Romântica sempre marcaram o cinema, trazendo grandes shows nas telas. Acontece que ao longo dos anos, as produções souberam explorar o que o gênero tem de melhor, entregando ao espectador, formas variadas de entreter. Aqui vamos falar sobre “Ressaca de amor” e suas características.

Um pouco da história

  Peter Bretter (Jason Segel) é um compositor musical que está em um relacionamento com sua namorada e atriz famosa, Sarah Marshall (Kristen Bell). Em meio a sua rotina diária, Peter fica surpreendido quando Sarah pede o fim do relacionamento. O protagonista tenta reverter a situação, mas a mulher não muda de ideia, assumindo interesse em outro homem. Ela vai embora.

   Com a ajuda de seu amigo, Peter tenta esquecer Sarah, se encontrando com várias mulheres, mas se vê frustrado em não conseguir o feito. Seu amigo indica uma alternativa, que depois de muita relutância, é aceita. Peter acaba por entrar na ideia de viajar para esquecer a ex e seu destino é o Havaí.

  Lá ele entra na aventura de recuperar sua autoestima e entender a reciprocidade do amor verdadeiro.

Estrutura fílmica

  Escrito pelo próprio Jason Segel, o filme segue a linha narrativa clássica onde o protagonista é posto à prova, após acontecer um evento inesperado (no caso desse longa, é o término com a Sarah). Essa linha não permite gerar grandes surpresas no espectador, mas chama a sua atenção para a história de Peter, que se torna interessante no decorrer do tempo.

  A Direção de Arte dá um show na ambientação tropical do Havaí, as imagens são tão confortáveis de assistir, que até esquecemos por alguns instantes, que houve filmagens em estúdio. Outro ponto do setor é como os objetos cênicos intensificam as características e momentos vividos dos personagens, como acontece com o Peter, que gosta do Drácula e usa uma camisa do Batman.

  No mais, tem a estrutura bem simples. A fotografia é padrão com planos americanos, gerais e alguns Detalhes. Não há nada de destaque na engenharia de som. Eles se valeram do básico e acertaram na escolha.

A ressaca de amor

  A produção toca em temas pertinentes sobre relacionamentos amorosos, de maneira lúdica e real. É destinada ao público que está passando por términos recentes e ao que ainda acredita na continuidade da relação.

  Mas o foco principal é transmitir a mensagem da autovalorização, porque um relacionamento em que o outro te anula, não é saudável. Muitas vezes é melhor dar um tempo ou acabar de fato e fazer algo para o bem próprio, como bem citado pelo filme, uma viagem de renovação.

  A ressaca você cura com o tempo, conhecendo novos rumos, novos amigos e novos amores!

Por

Juliano Ferreira

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– Dave Lizewski –

  Os filmes Teens de Ação entraram com tudo e dominaram a Cultura Pop. Aqui falaremos sobre Kick-Ass: Quebrando tudo, um dos títulos do gênero. Esse longa tem muitas referências importantes e vamos discorrer sobre elas.

Um pouco da história

  Dave Lizewski (Aaron Taylor-Johnson), um adolescente não muito popular na escola, é grande entusiasta de histórias em quadrinhos e junto de seus amigos, pergunta o por quê de ninguém nunca tentar ser um Super-herói na vida real?  Os amigos dizem motivos concretos que levam à conclusão de que nenhum ser humano é louco o suficiente para bancar essa.

  Querendo desafiar as normas estabelecidas, Dave opta por iniciar suas aventuras como justiceiro fantasiado e tem início bem duro em sua jornada, mas uma garota na escola, seu impulso por fazer o certo e outros heróis reais o levam em definitivo para a jornada de acabar com o crime local.

O filme

   Este é o primeiro de dois filmes da franquia Kick-Ass. Trabalhando em roteiro clássico, nós temos o desenvolvimento dos personagens de forma rápida e clara, deixando o enredo bem previsível, como ocorre na maioria dos Teens de Ação. Seu ponto forte está exatamente na forma clássica de contar a história: O herói está na zona de conforto, algo o chama para a aventura, ele recusa, logo aparece uma oportunidade para ele descobrir novos horizontes e amadurecer, aparece seu colóquio amoroso (motivação extra), aliados e inimigos, e por fim, somos apresentados a uma resolução da aventura.

  A Direção Geral tem trabalho interessante, em se tratando de dirigir o elenco, que não deixa a desejar. Os atores apresentam emoções e transmitem o ritmo da situação ao espectador.

  A Direção de Arte acompanha fielmente a proposta artística, explorando as vestimentas dos personagens sem perder a linha. Traz uma maquiagem bem tratada, por vezes remetendo a estética em um tom cartunesco, assim como ocorre também nos cenários que trazem cores acentuadas. 

  A Fotografia é interessante no que tange à imagem criada para o universo proposto, se valendo bastante de Slow-Motions (Câmera Lenta) para deixar mais em evidência o foco da ação. A coloração é voltada para um azul marinho, a exemplo de outras produções de ação, compartilhando a mesma época.

Referências no filme

  Kick-Ass junta tudo de clichê nos filmes de Ação e Aventura, principalmente aqueles que têm Super-heróis como protagonistas. Os figurinos lembram muito trajes usados, claro que de forma caricata, por heróis da Cultura Pop das histórias em quadrinhos. 

  Não bastando referências nas roupas, há relações que lembram muito a dinâmica de Batman e Robin. As entradas triunfais do gênero são mostradas em tom satírico.

Vale a pena assistir?

  É um filme que assume caráter irônico, recheado de piadas para maiores de idade. Ele brinca muito com a vontade que nos possui de fazer o bem sempre, claro que com um choque tremendo de realidade que limita esse nosso pensamento. Não tem nenhuma novidade narrativa e a Fotografia é atrativa, principalmente para quem se interessa por filmes de heróis com uma pitada de besteirol. Então sim, vale muito a pena!

  Caso já tenha assistido ao filme, deixe nos comentários abaixo a sua opinião sobre ele!  

Por

Juliano Ferreira

O post Kick-Ass: Quebrando tudo – Dir. Matthew Vaughn [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

– Soluço –

  As animações cinematográficas estão entre os nichos mais lucrativos da Sétima Arte, levando milhões de pessoas a acompanharem seus universos. Aqui abordaremos sobre um dos vários trabalhos produzidos pelo estúdio DreamWorks Animation, o longa “Como treinar o seu dragão”.

Um pouco da história

  Em uma ilha isolada de tudo e com tradições Vikings, Soluço, um garoto no meio da batalha entre humanos e dragões, quer provar, ao contrário do que outros imaginam, ser capaz de ir na linha de frente para o combate.

  No intuito de ajudar seu povo, ele prepara uma catapulta e lança uma corda que acerta o dragão que ele queria, o mesmo abre queda, sumindo de vista, e logo em seguida o garoto se depara com outro dragão que parte para atacá-lo. O líder dos Vikings enfrenta o animal e salva Soluço, que na sequência esbarra em uma tora que estraga boa parte da ilha. Ele tenta mencionar o Dragão abatido anteriormente, mas ninguém dá bola.

  Muito frustrado, Soluço vai procurar o dragão e sua busca se torna em um turbilhão de emoções, colocando os valores Vikings à prova e entendendo o seu lugar no mundo.

A animação

  Portando o selo de qualidade DreamWorks, “Como treinar o seu dragão” explora muito bem o impacto visual, utilizando como base do excelente trabalho, o modelo de animação 3D.

  Os Motions são bem introduzidos, tornando os personagens e suas emoções extremamente críveis. Vale ressaltar que é um filme de 2010, então pode ser que haja um desconforto ou outro, quando se trata dos avanços tecnológicos estabelecidos até o dado momento na sua leitura deste texto.

  A Direção de Arte tem um cuidado enorme na hora de construir a ambientação, que apesar de ser desenho, nos faz acreditar que realmente estamos em terras Vikings. As matas, o oceano, os dragões e a ilha são transformados de tal forma que encanta os olhares espectadores.

  A DreamWorks sempre carrega as marcas registradas de um de seus fundadores, o Steven Spielberg. São elas, a qualidade visual e sonora. Tudo impacta de forma encantadora, buscando uma fantasia controlada, trabalhando numa forma concreta de entendermos que aquela história faz parte de um complexo imaginário, e mesmo assim somos capazes de criar conexões em vários níveis sensoriais com ela.

Valores do filme

  “Como treinar o seu dragão” é um filme classificado na categoria infantil, com faixa etária recomendada de 10 anos. Apesar dessa classificação, ele toca em temas que são relevantes em diversas fases da vida e a muitos tipos de pessoas.

  Durante a história nos deparamos com discussões acerca de amadurecimento, de como lidar com o capacitismo e preconceitos de diversas linhas. O ponto central, com certeza, está na busca pela eliminação da intolerância, que está presente em vários momentos da vida em sociedade.

Vale a pena assistir?

  É um filme que carrega grande qualidade visual e sonora, trazendo divertimento e reflexões importantes. Algumas vezes apresenta alguns furos de Roteiro, principalmente em se tratando de informações mitológicas estabelecidas entre humanos e o dragão principal, que na virada do segundo para o terceiro ato são ignoradas, mas nada que atrapalhe sua interação com a trama.

  Vale muito a pena assistir, principalmente com seus familiares!

Por 

Juliano Ferreira

O post Como treinar o seu dragão – Dir. Chris Sanders e Dean DeBlois [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

A pesquisa como base

  O cinema não é a primeira arte a trabalhar com grandes representações da realidade e ficção. A pintura e a literatura em suas especificidades, já construíam ambientações e sensações de variados universos.

  A sétima arte é um conjunto de espelhos que reflete todas as expressões anteriores ao seu nascimento. Nela percebemos elementos de Arquitetura, Escultura, Pintura, Música, Literatura e Dança.

  Um forte traço herdado pelo mundo cinematográfico é o elemento de pesquisa, que é o carro-chefe para qualquer realização, seja ela artística ou não. Pesquisar é entender o formato que sua ideia vai adquirir, saber o rumo que o produto vai tomar e principalmente, concretizar ferramentas que serão utilizadas para a captação do público-alvo. Um dos objetos de pesquisa é o personagem que aparecerá na telona. 

Grandes personagens

  Construir personagens não é tarefa fácil, por isso realizamos o processo de pesquisa, que não será finalizado do dia para a noite. Grandes histórias demandam grandes personalidades.

  Desde o início da sétima arte, nos deparamos com a representação dos comportamentos humanos através de personalidades propriamente humanas ou criaturas com feições diversas das quais estamos acostumados a ver em nosso meio sociável. O importante aqui é começarmos a entender o ponto central dessas representações, pois elas criam vínculo direto com as nossas sensações para com a obra que está sendo projetada.

  Grandes personagens são aqueles que formam-se através de suas experiências vividas nos ambientes, introduzindo troca de valores, sejam eles morais ou materiais. Eles ou elas, ganham o peso de fazer escolhas e lutar pelo que recebem como verdades e isso convoca o fator humano, que consiste na tentativa, no fracasso, no sucesso, no erro, no acerto e entre outras nuances. 

Personagens na Cultura Pop

  Provavelmente você tem um personagem marcante, obtendo os valores que julga serem de extrema valia, quando se trata da sua visão de mundo. Todas as histórias que lemos ou assistimos, tratam de figuras postas à prova para combater seus desafios e isso se relaciona diretamente com nosso inconsciente.

  O ser humano é feito de desejos e realizações. As pulsões humanas aparecem de formas variadas, quem nunca sonhou em salvar alguém? ou servir de inspiração? ou até mesmo ter poderes que te levam aonde quiser? estas são algumas das vontades que temos.

  Então, grandes personagens como Peter Parker (Homem-aranha), Lucky Skywalker (Star Wars) e Princesa Diana (Mulher-Maravilha), acabam entrando em contato com nosso imaginário, porque eles carregam valores consigo e tiram aprendizado de suas jornadas.

  Quais são seus personagens favoritos nos filmes? Deixe nos comentários!

Por

Juliano Ferreira

O post A importância de grandes personagens no cinema! apareceu primeiro em Tecnoveste.

O resumo da história

  Um casal anfitrião dá uma festa de virada de ano em sua casa. Muitas pessoas são convidadas e cada uma tem suas peculiaridades. A festa se desenvolve e conflitos vão aparecendo à medida que o casal anfitrião interage com os convidados. Verdades são divididas entre reveladas e guardadas e definem o rumo que as resoluções vão tomar.

A comédia à brasileira

  A noite da virada é um longa-metragem que traz o gênero de comédia. A utilização de vários blocos históricos na trama, lembra o trabalho que fez o “Porta dos fundos” ficar famoso, se valendo de esquetes (peça de curta duração, em geral com teor cômico). Não bastando a inspiração, o elenco tem personalidades como Júlia Rabello e João Vicente de Castro, ambos integrantes do Porta. O tom, por vezes novelesco, não poderia deixar de fora personalidades globais (Contratados da Rede Globo), como Luana Piovani e Marcos Palmeira.

  Durante anos, desde o advento do rádio, as programações brasileiras investem na comédia como entretenimento lucrativo. A cultura nacional de rir da desgraça alheia torna esse cenário possível. Claro que as ideias para se fazer comédia tem fortes influências internacionais, um bom exemplo são as produções Norte-Americanas.

Os pontos do filme

  É um filme bem estruturado e quem quer apenas descansar assistindo a um entretenimento, é ótima indicação. Ele trata de questões que permeiam nosso cotidiano, abordando situações vivenciadas por personagens um tanto quanto caricatos. Não é um longa que tira muitas gargalhadas, mas é divertido.

  A produção consegue transpor a vibe do Ano Novo, falando sobre decisões e renovações e  lembrando que suas ações individuais e coletivas afetam você e outras pessoas em camadas diferentes. 

  Aproveitem o filme e o novo ano que chegou!

Por

Juliano Ferreira  

O post A noite da virada – Dir. Fábio Mendonça [Sessão Crítica / Especial de Ano Novo] apareceu primeiro em Tecnoveste.

O enredo

   Jesper (Jason Schwartzman), um jovem privilegiado e acomodado com sua vida fácil, se vê encurralado quando seu pai, homem com cargo importante na empresa entregadora de cartas, o envia para uma ilha isolada no mapa, a fim de forçar maturidade e responsabilidade por parte do seu filho.

  O protagonista faz uma longa viagem para a ilha e chegando lá, percebe que o povo é bem diferente do que está acostumado a ver em sua civilização. Dois grandes grupos familiares não se dão bem e brigam entre si durante séculos. 

  O pai do jovem viajante fez um combinado que se ele realizasse a entrega de 6.000 cartas naquela ilha até o dia do Natal, poderia retornar à sua vida de luxo. Jesper encontrou seu maior problema, quando percebeu que lá, ninguém mandava cartas, pois devido á guerra, todos se atacavam fisicamente e dispensavam os correios. 

  Jesper precisa de ajuda e recorre a Alva (Rashida Jones), uma professora que largou seu ofício para vender peixe e juntar dinheiro com o objetivo de sair da ilha e ter uma nova vida. Além dela ele fica sabendo através do mapa em seu escritório, que há uma área onde pode tentar conseguir alguém para escrever e receber cartas.

  Chegando ao ponto, ele dá de cara com um velho robusto, que após um chamado místico, pega a carta de um garoto do centro da ilha e quer dar um brinquedo para tirar a tristeza do menino. Os dois realizam a primeira entrega de carta e o protagonista fica extremamente animado, convencendo o velho a levar mais brinquedos às crianças, que agora estão sabendo do feito e querem ganhar seus presentes.  

  Jesper e o velho (Klaus) partem para a jornada de entregar presentes, dando outra cara ao comportamento dos locais, acompanhados de Alva, que volta ao seu ofício original de lecionar na sala de aula. Eles embarcam na aventura de suas vidas para saber suas vocações.

A animação

  Klaus é uma animação com abordagem híbrida, pois mescla estilo 3D com 2D. Os traços dos desenhos são bem delineados, ao ponto que as expressões das personagens ficam muito vivas, acentuando a humanidade presente nas mesmas. 

  As cores pasteurizadas são bem harmonizadas , trazendo um tom mais suave na abordagem. A ambientação é dinâmica com cenários vivos, trazendo a neve como como produto principal durante todo o longa. 

  A trilha sonora acompanha o ritmo do visual explorado, inserindo foleys que trazem sensações acerca da ambientação desenvolvida.

Vale a indicação?

   O filme é bem simples quando se quer entender o enredo e a mensagem que pretende passar. É uma narrativa voltada para quem gosta do espírito natalino, pois trata de personagens e eventos relacionados à ocasião.

  Ele entra para aquela lista dos fofos que em algum momento tiram lágrimas dos seus olhos, pelo fato de ter personagens interessantes e conflitos que estão próximos da nossa realidade.

  Então, sim! Vale a indicação! O roteiro é bom, a equipe técnica deu um show e estamos em época de festas… Nada mais justo do que captar o espírito do Natal!

Por 

Juliano Ferreira 

  .

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O enredo

  Carlitos, envolvido em perseguição por encrenca, acaba correndo pela cidade e em uma das ruas tem contato com uma florista e sua pequena banca de flores. Ela quer vender uma flor e nosso protagonista começa a interagir com a moça, ao passo que ele descobre a cegueira da mesma. Durante a conversa, um ricaço para seu carro de luxo em frente à banca e bate a porta do veículo, fazendo a moça achar que Carlitos foi embora. Percebendo o achismo da florista, ele vai embora de fato, sem corrigi-la e muito encantado por ela.

  O personagem principal vai refletir sobre a mulher, na beira de um rio, mas seu pensamento logo muda de foco, quando um homem bêbado está planejando suicídio por afogamento. Carlitos sem pensar muito, convence o rapaz a não concretizar tal ato, pois a vida tem bastante coisa pela frente. O homem acredita no protagonista e passa a considerá-lo como grande amigo, revelando sua posição social, se mostrando bem rico. 

  Os dois vão comemorar a vida na casa do milionário e em seguida numa danceteria chique. No dia seguinte o protagonista, saindo da casa do rico, vê a florista passando na calçada. Ele pega dinheiro com seu novo amigo e compra todas as flores dela, em seguida, a leva para casa.

   Um tempo passa, o rico fica sóbrio e não se lembra da amizade com Carlitos. O nosso protagonista fica sabendo que sua amada está doente e sem trabalhar e isto se torna um grande problema, pois o aluguel dela está atrasado. Carlitos vai em busca de conseguir dinheiro e entra nas suas aventuras absurdas.

A estrutura

  Participando da categoria de filmes mudos, Luzes da cidade explora bem a trilha sonora, com momentos cômicos onde personagens fazem discursos e suas palavras saem em formas de grunhidos. Há uma cena sensacional, onde tem a gag com um apito, que traz seu som para substituir o barulho de tosses e soluços.

  Os enquadramentos de câmera respeitam a convenção estabelecida pela época, priorizando planos gerais em boa parte do filme, com exceção de pouquíssimos planos fechados e detalhes. Tal padrão, reforça uma atuação voltada para a pantomima (poucas palavras e muito gestual corporal), que em planos gerais se torna importante para o entendimento do público acerca da situação vigente.

  A Direção de Arte busca ambientar a história em uma cidade grande fictícia de 1931, então mergulha em elementos como conjuntos de prédios, casas de milionários, moradias mais pobres, trânsito intenso de carros, etc.

Vale a pena assistir?

  Eu diria que se você é um/a cinéfilo/a apaixonado/a, esse é um dos títulos que deve entrar na sua lista, pois além de ter sido feito por nada mais, nada menos que Charlie Chaplin, apresenta qualidade técnica inigualável.

  É um filme que traz temas pertinentes, como deficiência visual, alcoolismo e amizades superficiais. O jeito como são abordados no longa, mostra como seu criador (Chaplin) era sensível em suas realizações.

  O filme todo é genial, mas a cereja do bolo está na última cena, que com certeza entra para o hall das mais emocionantes e bem montadas da história do cinema.

  Então, sim! Vale muito a pena assistir!

Por

Juliano Ferreira

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Histórias de Riverdale

  Inspirando seu título no nome de muitas cidades nos Estados Unidos, Riverdale (Vale do Rio, em tradução literal para o Português) foca em contar histórias de vários perfis familiares presentes regionalmente em cidades mais interioranas, que não sejam grandes como Nova Iorque, por exemplo.

  Durante as temporadas, acompanhamos as aventuras dos adolescentes que ao longo do percurso se tornam jovens-adultos, Jughead (Cole Sprouse), Betty (Lili Reinhart), Archie (KJ Apa), Verônica (Camila Mendes) e Cheryl (Madelaine Petsch). Cada um trazendo a sua essência, eles vivenciam conflitos que os levam aos limites de suas ações. 

  Jughead é descendente de uma gangue local, e apesar de ser tão agressivo quanto seus parentes, tem apreço pela escrita e jogos de estratégia.

  Betty, tendo em seus pais forte influência jornalística, é uma investigadora nata, que além de fomentar o jornal da escola, parte para a solução dos mistérios que assolam a cidade.

  Archie é o garoto popular da escola que apesar de não ter boas notas, se dá bem em qualquer atividade física e sempre está disposto a ajudar quem precisa.

  Verônica é filha de família extremamente rica, recém chegada na cidadezinha e raramente não cria atrito com seu pai, que sempre quer interferir na sua vida e na dos residentes locais.

  Cheryl é outra filha de família rica, além de ser obcecada por ter controle sobre tudo o que acontece nos ambientes em que habita.

  Cada temporada traz uma trama principal diferente. O nosso grupo de protagonistas sempre participa do início, desenvolvimento e resolução das histórias. As famílias e amigos deles também são inclusos nas situações, de maneira sólida.

O formato

  As séries têm vários tipos de formatos e aqui no Portal da Tecnoveste já exploramos o que consiste uma Sitcom. Agora veremos onde se enquadra Riverdale através de suas especificidades.

  Assim como uma Sitcom, Riverdale comporta número extenso de episódios por temporada, que varia entre 16 e 25 capítulos. A série trata questões que abarcam um conjunto de experiências e sensações vividas por adolescentes durante o desenvolvimento da idade. Mas as semelhanças param por aí. 

  Apesar de ser bem híbrida, podemos classificá-la por maioria de traços, como série Teen de Mistério. Esse tipo de programa consiste em basicamente acompanharmos a jornada de um grupo de jovens, que se ligam de alguma forma para solucionar casos. Em geral, são pessoas que lidam com questões bem maduras e pesadas para a sua idade, como assassinatos, roubos, empreendedorismo, entre outras. 

  Esse produto audiovisual tem roteiro bem focado no público alvo, então por questões de audiência, é raro o falecimento de personagens do quadro principal ou muito carismáticos.

  Os enredos principais são definidos por temporadas, assim seguimos a trama “A” do primeiro ao último capítulo. Durante o desenvolvimento do fio condutor central, temos contato com a trama “B”, que geralmente está atrelada a uma escolha pessoal de um dos principais e ela dura por um bom tempo. As tramas “C” e “D” iniciam e terminam em cada episódio, elas servem para darmos um tempo da trama “A” e envolvem situações com personagens secundários.

  Por se tratar da temática Mistério, séries como essa captam bastante elemento do movimento Procedural, que foca na utilização de carreiras como Policial, Médica e jurídica para solucionar os casos vigentes. 

  Programas Teens do perfil, também são responsáveis por criar tendências nos costumes e na moda, portanto, tem Direção de Arte impactante, trazendo figurinos sensacionais e objetos que serão desejo intenso dos espectadores. São inseridas músicas de sucesso recente. Não podemos esquecer da tradição do Casting que seleciona atores e atrizes “colírios”, pessoas com beleza sociocultural padrão.

Riverdale vale a pena?

  Se você quer uma série para espairecer a cabeça, Riverdale é uma ótima indicação. Cada temporada tem uma história que chama a sua atenção. Não tem orçamento tão extenso quanto outras por aí, então não crie expectativas com efeitos especiais ou elaborações de enredos muito complexos.

  Ela faz uma propaganda e entrega o que promete. Há momentos em que você ama ou odeia os personagens…mas é tudo parte do show! 

  Se você já assistiu Riverdale ou séries com perfil semelhante, deixe nos comentários a sua opinião!

Por

Juliano Ferreira  

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A história

  Após enfrentar valentões no reformatório juvenil ao qual se encontra, Adonis (Michael B. Jordan) chama a atenção de Mary Anne (Phylicia Rashād), que o procura e faz a proposta para ele morar com ela. Ainda desconfiado da mulher, recebe a informação sobre a existência do seu pai falecido, que por sinal se chamava Apollo Creed. O garoto aceita o convite.

  Anos se passam e Adonis está em emprego comum numa grande empresa de contabilidade, com possibilidade de subir de cargo. Dividindo seu tempo entre lutas de boxe noturnas e o trabalho cotidiano, ele decide que tem de focar no que gosta, assim entrando de cabeça no boxe.

  Na busca de descobrir quem foi seu pai, de fato, Creed encontra Rocky Balboa, que fica surpreso ao ver o filho de seu falecido amigo. Adonis tem muita vontade de competir nas grandes lutas e quer o Rocky como seu treinador, e após um tempo relutando, o mesmo aceita. Nesse período, Creed acha o amor em Bianca (Tessa Thompson), uma cantora.

  Com medo de viver na sombra do pai, Adonis e Rocky preferem deixar a sua identidade anônima enquanto se preparam para a luta arranjada com um lutador pertencente à mesma academia de treino. Ao fim do show, seu sobrenome é revelado, bem como a sua história pregressa e Adonis adquire um peso enorme no seu psicológico.

  Assim como o protagonista, Rocky tem de travar batalha pessoal para vencer seus rivais e dar novo sentido à vida. Eles embarcam nos desafios juntos!

O ringue da vida

  Muito antes de Creed: Nascido para lutar, foi lançado o filme Rocky: Um lutador, em 1976 . O Roteirista e idealizador da história, também creditado como protagonista, foi nada mais nada menos que Sylvester Stallone. Hoje nós o conhecemos como um dos maiores artistas de longas-metragem de ação, mas ele nem sempre viveu em alto patamar.

  Na época que começou a dar vida à história do filme, Stallone estava com dificuldades para achar emprego e isso o levou a passar fome, dormir no seu carro e não conseguir cuidar seu cachorro, ele vendeu o animal por não conseguir fornecer a assistência necessária, e com o valor recebido, investiu em transportes para tentar vender seu roteiro, que estava finalizado. 

  Era difícil conseguir fazer alguém comprar a sua ideia nos termos estabelecidos por ele. A história era boa e os Produtores se interessavam, mas Sylvester só venderia o Script, caso fosse acordado a sua participação como protagonista do longa e os realizadores não queriam um ator desconhecido, pois atrapalharia a divulgação do filme. Stallone chegou a receber propostas em torno de US$100.000,00 e recusou, por não aceitarem sua principal exigência.

  Já cansado de rodar com sua ótima história e ninguém aceitar seus termos, o cineasta caiu em frustração, até que num último esforço, apresentou sua ideia ao renomado Produtor de Hollywood, Robert Chartoff. O Produtor aceitou seus termos e ele estrelaria filme, porém, com o salário bem abaixo do mercado (US$ 30.000.00), dando como justificativa o não conhecimento do retorno em bilheteria, pelo fato do Sylvester ser anônimo ao grande público.

  No fim das contas, Rocky foi um sucesso de bilheteria e crítica! Stallone ganhou fama estrondosa e não esqueceu de seu velho amigo. Ele foi atrás do cachorro para pegá-lo de volta, mas o então dono quis negociar um valor, eles acertaram o que foi pedido e o Cineasta recuperou seu amigo. Dali em diante, Sylvester ascendeu exponencialmente no ramo cinematográfico, fazendo as sequências de Rocky e Rambo.

Qual a relação entre Stallone e o filme Creed?

  Após fazer o pequeno apanhado histórico acima, vamos entender o papel de Stallone em Creed. O roteiro que ele escreveu para o filme de 1976 é lembrado como um dos que mais seguem a Jornada do Herói, formatada pelo escritor Christopher Vogler. Os 12 passos da estrutura são explorados um por um.

  A receita que foi para a tela deu tão certo, que gerou vários filmes posteriores. Pela sua importância a nível mundial, Sylvester se tornou referência direta da franquia que perpassou gerações. Isso se deve não somente ao seu status como ator, mas também sua paternidade para com as obras. Sua luta pessoal fez com que criasse algo extremamente relevante.

  Desse modo, observamos em Creed, a sequência de uma ideologia com trabalhos iniciados em 1976. A linha da Jornada do Herói é praticamente a mesma no modo como o protagonista enfrenta seus desafios pela vida. Ele leva pancadas, mas as forças se regeneram e o tornam mais forte.

Falando do filme

  O ponto alto de Creed é visto pelo espetáculo da montagem feita com a câmera em parceria com a trilha sonora. Em se tratando de um longa feito 40 anos depois do primeiro da saga, é perceptível a utilização massiva da tecnologia fornecida no momento da realização. O elenco tem uma química sensacional e cria empatia descomunal com o espectador.

  Creed: Nascido para lutar é importante, pois trata de histórias palpáveis e personagens reais. O criador viveu sua luta e converteu isso em filme. Esse é um dos exemplos mais marcantes que comprovam a força do cinema na vida das pessoas!

Por

     Juliano Ferreira          

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A preparação de quem escreve

  A fase mais lembrada dos roteiros de cinema é aquela que envolve cenas e diálogos dos personagens espalhados entre as páginas que servem de guia durante as ações executadas no Set de Filmagem. Essa é uma pequena parcela dos recursos que são utilizados anteriormente para dar origem ao que observamos em tela posteriormente. Os recursos mais comuns são Logline, Storyline, Sinopse, Argumento e Escaleta.

Logline

  A grosso modo, ela é um resumo de uma ou duas linhas, sobre a ideia da história. Em geral, quando realizadores inscrevem filmes em festivais e programas para captação de recursos, esse elemento é fundamental no projeto que é enviado aos avaliadores, pois eles recebem inúmeros trabalhos para analisar e a Logline dá uma noção rápida sobre a ideia do produto.

Storyline

  Muitas vezes confundida com a Logline, a Storyline apresenta uma peculiaridade. Enquanto a Logline passa a ideia ou premissa em até duas linhas, a Storyline, além de fazer isso, traz o enredo dividido nos três atos tradicionais da convenção clássico-narrativa.

  Essa parte tem um formato com cinco a seis linhas para a sua função, onde as duas primeiras linhas são para resumir o começo (Primeiro Ato), as duas linhas centrais destinam-se ao resumo do desenvolvimento (Segundo Ato) e as linhas finais ficam responsáveis pela conclusão (Terceiro Ato).

  Lembrando que a Storyline serve mais para deixar claro os pontos de virada da história, então não apresenta tanta descrição quanto em outras etapas.

Sinopse

  Nesse momento, você vai escrever um resumo da sua obra. A versão  do enredo apresentada na Storyline, agora vai ser um pouco mais desenvolvida. O passo da sinopse é importante principalmente para entrar em festivais, pois, assim como a Logline, também diz bastante do que você quer contar.

  Nela você coloca alguns elementos que julga importante outras pessoas saberem, como por exemplo, ações chaves que direcionam o caminho objetivado, mas sem desenvolvimento extenso.  

Argumento

  É o texto onde as descrições de personagens e situações devem estar bem colocadas. Depois do Script (Roteiro final), o Argumento é a parte mais longa do processo. A história é contada de forma integral, visando transmitir os mínimos detalhes.

  É comum os roteiristas inserir falas e dar um panorama sobre objetos e ambientação. Uma característica marcante da etapa, é a escrita se fazer no modo “presente” o tempo todo, dando a sensação que o enredo acontece no agora, mesmo que trate de ocasiões passadas ou futuras. Ex.: Juliano anda na calçada e vê Maria pela vitrine da loja de roupas. 

Escaleta

  É basicamente o Argumento dividido em cenas, já buscando a preparação para iniciar o Roteiro Final. As cenas são introduzidas de forma sequencial e geralmente em posição vertical. Não é usual, mas há roteiristas que colocam falas dos personagens nessa fase, com o intuito de buscar algo mais concreto no próximo passo.

O Roteiro (Script)

  Chegamos a parte dita como derradeira. O Roteiro é o conjunto da obra e agora vamos para a parte mais técnica, porque com a história concretizada, o filme pode ser produzido com as demandas necessárias. ,

Storyboard

Uma ferramenta mais usada por diretores, vários roteiristas se valem do Storyboard para desenhar em pequenos quadrose ter  noção espacial do que vai ser enquadrado pela câmera nas cenas.

Artifícios do Roteirista

  Cada roteirista tem seus métodos de trabalho e por isso, quando estão produzindo seu projeto, tem o costume de variar a ordem das etapas assinaladas acima. Muitas vezes eliminam alguns processos, mas todos eles tem o objetivo de entregar a história de um filme. 

  Escrever é um trabalho árduo e demanda muito estudo e dedicação. Você pode escrever de forma não convencional, mas assim como um bom roteirista, ter empenho leva pessoas à lugares que transcendem a realidade e a ficção.

Por

Juliano Ferreira 

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O que significa a palavra Sitcom?

  Originária do inglês Situation Comedy (Comédia de situação), a palavra funciona como um explicativo, já que a expressão na língua de origem, remete a situações vividas por personagens nas histórias contadas.

Como funciona uma Sitcom?

  Esse formato tem pioneirismo em 1946, com uma série Britânica chamada “Pinwright’s Progress”. Ela teve apenas uma temporada, mas ditou regras que suas sucessoras utilizariam a risca até os dias atuais.

  Em geral as Sitcoms são feitas dentro de um estúdio fechado, com as ações dos personagens ocorrendo dentro de um espaço delimitado, nomeado palco. Os produtores podem escolher o número de câmeras que vão captar o enredo e essa quantidade pode ser de uma a três, isso é selecionado de acordo com a estética requerida. 

  Elas apresentam o costume de serem gravadas em espaço portando layout parecido com o de um teatro, pois além do palco, são montadas fileiras para suportar a plateia que irá reagir ao contexto estabelecido. A partir da década de 1960, a plateia passou a ser substituída em algumas produções por um equipamento que promove a “Trilha de Risadas”. Esse dispositivo é repleto de botões que desempenham tarefas como risadas e palmas automáticas.

  Tendo como carro-chefe a comédia no gênero, realizações desse perfil recorrem a uma construção de roteiro em padrão específico. Nele temos um grupo de personagens, sejam eles uma família, grupo de amigos, e por aí vai. A cada episódio das temporadas, esses núcleos estarão sujeitos a diversas situações que os afetarão direta ou indiretamente.

  Dentre as tramas que encontramos nos episódios, podemos identificar três tipos que são bem demarcadas nos scripts, vamos chamá-las de A, B e C. 

  A trama “A” é a principal, (acontece bastante dos capítulos terem um nome que nos ligue a essa situação), ela tem um tempo de tela maior, chegando até o fim do episódio e sempre busca reunir dois ou mais dos personagens principais para experienciá-la. A trama B, carinhosamente levando a alcunha de “plot Secundário”, tem o hábito de trazer uma mini – narrativa para que o espectador dê uma “descansada” da trama “A” , ela tem uma duração menor e a resolução mais simples. A trama “C” vai servir de apoio tanto para a “A”, quanto para a “B”, tem como característica forte usar personagens que são alívio cômico (mais engraçados que o restante). Em algum momento eles vão interagir com as histórias principais.

  Essas tramas tem seu início e resolução dentro do tempo pedido pelo formato, que gira em torno de 20 a 30 minutos. Sua estrutura é adaptada para ter intervalos comerciais. O  estilo apresenta uma linguagem clara para um público mais “familiar”, sem palavrões e ofensas escancaradas, claro que em alguns casos o tipo de humor é alterado dependendo do público alvo.

O sucesso das Sitcoms 

  A programação de televisão tende a ser muito severa quanto à oportunidade de retorno dos shows. Uma cultura comum nesse meio é a exibição do que chamamos de “Episódio Piloto”, que consiste na amostragem do primeiro capítulo na emissora. Caso a audiência receba a demonstração do produto de forma numerosa, o canal investe na sequência, encomendando a feitura das temporadas com aquele conteúdo. 

  Poucas séries passam nesse teste, mas as que têm sucesso marcam gerações. Dentre os exemplos temos “Um maluco no pedaço”, “Friends” e “Drake & Josh”. Há casos que os fãs se conectam tanto com a ideia em tela, que viajam para conhecer os locais mencionados no programa, como aconteceu em “Full House” (Três é demais), onde as locações para o set se transformaram em fortes pontos turísticos.

  E você? tem alguma Sitcom que te marcou? Deixe nos comentários!

Por

Juliano Ferreira

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História e estrutura

  Inspirado nos eventos antirracistas e antifascistas que ganharam forte volume no decorrer da pandemia, “Do outro lado” traz a história focada em estudantes que estão participando de uma disciplina optativa. Nós acompanhamos uma reunião cotidiana, até que um deles, ao compartilhar sua tela no aplicativo em vigência, acaba mostrando sua participação em grupos extremistas e isso gera um contexto de grande discussão no grupo.

  O curta-metragem apresenta um enredo não muito complexo, mas que tem a capacidade de abordar temas bem atuais, introduzindo personagens com características diferentes entre sí. Esse conjunto forma uma estrutura sólida no fato de se contar a história central. Poucos momentos nos deparamos com subtramas, porém, quando acontecem, quebram a expectativa de quem assiste, deixando a experiência atrativa.

  Apesar do formato visual flertar bastante com o gênero “Terror Cibernético”, adotado e viralizado no longa “Amizade Desfeita (2014)”, onde acompanhamos todas as situações através da tela de um dispositivo eletrônico (computador, celular, etc), o filme “Do outro lado” não se enquadra nesse tipo de terror. Seus traços são mais voltados a uma mesclagem de Terror psicológico (representando um contexto social de perseguição) com suspense e drama.

  É interessante a disposição em grade das telas dos usuários no aplicativo Zoom. A quebra da quarta parede se torna algo comum, já que nas reuniões desse tipo as pessoas, por vezes, miram no “olho” da câmera e isso acaba gerando empatia, quando necessário.

Impressões

  “Do outro lado” é um curta-metragem certo para o momento certo. É uma produção que em seus 13 minutos tem tom objetivo. O curto tempo de duração deixa o espectador esperando por mais situações envolvendo aqueles personagens.

  A co-Direção realizada por André e Andy (que também encarna um dos personagens) tem seu ponto alto com os atores que conseguem atuar da forma mais natural possível e entregar o fervor das cenas. 

  A edição e montagem feita pela Ieda Lagos é muito importante e logo no início escutamos recortes de notícias sobre os protestos foco da trama, tal como são anunciadas pelas emissoras conhecidas. Esses elementos já delimitam nos primeiros segundos, o peso e a direção que a narrativa irá tomar. Os inserts com as gravações da tela do whatsapp funcionam magistralmente.  

  No mais, é um filme que trata de tema sério e instala reflexões pertinentes acerca do que ocorre em vários lados da sociedade.   

Segue o link para assistir ao filme, disponível no Youtube: 

https://www.youtube.com/watch?v=vHWOlFZj0Oo&t=11s

Por

Juliano Ferreira

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– Bruce Wayne –

  Após inúmeras adaptações para o cinema, o morcegão ganhou a versão de Nolan, que por sinal foi muito bem recebida devido às suas características marcantes. Aqui vamos falar sobre o legado deixado por essa produção ao futuro da Sétima Arte.

Construindo o Wayne

  Pelo pouco do que você tenha lido ou assistido sobre o personagem, deve ter notado que as histórias sobre o assassinato envolvendo os pais do mesmo, acabaram determinando seu destino para se tornar o Batman. No cinema esse acontecimento já havia sido noticiado pela versão do Batman (1989) de Tim Burton, com o Coringa sendo o assassino para criar um contexto mais dramático.

  Em Batman Begins (2005), Bruce se sente culpado pela morte dos pais, vivendo um misto de impotência e raiva que o domina pela infância, adolescência e início de vida adulta. Sua amiga Rachel (futuro colóquio amoroso) se preocupa com a sede de ódio que o domina e isso faz com que ela o repreenda. O rapaz, percebendo um egoísmo excessivo de sua parte e vendo a podridão existente no submundo de Gotham (sua cidade) decide partir em uma jornada com o objetivo de sair da sua bolha e entender qual a verdadeira face do mundo ao qual pertence e conhecer o seu verdadeiro “eu”, trabalhando a força do nome de sua família.

  Essa viagem é interessante do ponto de vista narrativo, pois temos nos primeiros minutos do filme, a existência de uma mini “Jornada do Herói”, ou melhor, “Jornada do Bruce” que prepara o terreno para quase na metade do longa, entrarmos na “Jornada do Batman”. Quando se coloca as duas caminhadas em ação, os ideais do personagem se tornam bem críveis e com isso, a história vai para um patamar muito forte de interação com o espectador.

  O objetivo do Diretor em criar um herói mais humano fica evidente quando somos apresentados aos títulos da trilogia, pois “Batman – O início” nos força a entender que veremos um movimento a partir de uma origem, e não estamos falando de uma introdução em cinco minutos para rapidamente ir à pancadaria. Nolan percebe a necessidade de formar o caráter do Bruce Wayne antes de se direcionar a justiça presente em Batman.

Eu sou o Batman

  Fundado o território Wayne em Batman Begins, vamos para mais duas sequências que marcaram o cinema, com sucesso de críticas e bilheteria. Agora o herói carrega a alcunha de “Cavaleiro das Trevas”.

  Ra’s Al Ghul chegou para mostrar que um bom herói não se faz sem um ótimo vilão. Como líder da “Liga das Sombras”, foi o responsável por fazer Bruce enxergar que a justiça nem sempre é justa, mas é o jeito correto para lutar contra o mau. 

  Após essa lição, Wayne viu o poder que tinha em mãos para combater o crime escancarado em Gotham. Muitos se viram calados e com medo, mas sentiram a presença de um símbolo que bate de frente com as irregularidades. Agora eles têm um protetor.

  No segundo filme da saga, Batman divide os holofotes com o que talvez seja seu maior algoz, Coringa! Não sabemos sua origem, mas instaurar o caos anárquico é a sua maior qualidade. Ao mesmo tempo em que o palhaço aparece, Harvey Dent (futuro Duas Caras) arca com o mundo político para limpar a criminalidade da cidade, infelizmente falhando em seu trabalho e se tornando o que combatia.

  Batman vê a potência do Coringa em puxar mentes boas ao seu planejamento e usa todos os seus artifícios para pará-lo, consegue, mas depois de um enorme estrago feito, inclusive perdendo sua amada, Rachel. Além de sua perda, foi obrigado a ver sua cidade o taxar como antagonista e isso foi o suficiente para deixar seu manto guardado por um longo tempo. 

  O longa-metragem derradeiro dessa trilogia se trata do renascimento pessoal de Bruce, pois perdeu mais uma das mulheres de sua vida e Gotham necessita o retorno do morcego, já que integrantes da “Liga das Sombras” (Talia Al Ghul e Bane) aparecem como grande ameaça.

  O ressurgimento do Batman é um tanto quanto conturbado, pelos fatores listados acima com o adicional de todos acreditarem ser ele o culpado pela morte do Harvey (o incorruptível na cabeça do povo). Recebendo apoio de velhos amigos (Lucius Fox, Jim Gordon e Alfred), do jovem policial Robin e da Selina Kyle (Mulher-Gato), ele bate de frente com os inimigos e deixa a cidade segura. 

  Batman com sua identidade agora revelada aos mais próximos, percebe que suas ações deixaram a cidade segura por um tempo e que está na hora de aposentar a fantasia, pois entregou o que Gotham precisava naquele momento, esperança e paz. Além de deixar a população em tranquilidade, Bruce encontrou um novo amor em Selina Kyle, passou seu legado ao Robin e concluiu sua jornada pessoal.

O legado da trilogia

  Depois de assistirmos as versões cartunescas do héroi no cinema, promovidas por Tim Burton e Joel Schumacher, que óbviamente tem seu valor, Nolan mostrou que trazer vários tipos de adaptações para uma mesma história base é algo sempre bem vindo.

  A trilogia iniciada em 2005 com fim em 2012, teve tempo de qualidade para inserir uma abordagem diferente e que interessasse aos públicos alvo. Ela dialoga com muitas faixas etárias e a seleção de Christopher para ficar a frente do projeto, foi providencial, porque ele tem características autorais marcantes e há quem odeie seus métodos ou ame. Ele é o tipo de Diretor que gosta de tudo bem explicado, então além de mostrar com a câmera, também quer explicar com falas. 

  Essa abordagem para os filmes do Cavaleiro das Trevas foi extremamente importante, pois quando você tem a intenção de fazer o seu público variado entender uma situação dita como complexa, estabelecer a combinação de linguagens torna o processo lúdico.

  Além da linguagem posta, o enredo presente (focando na construção humana antes do desenvolvimento do herói) serviu de carro chefe para muitas produções que vieram em sequência, como é o caso do filme “Watchmen (2009)”. 

  Até hoje, por muitos, é vista como uma das melhores trilogias de herói já feita.

Por

Juliano Ferreira     

O post O Batman de Christopher Nolan (2005) e a revolução nos filmes de heróis apareceu primeiro em Tecnoveste.

  A Tecnoveste em hipótese alguma poderia ignorar essa data e quem vos escreve, assistiu alguns títulos do terror e após seleção delicada, optou por fala do longa “A casa de cera”.

A história

  Um grupo de jovens, composto por dois irmãos e quatro amigos, partem com seus carros pela estrada com o intuito de assistir a um jogo de Futebol Americano. No trajeto eles optam por cortar caminho para otimizar tempo, mas o atalho está interditado e eles pegam uma saída que não conhecem. 

  O grupo acha uma área no meio do mato e acampam por lá, sendo amedrontados por uma caminhonete que aparece e vai embora sem motivos expressos. No dia seguinte, um dos veículos está com a correia do motor arrebentada e os jovens discutem para ver a melhor solução que envolva chegar ao estádio para assistir o jogo. 

  Eles se separam e um estranho oferece carona ao casal de namorados, alegando a existência de uma cidade a poucos quilômetros dali, após seu comportamento duvidoso, os jovens decidem seguir parte do trajeto sem sua ajuda, eles acabam encontrando a cidade que tem uma famosa casa de cera no centro. Após o encontro com pessoas de índole questionável, o grupo todo corre perigo e a única saída é lutar por suas vidas. 

A estrutura fílmica

  O filme, sem muitos rodeios já mostra a qual gênero pertence e claramente é apresentado como Terror, seguindo a vertente do subgênero Slasher. Este subgênero ficou muito famoso na década de 1970, com a chegada de longas-metragem, como “O massacre da serra elétrica”. As características mais comuns desse segmento são um orçamento baixíssimo, a existência de um assassino em série (Serial Killer) e de um grupo composto por pessoas que morrem e outras que confrontam o vilão. 

  Jaume traz Direção bem simples, ao ponto que seu elenco carrega traços caricatos ao máximo, com exceção do antagonista vivido por Brian Van Holt, que traz o equilíbrio entre um sujeito civilizado e um psicopata voraz. 

  A fotografia cumpre bem seu papel, buscando enquadramentos famosos do gênero, como a subjetiva trêmula(ponto de vista) do assassino e travelings lentos e mais fechados, que criam tensão no espectador. Os jumpscares aparecem de forma demasiada, depois de um tempo, isso faz com que seu poderio de susto não faça tanto efeito quanto nos primeiros.

  Os som é de qualidade, assim como os efeitos especiais, obviamente levando em conta o ano no qual a produção foi apresentada ao público, em 2005. Os assassinatos são bem desenvolvidos e criam bastante aflição.

Vale a pena assistir?

  A casa de cera é um longa que nas duas vezes que assisti, saí feliz com o resultado. É bem simples no seu objetivo, tendo como público alvo adolescentes e jovens adultos, pelos diálogos e reflexões propostas, mas aqueles amantes do bom de Terror com carnificina, também são bem vindos. Então, sim! Vale muito a pena!  

Por

      Juliano Ferreira      

O post [Sessão Crítica / Especial Halloween] A casa de cera (2005) – Dir. Jaume Collet-Serra apareceu primeiro em Tecnoveste.

A produção

  Vera Cruz tinha objetivos específicos e foi eficaz em atingir quase todos. “O Cangaceiro” é baseado na história de Lampião e seu bando, mas foca no romance de seu braço direito com a professora sequestrada em troca de conseguirem vantagem. O filme segue a narrativa clássica com três atos e pontos de virada bem demarcados, os personagens aparecem bem trabalhados e são fundamentais no desenrolar da história. O quarteto amoroso é uma forma de conseguir entreter o público alvo.

  Gostei muito da técnica, a fotografia sofisticada com planos gerais interessantes situam bem onde a história se passa, apesar das gravações terem sido feitas no interior de São Paulo, consigo ter a impressão que tudo se passa no Nordeste. As atuações convencem, porém, os traços europeus nos rostos bem esculpidos tiram a simplicidade de quem compõe o Cangaço, isso acaba prejudicando a veracidade da mensagem a ser transmitida.

  Quando falo que a Vera Cruz atingiu quase todos os objetivos, é que por um grande detalhe essa produção não alavancou outras do mesmo estilo. A produtora pensava alto, queria competir com os polos mundiais do cinema, dentre eles a famosa Hollywood que estava vivendo sua “Era de Ouro”,  onde estaria o problema? Bem, Hollywood estava crescendo dentro de uma potência mundial, Estados Unidos, onde o estilo de vida é totalmente diferente e a educação do público cinematográfico se adaptou às obras que lhes são passadas.

A realidade

  No Brasil, ainda país de “terceiro mundo” o quadro é bem diferente, povo sofrido, pobreza escandalosa com as pessoas sem acesso ao entretenimento, a produtora seleciona um público pequeno e esquece do restante que representa a maior parcela populacional, isso é a receita para algo sofisticado com foco no exterior não dar certo nacionalmente.

   No mais, o filme tem pontos bacanas, como falei da fotografia e atuações, tem uma riqueza cenográfica, explorando a natureza e afins. Indico sem pestanejar para quem estiver procurando um romance com musical, aliás a trilha sonora perfeita sem exagero e aconchegante para os ouvidos, percebi um grande envolvimento de todos ali presentes, ótimo filme!  

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Juliano Ferreira

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A situação

  Humberto Mauro não está na minha lista de mais assistidos, pois estou conhecendo seu trabalho recentemente e afirmo com precisão a minha satisfação em realizar a escrita desta crítica. Início a minha visão relatando um ponto negativo que não é um problema exclusivo de “Ganga Bruta”, estou falando da pescagem do público alvo, é evidente uma sofisticação linguística material voltada para uma elite que sabemos não ser maioria de um país recentemente liberto da escravidão, o interior não tem tanto acesso a cultura cinematográfica, estou batendo nesta tecla, pois esse é o exemplo de um filme extraordinário feito para poucos e deveria atingir várias classes.

  Entrando nos pontos positivos, friso o que julgo extremamente importante na construção de filme, a montagem de uma narrativa expressa em significados. Humberto é focado em transmitir mensagens desde o primeiro plano, quando ele quebra o paradigma do plano geral inicial e joga aquele close no rosto da personagem. Ele é muito técnico e vendo as produções atuais, percebi o quanto isso se perdeu, você quando faz um plano, tem que passar uma mensagem com aquilo, mesmo que sua intenção seja não passar uma, mas querendo ou não, gera um significado para você e quem estiver assistindo. Em “Ganga bruta” eu não vi um plano desnecessário, a trilha sonora acompanhando e ditando as sensações do espectador, as atuações certeiras e incorporando uma empatia confortável. Do início ao fim eu fiquei interessado na história.

O roteiro

  O roteiro é muito forte no sentido de construir personagens e estabelecer relações entre eles, tem como intenção maior, aprofundar no jogo entre caçador e caça, vivido pelo casal principal. A relação imposta entre a Ganga e o minério é muito didática, a questão do protagonista ter seu interior violento e a garota externar sua ingenuidade e feminilidade é completamente entendível para quem aprecia esse filme. É uma obra inigualável.    

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Juliano Ferreira

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  Sendo uma das funções mais notadas e reportadas na Sétima Arte, o Diretor de cinema ganha visibilidade e vamos falar sobre o que ele faz.

Os tipos de Diretor

  Estamos acostumados a conhecer mais o estilo Hollywoodiano clássico de direção, onde o encarregado da função, fica basicamente com os horários de trabalho restringidos ao Set de filmagem, sem nem mesmo, colaborar no desenvolvimento do roteiro que vai ser transposto para a tela.

  A verdade é que existem inúmeros tipos de especialistas na área que usam seus diversos artifícios para a realização dos curtas, médias e longas metragem. Hoje podemos identificar essa variedade nos produtos audiovisuais com os quais lidamos em nosso dia a dia. O alcance do cinema no mundo possibilitou um mercado mais versátil, conversando com muitos públicos e isso abriu o leque de profissionais diferenciados. Dentre os tipos de Diretor, podemos falar do clássico, do autor, do produtor e do artista.  

  O clássico, como o nome diz, está ligado à estrutura clássica de setorização dos cargos, então você vai ter o roteirista que escreve a história e nem aparece no Set. O Produtor que fica responsável por fazer o programa acontecer até o final liberando verba, contratando pessoal, olhando locações, etc. O Diretor de Arte, que olha toda a cenografia e maquiagem. O Engenheiro de Som, captando e armazenando os sons vocais e ambiente. O Diretor de fotografia, responsável pela captação das imagens do filme. Os atores/atrizes que se preparam com o roteiro e se apresentam em cena. E por fim o Diretor, que aparece no Set, Para dirigir a cena com o suporte da equipe presente, sem muita cerimônia.

  O autor é aquele que está envolvido no processo de escrita também e é frequente aparecer nos créditos o seu nome como roteirista ou co-roteirista. Sozinho ou com um parceiro ele desenvolve a escaleta das cenas, monta o storyboard e até mesmo conversa uma negociação de verba com produtores, até aqui percebemos uma liberdade maior do que a presente no Clássico. É comum que esse tipo de Diretor fique reconhecido por marcas registradas (Ex.: Zack snyder ficou conhecido por sempre utilizar cores frias e cenas mais escuras em tom mais cinza.) No Set a logistica de trabalho se assemelha ao modo Clássico, porém, com os diálogos aparecendo em maior escala.

  O Diretor Produtor entra com um investimento financeiro, buscando retorno na bilheteria. Ele pode ficar no modo Clássico, Autor ou os dois juntos, tudo depende do tipo que a realização vai demandar. Geralmente o Diretor que se envolve como Produtor, é alguém bem famoso e seu nome acaba sendo bem aproveitado para atrair os espectadores às salas de cinema.      

  O Artista é muito parecido com o Autor, porém, sua essência está no fato de que além de DIretor, ele também é ator e tem experiência em vários setores do Set, como a Direção de Arte, por exemplo. Ele tem a capacidade de criar empatia com seu elenco e até mesmo modificar estruturas iniciais da ideia na história, com o intuito de torná-la mais orgânica e confortável para o restante da equipe. Uma personalidade famosa que marcou o cinema com essas características, foi o Chaplin, que veio do teatro de Pantomimas e Dirigia seus filmes de forma magistral.

A cultura da Direção no Brasil

  No Brasil, é mais comum no cinema de massa, a entrada do Diretor Clássico, mas a maior parte do que é produzido, integra o Cinema Independente, e nele os Diretores Autores e Artistas fazem a festa. Como citei em outros textos, nossa cultura não permite muitos luxos na hora de produzir audiovisual, então acontece de uma pessoa se desdobrar em várias funções.   

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Juliano Ferreira

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A ideia

  O objetivo deste documentário fica claro quando se estuda a vivência da realizadora do projeto. Lúcia foi integrante da Luta Armada contra a Ditadura Militar no Brasil, assim como as entrevistadas, passou por tortura quando presa. 

  A montagem é bem feita, encaixando a trilha sonora com as imagens e o roteiro escrito de forma interessante. A performance de Irene Ravache está condizente e chama o espectador preparando-o para o assunto seguinte, atuação respeitosa fornecendo críticas sobre o olhar de quem não viveu a parte pesada da Ditadura. 

  A verdade é que é complicado falar sobre esse documentário, porque ele é para um público específico, apesar de haver uma tentativa de criar uma empatia com o espectador masculino, trazendo até presenças durante a execução, é muito mais sobre o sentimento feminino para mulheres. Não vejo como ponto negativo, muito pelo contrário, um grupo tem que ter meios para conversar com caráter exclusivo, é uma forma válida no que diz respeito à fortalecer classe e gênero.

  Pode parecer arrogância minha, mas poucos momentos me tocaram, senti mais próximo do monólogo do que os depoimentos em si, a parte teatral chuta a quarta parede e me puxa, o restante é um conjunto de depoimentos que talvez eu tenha estudado em livros de história, documentários e outros.

Os temas fortes

  A Ditadura foi um período forte em vários aspectos e a questão das torturas chegou a diversos grupos. É sempre angustiante escutar falar sobre, respeito a pessoa que faz esforço em relembrar o que aconteceu. Estamos vivendo um momento político onde eu não sei o que vamos enfrentar, alguns ministérios já tem indicações militares, torço para que não haja nenhum retrocesso quanto a nossa liberdade.

  Esse filme é de 1989, vai fazer 30 anos, não é distante do tempo em que vivemos, ele propõe reflexões satisfatórias que infelizmente somos obrigados a discuti-las década após década, porque o ser humano tem um poder de boicotar a própria espécie, é um fato que me entristece.

  “Que bom te ver viva” é reflexivo, apresenta boa orientação por parte da Lúcia Murat, mas não é um documentário que eu indique para todos, ele tem uma linguagem mais familiarizada ao público feminino. Gostei dos aspectos técnicos. O título é muito interessante e pode trazer uma gama de significados. 

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Juliano Ferreira

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Arrasa quarteirões

   Se buscarmos uma tradução mais literal para o Português, Blockbuster fica como “Arrasa quarteirão”. Esse termo ficou popular em 1975, devido ao sucesso absoluto do filme “Tubarão”, que investiu 9 milhões de dólares na produção, com um retorno de 470 milhões de dólares em bilheteria (Número convertido para a cotação atual*).

   Apesar de ganhar um nome na década de 1970, esse movimento tem quase a mesma idade do cinema, à medida que durante as décadas de 1910 e 1920 tivemos o surgimento de curta-metragens com foco no que chamamos de “Comédias pastelão” ou “humor fácil”, que são basicamente aqueles roteiros em que os personagens se metem em situações de cunho físico e constrangedoras. O nome mais famoso dessas obras é Charlie Chaplin, que ao lado de grandes artistas como Buster Keaton e Harold Lloyd, levou multidões aos cinemas para gargalhar da vergonha alheia.

   Com o passar dos anos, as produções ganharam novos ares, explorando a carreira de longa-metragens, que foram fundamentais no desenvolvimento e popularização de Hollywood. Se antes, personalidades como Chaplin injetavam grande quantidade de dinheiro em curtas, agora os produtores colocam muito mais nos longas. Se o investimento é maior, o retorno tem que ser mais do que satisfatório.

   Os proprietários dos estúdios buscam entender a mentalidade de seu público e percebem a oportunidade de usar massivamente o “Sistema de Estrela”, sistema voltado para que os fãs saibam praticamente tudo da vida dos atores/atrizes famosos e através dessa humanização da figura pública, criem um vínculo afetivo com a estrela, a ponto de quando ela aparecer em algum show, irá assisti-la a qualquer custo. Então, quando uma produção anunciava o protagonismo de James Stewart ou Grace Kelly, era certo a presença de grande número de espectadores.

A ideia do Blockbuster

   A princípio, um Blockbuster tinha como premissa, gastar pouco com um retorno gigantesco. Hoje gasta muito para se ter grandes bilheterias. A verdade é que temos dois grupos dentro deste termo, o que tem sucesso e o que fracassa.

   Os filmes que pretendem arrasar quarteirões e têm sucesso são os que vendem bem a ideia com trailers e propagandas. Eles visam trazer novidades no meio cinematográfico, geralmente voltadas ao movimento tecnológico visual, então as histórias presentes nos roteiros ficam em segundo plano, prejudicando uma boa colocação na academia do Oscar, por exemplo. Também portam linguagem acessível à população em massa, seja nos signos ou diálogos.

   Os que fracassam muitas vezes pecam no marketing do filme, mas tem outros fatores como a seleção de elenco que não agrada o público.

Funciona?

   Os Estados Unidos são conhecidos por muitas coisas, mas é inegável que Hollywood é sua maior potência perante o seu reconhecimento no mundo.

   Hollywood ascendeu sua fama construindo e adaptando fórmulas que são utilizadas até hoje. Essas fórmulas são carinhosamente chamadas de “Enlatados Americanos”, que por sua vez são a alma do Blockbuster. 

    Esse modelo, por ser taxado como parte da cultura Norte-americana, pois exalta o sonho americano, deixando as histórias e situações um tanto quanto atrativas ao povo. Quem nunca sonhou em salvar a Terra de um apocalipse? 

   Então, sim. Funciona! A Jornada do Herói é sempre seguida à risca e já perdemos a conta de quantos títulos Blockbusters foram realizados e levaram pessoas aos cinemas, quebrando vários recordes de bilheteria. 

   Se ainda não está crente do que foi dito nesse texto, basta passear pelos filmes atuais do Império Disney! Você encontrará cada detalhe que aqui foi citado.

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Juliano Ferreira

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  Curta-metragem realizado em 1942, foi concebido pelo Humberto Mauro que dispensa apresentações, simplesmente um ícone da gama cinematográfica brasileira, esse é o terceiro filme de sua autoria que tenho o prazer de assistir e comentar.

  O curta faz uma viagem no tempo contando uma história breve para justificar e esclarecer ao espectador o motivo da princesa Isabel assinar a carta da Lei Áurea. Humberto usufrui de seus recursos padrões, a começar pela câmera que a todo momento sinaliza o ponto interessante na sequência da trama, a ambientação e decoração dos locais são mostrados com o intuito de “martelar” a situação transmitida.

  No início tem a narração que temporiza a época da história e em seguida os personagens nos guiam com ações. A montagem casa como sempre nos filmes desse cineasta, fica fácil adquirir empatia com o objeto em cena.

  Apesar de saber os significados da Lei Áurea para a construção nacional, é interessante absorver obras que contam seu contexto, porque se você puxa isso para um âmbito de cultura como é o cinema, por exemplo, a população consegue acesso às informações de forma mais optativa. 

  O diretor tomou cuidado ao construir as personagens e ambientá-los. O engraçado é que a princesa Isabel é retratado de forma muito ingênua e essa característica Humberto Mauro tem facilidade de trabalhar, principalmente em figuras femininas.

  A relação da protagonista com sua amiga é sempre de brincadeira e inocência infantil, até que elas encontram uma escrava passando fome e com medo, Isabel vê seu sofrimento e percebe que o Brasil colonial não é como no Palácio Real, o mundo afora apresenta desumanidade.

A Redentora 

  “O Despertar da Redentora” traz reflexões sobre a escravidão, no final temos imagens dos escravos felizes sendo libertados, mas se estudarmos a fundo, veremos que após as libertações, os mesmo ficaram sem opções para uma vida digna, pois saíram sem nada. Isso não é uma crítica, apenas uma observação, pois acho que o objetivo do filme era ilustrar o contexto da Lei Áurea e não o que sucedeu. 

  Gostei e indico. Mais um filme extremamente didático que com 18 minutos passa um assunto que a pessoa demoraria horas para entender. Fotografia genial, roteiro na medida e trilha sonora nos conformes.     

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Juliano Ferreira

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   “A arte não reproduz o que vemos. Ela nos faz ver.”

– Paul Klee –

   Obtendo funções mais influentes nos Sets de filmagem, a Direção de Arte  junto à aliados profissionais de nichos variados, compõem a arte das produções. Vamos entender sua importância! 

A arte

   A arte tem papel fundamental no desenvolvimento e registro histórico da humanidade desde os primeiros passos de nossos ancestrais. No texto sobre “Direção de Fotografia“,  abordamos um pouco sobre os registros e suas adaptações, bem como sua inserção na sétima arte.

   Abaixo iremos listar as funções pertencentes ao setor de Arte em uma produção.

Diretor de Arte

   Bem, o Diretor capta a responsabilidade de coordenar todo aquele setor. Ele estará em conversas com as demais equipes de Set para alinhar questões diversas que influenciem na cara que o produto pretende ganhar, então ele vai falar com o Diretor de Fotografia para ver como o cenário deve ser alinhado, por exemplo. O Diretor de Arte, em geral, tem certos conhecimentos relacionados à moda, maquiagem, arquitetura, artes plásticas e demais movimentos ditos artísticos e estruturais.

Assistente de Arte

   Apesar do Diretor levar os créditos pelos feitos do seu setor, não faz tudo sozinho, pois tem ao seu lado uma equipe de realizadores. Comecemos a falar dos assistentes. 

   São o braço mais próximo do Diretor e cumprem demandas momentâneas, resolvendo questões de customização no Set. O Diretor precisa de assistentes com entendimentos de áreas diferentes, por tanto, é comum vermos um assistente que supra conteúdos de maquiagem e outro que saiba sobre cenografia. Ao contrário do que pensam, por serem sempre comparados à estagiários, eles são cursados e competentes para executar as demandas do filme. 

Arquiteto e Engenheiro

   O Diretor de arte pode ser bem informado em várias áreas, mas quando se tem a possibilidade de ter alguém com formação e conhecimento específico para desempenhar tarefas com propriedade maior, é sempre bem vindo. É aí que entram o arquiteto e o engenheiro.

   Pessoa que estudou e aprofundou no modo de elaborar e concretizar com precisão, mecanismos de construções físicas em suas variadas espécies. O arquiteto e o Engenheiro trabalham em cooperação à medida que o primeiro cria a ideia calculada no papel (podendo usar outros materiais e formatos para traduzir o seu pensamento). Após a inserção da ideia, vamos para a parte prática, colocar a mão na massa e construir o Set. Nessa fase, aparecem os engenheiros em suas especificidades de Luz, mecânica e hidráulica.  

   O de luz cuida diretamente da iluminação do Set e também está ligado aos profissionais da fotografia. Além de fomentar a luz, fábrica as situações que envolvem explosões e efeitos que são realizados durante o clique da cena.

   O mecânico fica encarregado de propor situações e objetos que englobam robôs, veículos e outros elementos para interação com os atores durante as filmagens.

   O hidráulico fomenta dispositivos para momentos onde são requisitados fluidos como água, por exemplo.

Importância

   A máxima de quem produz audiovisual é que, se todos os componentes do grupo estão em harmonia, o projeto tem grandes chances de alavancar imensuravelmente. Obviamente que algumas produções são famosas por terem sucesso, mesmo portando dificuldades de relacionamento interno, como é o caso da franquia Transformers, onde houve desentendimentos entre elenco, Direção Geral e Produção.

   O ponto que queremos assinalar após o relatado no parágrafo anterior, é que sem a Arte, não existe filme! Você pode até tentar lembrar de um título que não tenha ela e falhará miseravelmente. 

   A equipe de Arte tem que estar em harmonia total para encaixar os objetivos ditos como visuais da trama. O Diretor precisa liderar a sua turma, de forma que todos se sintam ouvidos e respeitados, para que possam executar seu melhor durante o processo construtivo. 

   A Direção de Arte não é apenas formada pelo Diretor, pois para além dele, há pessoas / profissionais que também são feitos de sonhos e atitudes, focando no objetivo de entregar um ótimo show ao espectador.

Por 

Juliano Ferreira

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   Esse é um longa que tem a direção e roteiro feitos pelo Rogério Sganzerla, que na época do lançamento, tinha apenas 22 anos. Ele conseguiu viver do cinema ao longo da vida, mas seus outros títulos não tiveram tanta notoriedade quanto a do filme que irei escrever sobre.

   Abusando e externando da cultura pop em tela, “O bandido da luz vermelha” é um filme de ficção baseado nos crimes cometidos pelo personagem-título. A trama em sua totalidade apresenta características que até então não percebi nos outros filmes nacionais da época, que assisti. Os enquadramentos e movimentos da câmera, apesar de não serem originais na composição, são bem colocados e dinamizam o fato em foco, recurso explorado a fundo no cinema Hollywoodiano, peguei essa referência logo de início com a perseguição de automóveis. 

   O protagonista “rouba” a cena com a atuação intensa de Paulo Villaça, você sente o peso dramático a ser transmitido e as cenas que envolvem a quebra da quarta parede são sensacionais. Os demais componentes do elenco cumprem seu papel de forma importante. A trilha sonora é repleta de canções que provavelmente o público da época estava familiarizado, pude reconhecer algumas e isso fez com que eu me aproximasse mais da proposta da obra. 

   O roteiro mescla elementos quanto à narrativa, segue a clássica, mas traz o rompimento da quarta parede, há sempre uma narração, seja de jornalista, seja do protagonista, tem o arco do herói, seus conflitos pessoais e profissionais são apresentados sem dificuldade de interpretação. Gostaria de parabenizar também a montagem com cortes milimétricos e encaixes estudados com otimismo.

O legado 

    O filme realiza críticas fortes ao contexto da época, estamos falando de algo lançado em 1968, a ditadura estava ocorrendo desde 1964, temas como sexualismo, terrorismo, comunismo, guerras, pobreza, corrupção e movimento intelectual são discutidos e ao assisti-lo, a impressão é que enquanto leio uma crônica de jornal, estou escutando uma rádio-notícia. 

   “O bandido da luz vermelha” pode ser chamado de clássico nacional, devido ao processo em geral, não tive dificuldade em perceber os signos apontados. É um longa que tem linguagem forte voltada para uma esfera política e social de 1968, pode ser usado até por historiadores. Não fica devendo em nada do que propõe e prendeu a minha atenção.    

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Juliano Ferreira

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O cinema tem o potencial de fundir o que melhor se constrói nas outras artes. O processo de relação com a literatura se torna intenso, no que diz respeito à fomentação de um roteiro. Temos grandes influenciadores que colaboraram bastante com a evolução e entendimento da escrita cinematográfica.

Joseph Campbell, um professor universitário e mitologista do século 20, percebeu as semelhanças presentes em praticamente todas as histórias que tratavam de temas míticos e fantasiosos. Ele se aprofundou no estudo de que se “dissecarmos” os enredos dos livros, encontraremos um padrão que liga o protagonista (herói) às etapas de provações experienciadas pelo mesmo. Formalizando os resultados de sua pesquisa, Campbell relatou a utilização de 12 etapas na “Jornada do herói mitológico”.

1. O mundo comum

Fase em que conhecemos o ambiente inicial, geralmente para entender o cotidiano do nosso personagem. São estabelecidas algumas características que serão exploradas nos passos seguintes.

2. Chamado à aventura

Surge o primeiro contato com algo que sai do cotidiano. É um convite da situação que precisa da atenção do nosso protagonista.

3. Recusa do chamado

O medo de deixar sua vida cotidiana e entrar em novo desafio, faz com que o herói recuse o chamado.

4. Encontro com o mentor

O mentor pode ter várias representações física e espiritual. Ele tem a função de treinar e guiar o protagonista até certo ponto da narrativa. O encontro geralmente é um tanto quanto conturbado, já que toma um tempo até o herói aceitar os métodos de seus ensinamentos.

5. Travessia no primeiro limiar

Limiar significa fronteira, limite. Esse momento marca o primeiro ponto de virada da história, quer dizer que dali para frente a narrativa vai decolar, pois os objetivos estão tomando o caminho da concretude.

6. Testes, aliados e inimigos

Essa fase, talvez seja a que mais se repita durante o processo narrativo, pois aborda os desafios variados que estarão no caminho do herói. Isso faz com que ele se fortaleça na trilha.

7. Aproximação da caverna oculta

A sétima etapa sinaliza o segundo ponto de virada do conto. Após enfrente um caminhada intensa, repleta de contratempos, chegamos ao objeto da busca. Toda a preparação entre herói e mentor foi para este momento, onde se situa o perigo supremo a ser batido.

8. A provação suprema

 É o momento em que o protagonista encara a situação de morte ou quase morte, ressurgindo (metaforicamente ou literalmente) em seguida, portando equilíbrio e força maior. 

9. Recompensa

Após ganhar a batalha travada com seu maior desafio, até então, o herói se apossa do seu objetivo interessado desde o início de sua caminhada.

10. Caminho de volta

O terceiro ato começa nessa fase. O herói ainda está no ambiente da aventura, decidindo retornar ao mundo comum, mas seus inimigos tornam essa volta bem complicada.

11. Ressureição

Trazendo uma intensidade maior que a fase 8 (A provação suprema), a décima primeira vai encorpar ainda mais nosso herói, pois o perigo maior será combatido e para além disso, teremos mudanças definitivas na personalidade do protagonista, advindas de sua vivência no mundo da aventura. O procedimento vai culminar no renascimento do indivíduo.

12. Retorno com o Elixir

É a etapa derradeira da jornada. Nela é conquistado o que era necessário para o protagonista amadurecer com êxito e fazer a diferença no mundo comum ao qual pertence. Seu retorno é o ponto alto.

A jornada no cinema

Os passos listados acima podem ter variações de acordo com a necessidade do roteirista. No cinema é utilizada a adaptação dessa estrutura feita pelo escritor Christopher Vogler, que escreveu o livro envolvendo a mesma temática “A jornada do escritor: Estrutura Mítica para Escritores”.

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– Ruisdael Marques –

Depois da pré-produção, o projeto audiovisual caminha para a produção, que engloba inúmeros fatores, um deles é a realização no Set de filmagem. Vamos entender o que é e como funciona esse espaço.

Preparando o Set

O grande dia chega e é hora dar vida aquela história, que até então, se encontra gravada em um punhado de papéis. Apenas uma parte da equipe contratada para o projeto, comparece aos locais pré-definidos como ambientes físicos do enredo. Dentre os convocados, estão o Produtor de Set, Preparador de Elenco,  Diretor Geral, equipe de Fotografia, equipe de Direção de Arte, Engenheiro de Som e elenco de atores. 

Produtor de Set

É o representante de todos os outros produtores naquele espaço. Vai verificar as necessidades da equipe e locação, sendo bem dinâmico para trazer soluções imediatas. Basta alguns telefonemas e os problemas desaparecem! 

Preparador de Elenco e os Atores / Atrizes

É responsável por treinar o elenco do projeto. Sempre em conversa com os diretores, vai realizar atividades com atrizes e atores, até que cheguem ao ponto de atuação desejado. Vale ressaltar, que quem ocupa esta função, é em geral, familiarizado com as especificidades de outras expressões artísticas, como o teatro.

Os atores e atrizes presentes no Set, se preparam para as cenas, lendo e estudando o roteiro, junto a ideias trocadas com seu preparador e Diretor. Os processos estudados para as gravações variam de acordo com a pegada almejada para o filme.

Equipe de Fotografia

São escolhidos para captar as imagens do trabalho. É formada pelo Diretor de Fotografia,  seus assistentes, maquinistas e eletricistas. O Diretor vai traçar a técnica e parametrização dos planos, buscando apoio dos assistentes, que ficarão na regulagem do zoom, foco,  movimentação e armazenamento em backup do que for gravado. 

Os maquinistas entram para montar a base da circulação dos aparelhos de filmagem pelo cenário. Os eletricistas olham principalmente, a questão da iluminação (canhões de luz, ribaltas, refletores e mais), mas também participam ativamente na criação de efeitos práticos, como explosões e mecanismos complexos de energia.

Direção de Arte

Por vezes intitulados “Cenógrafos”, expressão mais comum no teatro. Trabalham na parte de feitura do cenário e caracterização visual dos atores. Assim como na Equipe de Fotografia, a Arte também tem a sua, sendo composta pelo Diretor, assistentes, maquiagem e arquiteto ou engenheiro. 

O Diretor estuda junto a sua equipe como montar o cenário, necessitando a colaboração de seus assistentes para as demandas. A maquiagem enfeita o elenco que irá aparecer na frente da câmera. O arquiteto ou engenheiro, também portam uma equipe para realizar a construção solicitada.

Engenheiro de Som

Fica com a função de captar os sons da história. Também traz um grupo que vai apoiá-lo nas tarefas, são denominados assistentes de som. Dos designados à este setor, alguns vão segurar o microfone (Na maioria das vezes o boom), outros o gravador e o restante entra na responsabilidade de salvar os áudios e cuidar da logística sonora espacial no Set.    

Diretor Geral

É conhecido pela seguinte fala: “Luz, câmera e ação!”. Está todo tempo em conversa com as linhas de trabalho listadas acima. Estabeleceu-se uma cultura, principalmente no cinema Hollywoodiano, que o Diretor tem a palavra final de um Set de filmagem, então as ordens e questionamentos que ele faz, dificilmente não são atendidos, a não ser que um produtor limite o seu poder em pré-conversas ou  intervenha no dia de gravações.

O Diretor Geral tem seus assistentes, que alinham a ordem de cenas gravadas do dia, transmitem requerimentos do Diretor ao restante dos profissionais presentes e colaboram nas demandas de organização do ambiente de filmagens. 

Depois da claquete

Um Set pode ser configurado em qualquer lugar, a magia do cinema permite possibilidades como essa. Os conhecimentos técnicos de fazer uma luz bacana, uma maquiagem bonita e uma fotografia intensa, são importantíssimos, mas a vontade de realizar é o que realmente faz a diferença! 

Dependendo do orçamento disposto, alguns setores aqui citados, podem aparecer em tamanho de equipe reduzida e um mesmo coordenador pode realizar funções distintas. Esse fato é muito comum em produções com viés independente.

Estar em um dia de gravação é algo que só quem passou, pode explicar o sentimento. O que vemos em tela, não mostra um terço dos acontecimentos vividos. Não à toa temos o making off, método com o objetivo de mostrar o dia-a-dia das preparações. Neste trabalho, a frase “Na jornada, vale muito mais a caminhada do que a chegada” encaixa perfeitamente, porque finalizar um produto é bom, mas o processo envolvido é de uma sensação única! 

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– Antoine Lavoisier –

Um roteirista no cinema, para construir seu roteiro, acaba recorrendo a métodos que constroem seu padrão de escrita, um deles é o “clichê”, que vamos entender agora se ajuda ou atrapalha!

A fórmula clichê

Original do Francês, sendo escrito como cliché, tem no seu significado primário, a utilização de uma matriz feita de metal, destinada à fabricação de imagens e textos. Estes, vindo de conjuntos em repetição.

As artes tem inúmeros conteúdos já produzidos, e querendo ou não, muitos são inspirados em antecedentes. É como dizia o renomado cientista, Lavoisier: “Na natureza nada se cria, nada se perde, tudo se transforma”.

O cinema incorporou esta frase com maestria, à medida que grandes nomes desenvolveram fórmulas sobre expressões avulsas, que até então, não tinham sido imaginadas em conexão. Um forte exemplo, é o advento das obras de Charlie Chaplin, reunindo elementos do teatro de variedades, mais especificamente as pantomimas (gestos corporais) à situações de enquadramento em câmera. A reunião feita por ele, juntamente à cineastas do início do século 20, serviu de espelho para estabelecer convenções na indústria do gênero nomeado, comédia pastelão. Esse modelo é replicado até os dias atuais.

Os clichês estão sempre relacionados com gêneros de comédia, ação, aventura, romance, drama, terror e suspense, cada tipo em seu segmento. Eles servem para criar o que chamamos de “identidade por reconhecimento”. Ela implica em fazer com que o espectador saiba o tipo de obra a qual está acompanhando. Essa identidade entra inicialmente no roteiro, quando para criar uma situação, o escritor busca algo cravado em memória para estabelecer uma relação mais íntima com quem assiste. Um grande exemplo é quando um casal briga em um filme de romance, passam um período distantes e no último ato, eles se reconciliam em local público, perante a imensa quantidade de pessoas que ficam de plateia os observando. Aposto que com esse exemplo, você deve ter lembrado de inúmeras obras que fazem exatamente isso.

Os clichês sempre geraram polêmica e divergências de opiniões para quem produz e recebe o conteúdo. A verdade é que a fórmula se torna um facilitador e se desvencilhar dela, é sinônimo de entrar em campo novo, assumindo riscos. Há realizadores que utilizam da fórmula por anos e dão super certo, como é o caso do Steven Spielberg, e há os que fogem da curva e também são bem sucedidos, como o Luis Buñuel.

Jogando com o clichê

O cinema contemporâneo passou por diversas adaptações e os públicos se diversificaram bastante. Com salto amplo no modo de fazer cinema, os roteiros foram entrando em harmonia com o fluxo recente.

Hoje, a gama de filmes que ironizam e questionam os clichês é enorme. A comédia tomou a liberdade de brincar com os roteiros clássicos. Títulos como “Todo mundo em Pânico” ganharam espaço e trouxeram de forma leve, todas as características e exageros de filmes de terror. Em seguida, o mercado viu o potencial nos filmes de suspense e terror que entraram na possibilidade de abordar temas atuais, sem fixar na ideia de construção estabelecida no século passado, fortalecendo gêneros com pegada de terror psicológico. 

Interpretar e brincar com os clichês, se tornou um hábito na indústria cinematográfica. Passando por altos e baixos, o processo cinematográfico fixou marcas registradas, sendo uma delas o clichê. O ponto é que eles já estão inclusos em tópicos para fomentar roteiros. São recursos e podem ser inseridos no repertório de quem cria conteúdo. Se ajudam ou atrapalham, o que vai definir isso, é o que vem antes dos créditos finais.

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As produções

Produzir, segundo o dicionário, é criar bens ou utilidades para satisfazer as necessidades humanas. Nesse aspecto geral, quem produz está fornecendo conteúdo para determinado fim.

O cinema, desde seus primórdios, tem os produtores como carro condutor do produto que chega à plateia. Mas você já imaginou como funciona o processo de produção? Os setores envolvidos? Bem! Vamos falar sobre os variados tipos de produtores e suas funções!

Produtor

Esse geralmente está à frente da produtora engajada nos projetos. Tem uma relação direta com praticamente todos os membros do trabalho. Ele costuma deter os direitos do filme e poder de decisão sobre o que vai adiante ou não. Por vezes, fica responsável em representar a obra em festivais e premiações.

Produtor Executivo

Talvez seja o mais relevante da pré-produção, pois cuida do orçamento e contratação relacionados à parceria de equipe técnica, elenco, patrocinadores e locações. É o cara dos contatos! Abrindo caminhos e opções para a realização.

Diretor de Produção

Fica mais próximo dos funcionários presentes na produção, principalmente os diretores Geral, de Arte e Fotografia. Ele estabelece um diálogo com o intuito de entender suas necessidades e repassa as informações ao Produtor Executivo, que irá estudar se tais requerimentos cabem no orçamento concedido.

Produtor de Set

Está presente no Set exatamente na hora que as gravações passam a ser rodadas. Tem a função de verificar se tudo corre como planejado, caso não, busca meios eficazes de solução. Também cuida da logística de suporte à equipe, trazendo alimentação e métodos que tragam conforto e amparo para se ter uma gravação saudável. Ao final das rodagens, esse produtor participa ativamente da desprodução do Set de filmagens.

Produtor de Elenco

Carrega a função de achar o elenco certo para o trabalho. Em geral, realiza esta tarefa com o Diretor ou Assistente de Direção, pois os mesmos carregam o perfil procurado. Quem é Produtor de Elenco, mantém contato com vários agentes ou empresários de atores, atrizes e modelos para ter grande leque de opções.

Produtor de Locação

Apesar do Produtor Executivo participar na escolha dos lugares de filmagem, é o Produtor de Locação que fica exclusivo na análise do ambiente a ser selecionado. Ele verifica se o local é apto e apresenta segurança para os fins almejados.

Produtor de Objetos

É o braço direito da Direção de Arte, pois colabora na estruturação do cenário. Sua produção é híbrida, dependendo do profissional, pode solicitar a compra ou até mesmo, fabricar os itens ordenados. Para exercer essa área, ter sensibilidade artística é um diferencial.

Assistente de Produção

Geralmente serve como estágio para quem quer seguir na produção, mas há quem se interesse pela carreira de assistente como fonte de renda a longo prazo. O assistente fica por dentro do que acontece em praticamente todas as produções, pois auxilia em várias demandas setoriais. 

No Brasil

Vimos que a produção de um filme é composta por muitos setores e cada um é endereçado à uma tarefa. No Brasil e em lugares onde há muitas produções independentes, a dinâmica é alterada.

Um filme que tem todas as funções listadas acima, executadas por muitas pessoas, é considerado como bem financiado. Nas formas independentes, costuma-se ter uma ou duas pessoas que cuida de todos os aspectos da produção, às vezes mais, dependendo do acordo de remuneração ou permuta.

O Brasil apresenta um histórico recente de poucas oportunidades para as produtoras terem acesso a um financiamento que permita a introdução de grande equipe técnica. Felizmente isso abriu espaço para a criatividade e perseverança na realização dos projetos, dando destaque à plantéis formados com número reduzido de produtores, que têm seus trabalhos reconhecidos por festivais afora.

Dicas para além!

Continuar a aprender e evoluir é o que fazemos de melhor! Por isso, estaremos deixando dicas de entretenimento para a sua degustação!

Segue uma ótima dica de livro sobre o tema:

O cinema e a produção   

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A forma do filme

Participando do conjunto de filmes adolescentes da década de 2010 que abordam temas sobre a vida na internet, “Amizade desfeita” se destaca dos demais títulos, quando busca uma estética familiar ao seu público alvo.

Nos curtas, médias e longas – metragem, temos a construção em tela com uma decupagem formal, onde a câmera é dirigida por meio de cortes, seleção de eixos, variação dos planos e o traçado de caminhos trilhados por extensos sets montados. Essa técnica se tornou um código universal para fomentar entendimentos acerca do que se passa na história contada.

O filme em questão, quebra magistralmente com o estilo tradicional de decupagem, justamente pela ideia que quer passar. Ele utiliza de um estilo cinematográfico denominado “Found Footage”, que consiste em realizar as capturas de vídeo no modo documental, porém, com forte caráter fictício, tal modo é usado com frequência em filmes de terror. Esse estilo tem como marca registrada o espectador acompanhar o que acontece através de dispositivos tecnológicos provenientes de personagens específicos, causando o efeito de visão em primeira pessoa. 

Captando a ideia explicada no parágrafo anterior, “Amizade desfeita” passa seu tempo de 1h 23m na tela do computador da protagonista Blair. De início, podemos ver uma interação normal entre adolescentes em chamada de vídeo, tudo fluindo bem, até que algumas situações não comuns ocorrem de maneira intensa. 

Como assistimos apenas a tela da Blair, ficamos sabendo o que acontece apenas por ela, recebendo as informações necessárias para entendermos as inter relações das pessoas ali presentes ou não. Essa dinâmica cria curiosidade e certa aflição, pois ao mesmo tempo em que entendemos a tela, há a tensão de sentirmos falta da decupagem que gera mais pontos de vista. Assim, observamos que o objetivo da produção foi alcançado. 

Os temas

Ao final da década de 2000, o número de acessos à internet cresceu massivamente e as relações sociais sofreram alterações. Se antes as comunicações se dava majoritariamente de forma presencial, agora o digital entrou força.

As reuniões em suas diversidades, passaram a ser estabelecidas em chamadas de áudio e vídeo, com espaços cedidos por empresas como Skype e Zoom. Concomitantemente, as redes sociais se aperfeiçoaram à medida que as pessoas viram a possibilidade de expor seus detalhes íntimos e profissionais. 

Tendo esse contexto em mente, voltemos ao longa-metragem. “Amizade desfeita” busca como centro, conflitos adolescentes, que englobam namoros, amizades e bullying. Até então, essas situações são rotineiras em filmes do gênero teen, só que o modo como o roteiro entra nelas, deixa a narrativa interessante, consegue dar um peso aos assuntos, por vezes romantizando (parte do clichê), mas funcional. A história traz a questão do bullying como fator principal de tudo acontecer.

O Bullying sempre foi sério e trouxe consequências sérias, o ponto é que com a internet, você pode fazê-lo com alguns toques no teclado, expondo e tendo acesso à qualquer dado publicado. Um vídeo, por exemplo, caso seja viral, pode passar de um milhão de views fácil! Tal feito pode ser o suficiente para derrubar o psicológico de um ser humano. 

Atualmente temos o bullying disfarçado, chamado “Cancelamento”. O ato consiste em julgar uma pessoa que fez ou disse algo que a internet não julgue correto, em seguida, ocorre o bloqueio desse indivíduo nas redes sociais de quem não tolera seu comportamento. A questão é que a exposição em redes sociais, torna o cancelamento um tanto quanto banal, pois situações como um pedido de casamento pode, devido a essa cultura, levar ao fim a vida de uma personalidade. 

O filme mostra o quão forte é a influência da internet na vida das pessoas. O bullying virtual, independente de qual cultura seja, é extremamente prejudicial. Uma postagem, em segundos pode se tornar seu maior pesadelo. Outro fator é que a web dá espaço para a democratização do uso e as pessoas se sentem à vontade para utilizar a tela como escudo, não pensando nos resultados de seus atos.

Dicas para além!

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Segue um texto falando sobre a cultura do cancelamento, que ocorre atualmente::

O que é cultura do cancelamento? O que significa nos mundos real e digital?

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                                                                                                                                          – Evelyn Cordeiro –

O audiovisual cresce cada vez mais com o passar dos anos. A forma vai se adaptando ao conteúdo, por tanto, criar algo é diferente de acordo com o momento no qual estamos inseridos. Vamos ver como a criação de conteúdo se desenvolveu até o nosso contemporâneo.

O conteúdo

Antigamente, quem tinha grande poderio financeiro, conseguia concretizar produções e veicula-las para seus públicos. Essa pequena classe era formada pelas grandes produtoras, que eram detentoras dos projetos de grande repercussão.

No início do século passado, os meios para ter acesso a algum entretenimento audiovisual eram bem restritos, as pessoas basicamente iam às salas de cinema. No meio do século passado, com as tecnologias relacionadas à televisão doméstica, foram inseridos mais meios de aproveitamento. A população recebia programas da sala de casa.

A TV, vendo um mercado em potencial, importou o que de melhor o cinema, rádio e o teatro fabricaram, ideia, equipamentos, logística e dinâmica de produção. Passa a surgir dessa combinação os programas televisivos, onde cada show tinha horário específico para ser transmitido, tal fato era analisado de acordo com a movimentação do público, ou como é nomeado, a audiência. 

Audiência é basicamente o conjunto de pessoas que acompanham determinado programa. Para calcular o público que está assistindo, temos o mecanismo chamado “Contador de pessoas”. A contagem se dá na seguinte forma, cada ponto do contador equivale a uma média de 200 mil pessoas, então quanto mais pontos de audiência, melhor colocado o show se encontra na programação televisiva.

Uma vez que os estúdios de TVs observam o desempenho de sua agenda, os quadros de apresentação se tornam fixos, e por anos vemos os mesmos programas sem alterações nas configurações, muda elenco, tecnologias, mas a ideia se encontra impetrada.

Após anos da criação da televisão, os recursos que antes eram extremamente inacessíveis às pessoas físicas comuns, se transformam gradualmente em algo alcançável. As maquinagens dos grandes produtores ainda não estão, pelo menos, em perfil concreto, fácil para a grande massa se apropriar, mas o pouco disponível torna factível a revolução que alterou o cenário audiovisual mundial. 

A criação

Se antes poucos tinham equipamentos e conhecimentos acerca de tudo o que engloba uma produção audiovisual, na virada do século o jogo mudou, um novo milênio entrou e com ele, artifícios destravaram a entrada de novos criadores de conteúdo.

Assim como a TV se apropriou da estrutura presente no teatro e cinema, os novos criadores pegaram tudo de antes e mixaram. Nesses moldes, temos a edição e montagem, produção, continuidade de postagem para engajamento de público e distribuição.

Os criadores foram unidos em plataformas de conteúdos, a mais influente é o Youtube. Elas são responsáveis pelo reconhecimento de indivíduos que em outra época, talvez estariam impossibilitados de realizar seus trabalhos audiovisuais.

Em ambientes como a plataforma citada no parágrafo anterior, o engajamento é o coração das produções, porque assim como na TV, os programas ganham modelos específicos e  têm seus públicos fidelizados. Sistemas como inscrição, likes, comentários e compartilhamentos servem como feedback de quem acompanha o show e ajudam o canal a crescer.

Essa revolução é interessante à medida que um criador de conteúdo pode sair de lugares além da elite. A realidade brasileira ainda não é a ideal para exemplificarmos isso, pois os impostos sobre os equipamentos e serviços de internet passam dos limites aceitáveis.

Quem cria tem grandes desafios, seja no audiovisual ou em outras áreas. Fazer a diferença para você e outras pessoas é o que inspira continuar seu trabalho e aprimorar as ideias. Produzir é existir!

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O que é?

Sendo a sigla para Computer Graphic Imagery, o CGI, em síntese é o modo como são nomeadas as imagens feitas por computador, que comportam um conjunto programático formado por três dimensões, gerando os objetos que estamos acostumados a chamar de tridimensionais.

Além de filmes, é uma tecnologia que aparece em expressões de diversas áreas, como videogames, desenhos animados e situações que envolvem contato com o campo imagético. 

O CGI surgiu com o compromisso de otimizar a produção e venda para grandes empresas, principalmente as que tinham como centro lucrativo a criação de veículos automobilísticos. A partir daí já se percebe uma pegada bem publicitária, que usa a vertente denominada CAD.

O CAD – Computer Aided Design (Desenho Assistido por Computador) surgiu na década de 1960 com o objetivo de ilustrar estruturas com possibilidades de variações infinitas. Este programa está presente em diversos softwares de design, que dependendo da profissão, mudam a nomenclatura para a utilização em fins específicos. O mais famoso deles, até então, é o AutoCAD, responsável pela viabilidade e versatilidade na criação de conteúdos ilustrativos com cálculos extremamente reais.

Como funciona nos filmes?

Com grande espírito evolutivo, o cinema aderiu à esta tecnologia advinda do computador. A primeira grande produção que entrou no circuito CAD foi Star Wars (1977) de George Lucas, utilizando efeitos nos sabres de luz e tiros nas armas de fogo. 

As mecânicas que chamamos de efeitos especiais estão presentes no cinema, bem antes do desenvolvimento em CGI. Nas salas eram exibidos longas e curtas-metragem com feras gigantescas, viagens a lugares inexplorados e idealizações futuristas. Para criar a ambientação desejada, as produções se valiam da construção de maquetes e objetos compostos por diversos materiais, como massinha, por exemplo. Ainda tinha os atores que vestiam fantasias e andavam sobre cenários repletos de materiais leves, dentre eles, papelão e isopor. Os rolos de filmes também eram muito usados na inserção de efeitos em pós-produção, muitos gostavam de colori-los e fazer colagens.

Os anos passaram e o CAD foi se adaptando às necessidades. Os produtores viram a possibilidade de conciliar engenharia mecânica e computação. Esse foi um dos fatores que elevaram o status do cinema na década de 1980. Os filmes passaram a injetar grandes investimentos nas ciências dispostas, incorporando os robôs e adicionando efeitos de computador.

Hoje o audiovisual ganhou muitos caminhos e além de Filmmakers (realizadores que vivem exclusivamente de curtas, médias e longas-metragem cinematográficos), temos os Videomakers (mexem com conteúdos para além do cinema). Essa diversificação cria demandas personalizadas e elas necessitam de artifícios em larga escala, daí o aprimoramento de softwares de edição. Os mais famosos e talvez os mais democráticos são o pacote Adobe e o pacote Vegas.     

O CGI se tornou um nicho fundamental na indústria cinematográfica e podemos analisar esse aspecto nos entretenimentos que são apresentados na contemporaneidade. Os espectadores se tornam mais exigentes à medida que a evolução surge. Se pegarmos um longa de alto investimento da década 1990 e compararmos com o que acompanhamos atualmente, haverão grandes diferenças gráficas. Os realizadores entendem essa evolução e boa parte do orçamento estabelecido vai para os efeitos especiais criados em computadores.

As novidades dessa tecnologia agregam ao fluxo de composição que cito no texto “O que faz um Diretor de Fotografia?”. As imagens sempre passam mensagens, e tudo o que estiver ao alcance para tornar sua ideia mais sólida é bem vindo! É loucura imaginar que um software pode fabricar realidades, mas é confortante saber que as tecnologias construídas para fins específicos, podem ser adaptadas ao processo de imersão nas telas.

Dicas para além!

Continuar a aprender e evoluir é o que fazemos de melhor! Por isso, estaremos deixando dicas de entretenimento para a sua degustação! 

Livros que falam mais sobre programação e CAD.

Shell Script Profissional (Português) Capa comum – 1 abril 2008

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