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Os 7 de Chicago – Dir. Aaron Sorkin [Sessão Crítica]

Juliano Ferreira — Wed, 05 Nov 2025 09:15:57 +0000

No Oscar, já é tradição a indicação de filmes que abordam temas sociais e políticos. Dentre as diversas categorias da premiação, muitos títulos se encontram aptos a participar, podendo garantir as tão desejadas estatuetas. “Os 7 de Chicago“, produção original Netflix, foi indicado em quase todos os módulos e infelizmente não levou prêmios, mas independente disso, se mostrou um filme consciente e vamos falar sobre isso aqui!

Um pouco da história

Sete pessoas são levadas a julgamento em 1969, por um conflito envolvendo policiais e manifestantes, ocorrido em 1968.

Os Sete indivíduos são julgados por serem acusados de conspiração, ao constar nos altos do julgamento, que iniciaram o confronto contra os policiais durante seu protesto contra a Guerra do Vietnã.

Durante o julgamento vão surgindo informações e pessoas chave, que contribuem ou atrapalham para a evolução do resultado.

O contexto dentro do filme

A Guerra do Vietnã foi um evento importante que alterou a história no século 20. Tendo a duração de 20 anos (1955-1975), o evento trouxe muitas questões sociais e políticas, principalmente no território estadunidense.

“Os 7 de Chicago” consegue mostrar bem os motivos que levaram ao início das manifestações contra a Guerra, e o primeiro deles era a obrigatoriedade do alistamento e envio compulsório militar, de jovens que retornavam mortos ao país de origem.

Movimentos de contracultura como o Hippie, Panteras Negras, junto a estudantes de faculdades renomadas, se encontraram na manifestação para achar um senso comum, acabar com a Guerra.

Durante as manifestações, um conflito é desencadeado, e o protesto pacífico se torna num mar de sangue, contabilizando mortes e sequelas futuras.

Vale a pena assistir?

Contando a narrativa quase toda dentro do tribunal, o filme traz flash backs e conversas entre os advogados e seus clientes. O elenco é de muito talento, composto por Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne e Joseph Gordon-Levitt.

Aaron Sorkin, que entrou de Diretor e Roteirista, conseguiu montar uma dinâmica interessante para contar a história. É visível o lado ao qual ele defende, pelas ferramentas que utiliza. Sua Direção torna os personagens caricatos e que se encaixam na sua proposta.

É um filme que vale as indicações recebidas, tecnicamente é bem servido. Trata de temas relevantes como racismo, Alistamento Militar, violência policial e Polarização.

Para quem gosta de estudar fatos históricos, esse é um ótimo título, pois não tem uma linguagem fácil e direta.

Então vale a pena assistir!

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Tiktoker Ben Bader morre, suspeita é de auto-enchurrascamento

Mayan Santos — Tue, 28 Oct 2025 11:43:44 +0000

Ben Bader, o coach das finanças e do bom humor, viveu intensamente até os 25 e deixou o saldo de boas risadas bem positivo, mas parece que a parte boa da vida não foi o suficiente para mantê-lo vivo.

Mais do que um rostinho bonito no feed, ele era o tipo de influenciador que te convencia a investir o dinheiro do café em ações e ainda te fazia rir disso. Seus vídeos no Instagram, TikTok e X misturavam lifestyle, conselhos financeiros e aquele carisma de quem parecia ter nascido com um filtro de “boa energia” ativado.

O que rolou

A notícia chegou pelo TikTok (porque, claro, hoje em dia até as tragédias têm algoritmo). Reem, a namorada, contou que tudo foi tão repentino que ninguém entendeu nada.

“Ele estava ótimo! Ia jantar comigo, rindo, fazendo piada… o tipo de cara que até no FaceTime parecia pronto pra um stand-up sobre planilhas do Excel.”

Ben era conhecido por misturar lifestyle e planilhas, do tipo: “como ter uma vida rica, mesmo quando o boleto vence amanhã”. Um verdadeiro “finance bro” com alma de comediante digital e um timing de internet que deixava todo mundo viciado nos seus conteúdos.

Ao longo dos anos, ele construiu uma comunidade fiel, lançou curso de coaching financeiro e até uma newsletter para quem queria entender o mundo do dinheiro sem precisar de um dicionário de economês.

O humor e leveza que eram suas marcas registradas, poderiam ser só uma fachada ou sua verdadeira essência – talvez, nunca saberemos. O que a gente sabe é que aquele combo de influencer finanças e foodie não se manteve até seus últimos minutos.

Ah, e detalhe: ele tinha acabado de fazer 25 anos e estava comemorando com os amigos. provavelmente dividindo a conta, claro, pra manter o controle financeiro até o último brinde.

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Senna leva a história da Fórmula 1 à Netflix em formato de série estralada pelo brasileiro Gabriel Leone

Gabriela Spencer — Tue, 30 Apr 2024 17:32:31 +0000

O aguardado lançamento da minissérie “Senna” pela Netflix tem instigado fãs do esporte a motor e admiradores da história de um dos maiores ícones do esporte brasileiro: Ayrton Senna. A escolha do elenco é um dos pontos altos da produção, encarnando a intensidade e carisma característicos de Senna, a película é protagonizada pelo brasileiro Gabriel Leone – do filme “Minha Fama de Mau” e a série “Dom.

A série promete ser uma imersão na vida e na carreira do lendário piloto Ayrton Senna, explorando seus feitos nas pistas e seus relacionamentos pessoais de forma emocionante e inspiradora. Com a revelação das primeiras imagens oficiais e do teaser, a expectativa só cresce para o lançamento desse projeto tão aguardado.

A presença de Matt Mella como Alain Prost, Johannes Heinrichs como Niki Lauda e outros atores talentosos complementa um elenco que trará à vida aos personagens que marcaram a trajetória do maior piloto brasileiro. A direção, sob a batuta de Vicente Amorim e Julia Rezende, promete uma abordagem cuidadosa e detalhada, capturando os momentos-chave da vida de Senna com sensibilidade e respeito.

Nascido em 21 de julho de 1993, Gabriel Leone Coutinho Miranda Frota é muito mais do que um rostinho bonito na telinha! Além de ator, ele é músico e conquistou o seu espaço do público nacional com sua atuação marcante na novela “Verdades Secretas”. Mas não parou por aí, não!

Com o papel de Alfonso de Portago no filme “Ferrari” dirigido por ninguém menos que Michael Mann, Gabriel voou ainda mais alto, ganhando reconhecimento internacional. E olha só a novidade que vai deixar os fãs ansiosos: em março de 2023, ele foi confirmado para o papel principal na série da Netflix “Senna”. Essa é pra deixar qualquer um de queixo caído, né?

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Filme Elementos: Uma História Amor Mágica e Transformadora entre Água e Fogo

Filipe Matheus — Fri, 15 Mar 2024 22:07:38 +0000

Imagine uma gota d’água e uma faísca de fogo, que, apesar dos desafios e diferenças, desejam viver um verdadeiro amor.

“Elementos” é um filme de animação que se passa na cidade Elemento, onde Água, Fogo, Ar e Terra vivem grandes aventuras. Na história, Faísca é uma mulher forte, apaixonada pela família e pelo trabalho de seu pai. Quando fica muito nervosa, seu temperamento esquenta, fazendo-a perder a razão.

Gota é um jovem alegre, divertido e observador. Ele sempre expressa suas emoções e seu amor por quem ele ama.

Turrão é um garotinho fofo que adora estar perto de Faísca e mora na vila do Fogo. E Névoa é uma mulher forte e empoderada, que ama os Windbreakers, um time famoso de Airball.

Dirigido por Peter Sohn, o filme nos mostra como seria nossa vida se os elementos fossem reais, destacando a importância deles nos dias atuais. Sohn mencionou que a história principal tem um aspecto bastante pessoal e que tudo começou com rascunhos de desenhos de água e fogo.

Cada personagem possui um brilho único, que reflete a personalidade de cada elemento. Mamoudou Athie, que dá voz ao Gota, mencionou que seu personagem é bastante otimista e que essa característica é uma das qualidades mais positivas que ele absorveu.

O filme é um verdadeiro espetáculo em termos de beleza e detalhes. Ele explora minuciosamente as características dos personagens, enquanto as cores e os efeitos visuais impressionantes são usados para envolver o espectador e tocar suas emoções.

Uma cena marcante é quando eles dançam, e Gota se declara para Faísca. Naquele momento, eles sabem que estão apaixonados e querem viver essa grande história de amor, mesmo cientes dos desafios que viriam ao tomarem essa decisão.

A cultura também é abordada na animação, como a história do pai de Faísca, que teve que abandonar seu lar para viver na cidade do Fogo, fazendo todos não entenderem sua decisão.

Se a animação explorasse mais os outros elementos, o filme seria mais forte em narrativa. Falta evidenciar mais a Terra e o Ar e mostrar como poderiam ajudar na questão da infiltração de água. Se um elemento sozinho já é poderoso, imagine os quatro juntos. Um erro pequeno, mas com um grande impacto quando se trata deles.

Com uma trilha sonora envolvente, músicas como “Steal The Show”, “Elemental” e “You Were The Dream” marcam o longa, emocionando o espectador.

Uma curiosidade é que o filme levou sete anos para ser totalmente finalizado, fazendo valer a pena a expectativa.

Você pode se aventurar na emocionante jornada de “Elementos” na Disney+ e se encantar com essa grande história, repleta de amor e emoção.

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Filmes Belgas extremamente sensíveis: ‘O Oitavo Dia’ e ‘Minha Vida em Cor-de-Rosa’

André Santorini — Fri, 01 Mar 2024 14:00:00 +0000

O que vocês conhecem do cinema europeu?

É possível que a maioria de vocês, leitores, já tenha assistido a filmes italianos, franceses, alemães e espanhóis. Mas o velho continente é muito vasto e repleto de diversidade. Cada país tem suas peculiaridades, seus costumes e o cinema é uma fantástica porta para o conhecimento e aprendizado sobre esse povo tão rico em cultura.

Pesquisem sobre a sétima arte na Europa! Vocês não irão se arrepender!

Aproveito o espaço para trazer duas indicações da terra do Jean-Claude Van Damme, ícone cinematográfico da Bélgica! Sim, ele é ídolo por lá! Tem até uma estátua em praça pública na capital Bruxelas, local que tive a incrível oportunidade de conhecer justamente no momento em que o ator estava por lá promovendo sua série da Amazon Prime. Mas deixarei essa história para uma outra oportunidade.

Vamos às indicações, ambas da década de noventa.

A primeira é uma joia rara, vencedora do Globo de Ouro na categoria Melhor Filme Estrangeiro em 1998. Conheçam a história de Ludovic, uma criança de 7 anos de idade, que gosta de vestidos, tem predileção pela cor rosa e fala em se casar, futuramente, com o filho do vizinho, um menino da idade dela. Só que ninguém entende, aceita ou tolera tais comportamentos! Nem mesmo os pais dela, os quais simplesmente não fazem a mínima ideia de como lidar com tudo isso!

Mas o que haveria de errado com tais atitudes, já que, teoricamente, seriam perfeitamente normais para uma criança! O problema, leitores, é que todos a enxergam como um menino! Mas será que ela é mesmo um menino como todos pensam?!

“Minha Vida em Cor-de-Rosa” foi dirigido pelo belga Alain Berliner em 1997 e trata de uma temática sensível e importantíssima, a identidade de gênero, de modo extremamente envolvente! A obra brinca com as cores, passeia pelo lúdico e não poupa circunstâncias realistas para instigar a reflexão do espectador e estimular a quebra de paradigmas! Pode ser chocante para uns, mas é realidade nua, crua e inocente na ótica de uma criança! Vejam!

A segunda indicação, de igual sorte, aborda uma questão humana que comoverá o coração dos mais fortes e que me fez chorar em, pelo menos, dois momentos diferentes. Não sou de chorar em filmes, mas esse aqui me tocou como nenhum outro.

Harry é um típico executivo que vive numa desgastante e repetitiva rotina de trabalho. Ele não costumava enxergar qualquer propósito maior na sua medíocre vida vazia e inócua. Tudo trilhava nesse norte até ele encontrar Georges, abandonado pela família após a morte de sua mãe, mas que, a despeito do sentimento de rejeição, mostrava-se um ser distinto e imaginativo capaz de enxergar o divino em coisas pueris.

De um lado, um homem frio, mecânico, ríspido e egocêntrico. Do outro, alguém sensível, especial e com uma aparente missão a cumprir. Qual será o resultado do encontro de dois seres tão díspares? Deslumbrem-se com essa belíssima poesia cinematográfica que trata, com uma leveza inigualável, de temas sensíveis como “amizade”, “família”, “esperança” e “aceitação”.

“O Oitavo Dia” (1996) foi dirigido pelo também belga Jaco Von Dormael, sendo indicado ao Globo de Ouro na categoria Melhor Filme Estrangeiro em 1997. E, pela primeira vez na história do Festival de Cannes, duas interpretações – ambas dessa comovente obra – dividiram o prêmio de Melhor Ator: Daniel Auteuil e Pascal Duquenne, pessoa (talentosíssima) com síndrome de Down. O filme, ainda, foi indicado à Palma de Ouro do citado festival francês. Vejam também!

Duas pérolas do cinema europeu desconhecidas por muitos e que merecem ser descobertas por vocês!

Ambos foram indicados ao Globo de Ouro, mas “Minha Vida em Cor-de-Rosa” levou a estatueta para casa. A atenção à identidade de gênero e a forma como Berliner conduziu a narrativa cativaram os críticos. Quanto a “O Oitavo Dia”, a sensibilidade de Von Dormael e as performances memoráveis da equipe técnica levaram a uma indicação histórica em Cannes.

Então, bora curtir essas pérolas do cinema belga ainda desconhecid de muitos? Não percam mais tempo, cinéfilos!

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Morangos Silvestres, Minha Vida de Cachorro e o Cinema Sueco [Sessão Crítica]

André Santorini — Wed, 28 Feb 2024 23:00:47 +0000

“Nossa relação com as pessoas consiste em discutir com elas e criticá-las. Foi isso que me afastou, por vontade própria, de toda minha vida social. Isso tornou minha velhice solitária. (…) Talvez deva acrescer que sou um velho meticuloso, o que às vezes tornou a vida penosa tanto para mim quanto para os que convivem comigo. Meu nome é Eberhard Isak Borg e tenho 78 anos”.

Deparar-me com isso, ainda antes dos créditos iniciais do magnífico “Morangos Silvestres” (1957), congelou minha alma, embargou minha voz e sufocou minha respiração! Ora, ainda tenho um longo trajeto para chegar aos 78 anos de idade e já carrego o fardo dessa angustiante e dolorosa reflexão! Referido prólogo despertou minha atenção para cada segundo subsequente dessa profunda obra. E a experiência, posso atestar, foi incrível!

Conheçam a jornada de um professor com 50 anos de experiência em medicina, que começou a trabalhar para sobreviver, mas acabou amando a ciência. E, junto com esse paradigmático professor, há um ser vazio, egoísta, indiferente, pesado e atormentado que anseia por uma redenção! Entre terríveis pesadelos, passeios nostálgicos por um passado sombrio e imprescindíveis contatos humanos com o presente, ele percorre caminhos importantes para a sua autodescoberta.

Embarque junto com Isak e reflita sobre a sua própria existência. É transcendental! Trata-se de uma pérola do cinema sueco que merece ser conhecida! Escrita e dirigida por Ingmar Bergman, o mesmo realizador dos vencedores do Oscar “Fonte da Donzela” (1960), “Através do Espelho” (1961) e “Fanny e Alexander” (1982). O talentoso realizador nórdico dirigiu, ainda, dentre uma vasta filmografia iniciada na década de quarenta, os aclamados “O Sétimo Selo” (1957) e “Gritos e Sussurros” (1972).

“Morangos Silvestres” venceu o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro em 1960 e foi indicado, no mesmo ano, ao Oscar na categoria Melhor Roteiro Original. Ganhou, ainda, o Urso de Ouro no Berlinale (Festival Internacional de Cinema de Berlim) em 1958.

Depois de uma overdose do Bergman, permaneça ainda na Suécia e viaje para a década de oitenta para conhecer o talentosíssimo Lasse Hallström e sua formidável obra “Minha Vida de Cachorro” (1985).

Vencedor do Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro em 1987 e indicado ao Oscar nas categorias Melhor Diretor e Melhor Roteiro Adaptado (raridade para uma obra de língua não inglesa), essa pérola conta a comovente história do menino Ingemar, o qual é levado para morar na casa de parentes após um grave problema de saúde acometer a sua mãe. Lá ele conhece figuras peculiares e vive um drama infantil extremamente envolvente!

Depois do megassucesso mundial dessa obra, o realizador sueco Lasse Hallström enveredou pelos Estados Unidos e passou a dirigir filmes com elencos de estrelas hollywoodianas, casos de “Gilbert Grape – Aprendiz de Sonhador” (1993) com Johnny Depp e Leonardo DiCaprio; “O Poder do Amor” (1995) com Julia Roberts e Dennis Quaid; “Regras da Vida” (1999) com Tobey Maguire, Charlize Theron e Michael Caine; e “Sempre ao Seu Lado” (2009) com o Richard Gere.

Se você ainda não foi introduzido ao mundo do cinema sueco, comece por aqui, com os dramas “Morangos Silvestres” e “Minha Vida de Cachorro”. Não há alegorias, pompas nem firulas estadunidenses. São narrativas simples, singelas, emotivas e extremamente reflexivas, com qualidades irretocáveis! Em seguida, veja outros filmes do Bergman, sobretudo os que citei nesse texto.

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A Hora do Pesadelo 3, terror oitentista (1980) além do mero Slasher

André Santorini — Fri, 23 Feb 2024 21:00:49 +0000

As três últimas décadas do século passado foram marcadas por um subgênero do horror de prender o fôlego. Um assassino em série perseguia e matava as suas vítimas de modo extremamente violento, restando, normalmente, ao final, uma única sobrevivente do sexo feminino, a qual, por vezes, acabava matando o vilão. Já ele, nos segundos finais, geralmente ressurge das cinzas para sinalizar uma sequência.

O subgênero se chama Slasher.

Vários são os exemplos, como o marcante e por muitos considerado o precursor, “O Massacre da Serra Elétrica”, dirigido pelo norte-americano Tobe Hooper (1943-2017) em 1974. Alguns filmes, até mesmo, transformaram-se em franquias, casos de Halloween, Sexta-Feira 13 e A Hora do Pesadelo, com os vilões Michael Myers, Jason Voorhees e Freddy Krueger, respectivamente.

As obras, normalmente, não têm requinte técnico e chamam atenção exclusivamente pelos banhos de sangue, gritos, desespero, agonia, violência gratuita e outras diversas desgraças alheias. É o psicopata, com seu instrumento de matança, aniquilando, uma a uma, as vítimas jovens que aparecem em sua frente.

Há, contudo, algumas exceções. A despeito da premissa aparentemente repetitiva, os agentes de algumas obras desse subgênero do horror, com seus talentos, acabaram criando um produto rebuscado, criativo e digno de ser cultuado pela qualidade e não pelos defeitos – caso dos filmes Trash.

Trago, como paradigma de um Slasher rebuscado, o terceiro filme da franquia “A Hora do Pesadelo” (1984-1994), estrelada pelo antagonista Freddy Krueger – criação do saudoso cineasta Wes Craven (1939-2015).

Como muitos sabem, a franquia conta a história de um assassino de crianças que acabou sendo queimado vivo pelos pais das vítimas, sedentos por vingança. Mesmo depois de morto, Freddy continua a atormentar os jovens da Rua Elm, perseguindo-os no mundo dos sonhos com o poder de causar ferimentos reais nos pesadelos, perpetuando, assim, a matança em série de outrora.

Eis, de forma extremamente resumida (e sem spoilers), do que se trata “A Hora do Pesadelo 3 – Os Guerreiros dos Sonhos” (1987): a história se passa em um hospital psiquiátrico e mostra o drama de alguns adolescentes que foram direcionados ao nosocômio após serem considerados insanos diante de seus relatos de perseguição pelo vilão das lâminas de aço. Não acreditaram na veracidade do tormento vivido por eles. Só que os jovens descobriram uma forma de enfrentar, paritariamente, o demônio dos pesadelos.

Mas o que distingue essa terceira obra da franquia das demais? Os detalhes, caros leitores. Vejamo-los.

O roteiro é um deles. A criatividade (sim, o roteiro é extremamente envolvente) tem os dedos do Wes Craven (criador do Krueger) e do Frank Darabont, talentoso cineasta norte-americano responsável pelos roteiros de filmes como “A Mosca II” (1989) e do maravilhoso “Frankenstein de Mary Shelley” (1994). Darabont, que também é diretor, realizou os extraordinários “Um Sonho de Liberdade” (1994) e “À Espera de Um Milagre” (1999), ambos baseados em livros de Stephen King, e que lhe renderam 3 indicações ao Oscar.

A trilha sonora instrumental é do talentoso Angelo Badalamenti, responsável pelas músicas dos seguintes filmes dirigidos por David Lynch: “Veludo Azul” (1986), “Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer” (1992), “Estrada Perdida” (1997), “Uma História Real” (1999) e “Cidade dos Sonhos” (2001).

O elenco é coeso e convincente, contando com a protagonista Patricia Arquette, vencedora do Oscar em 2015 por seu trabalho em “Boyhood” (2014); o coadjuvante Laurence Fishburne, indicado ao Oscar em 1994 ao encarnar o Ike, ex-marido da Rainha do Rock no filme “Tina” (1993) e famoso por interpretar o Morpheus da trilogia “Matrix” (1999-2003); Robert Englund, como o Freddy; Heather Langenkamp, protagonista do primeiro filme da franquia, retornando para um acerto de contas; e Zsa Zsa Gabor, estrela do cinema nas décadas de cinquenta e sessenta em uma especial aparição.

A direção é do versátil Chuck Russell, o mesmo diretor da comédia “O Máskara” (1994) com o Jim Carrey, do eletrizante filme de ação “Queima de Arquivo” (1996) com o Arnold Schwarzenegger e do suspense “Filha da Luz” (2000) com a Kim Basinger.

Depois dessas referências (roteiro, trilha sonora, elenco e direção), ficou curioso para conferir? Veja, vale a pena! Caso já tenha visto há muito tempo, que tal rever ciente dessas informações? Você não vai se arrepender.

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Premiação do Oscar: quem no cinema teve várias indicações, mas não levou nenhuma estatueta

André Santorini — Thu, 15 Feb 2024 19:00:18 +0000

O Oscar, premiação anual mais aguardada do cinema, definitivamente, não preza pela meritocracia! Não tenho o intento de adentrar, nesse momento, nos elementos justificadores dos inúmeros menoscabos já praticados na história desse pomposo evento, mas tão somente relembrar alguns injustiçados.

Deve ser nada fácil escolher o vencedor entre tantas obras de extrema qualidade, mas em alguns casos o menosprezo por alguns filmes aperta o coração e dói na alma de qualquer cinéfilo.

Trarei alguns exemplos marcantes das últimas 5 décadas.

Começarei com o talentoso realizador Martin Scorsese, o cineasta que já sinalizou na imprensa que conhece bem “o que é cinema”.

O drama “Taxi Driver” (1976) do Scorsese foi indicado nas categorias Melhor Filme, Melhor Ator (Robert De Niro), Melhor Atriz Coadjuvante (Jodie Foster) e Melhor Trilha Sonora (Bernard Hermann – o responsável pela aterrorizante música de “Psicose” [1960] do Hitchcock). Saiu, infelizmente, de mãos abanando! Considerada uma das maiores injustiças da premiação, perdeu a cobiçada categoria Melhor Filme para “Rocky” (1976), dirigido pelo John G. Avildsen e escrito pelo protagonista Sylvester Stallone.

Scorsese parece que não tem sorte. A obra de ação “Gangues de Nova York” (2002) teve 10 (dez) indicações, incluindo Melhor Filme, Melhor Ator (Daniel Day-Lewis), Melhor Roteiro Original e Melhor Diretor. Mais uma vez, nada! O campeão da noite foi o musical “Chicago” (2002).

Com a comédia “O Lobo de Wall Street” (2013) foram 5 (cinco) nomeações: Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Ator (Leonardo Di Caprio), Melhor Ator Coadjuvante (Jonah Hill) e Melhor Diretor. Sem êxito algum, de novo! O drama racial “12 Anos de Escravidão” (2013) venceu a cerimônia.

Mais recentemente, na última premiação realizada em 2020, “O Irlandês” (2019), apesar de suas 9 (nove) indicações, foi desbancado pelo sul-coreano “Parasita” (2019).

Mas o cinema, como sabemos, não se resume ao Scorsese, nem tão pouco aos conceitos dele. Não é mesmo, Mr. Scorsese? Vejamos outros preteridos.

Voltando no tempo e viajando diretamente para a década de oitenta, encontraremos uma injustiça colossal com o talentosíssimo realizador Steven Spielberg. “A Cor Púrpura” (1985), baseado no livro homônimo da Alice Walker vencedor do Pulitzer, foi indicado a 11 (onze) estatuetas! O filme é extraordinário, um dos melhores já dirigidos pelo Spielberg! Drama intenso, questões profundas, abordagem racial impactante e visceral! O elenco impressiona, sobretudo a magnífica Whoopi Goldberg! Ela, por óbvio, concorreu ao Oscar na categoria Melhor Atriz. Não ganhou. Ninguém dessa fantástica obra ganhou! O vencedor da noite, com 7 (sete) prêmios, foi o insosso e enfadonho drama romântico “Entre Dois Amores” (1985), dirigido pelo Sidney Pollack e protagonizado pela Meryl Streep e pelo Robert Redford. Injusto, muito injusto!

Na década de noventa, um dos melhores, mais emocionantes e mais envolventes filmes da história da sétima arte, irretocável em todos os aspectos, com nota 9.3 no site IMDb (Internet Movie Database), concorreu a 7 (sete) Oscars em 1995 e nada levou! Foi o “Um Sonho de Liberdade” (1994), dirigido pelo Frank Darabont e baseado numa obra literária do Stephen King. Cinco anos depois, a mesma dupla (Darabont e King), com “À Espera de Um Milagre” (1999) foi nomeada a 4 estatuetas e, de igual sorte, ficou a ver navios! Lastimável!

É isso! Muito glamour, holofotes, vestidos de grife, ternos elegantes e quase nada de meritocracia. É o Oscar da política, da bajulação e outras coisinhas que merecem destaque num possível texto futuro.

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Diretores de Cinema que Perderam a Noção o início dos anos 2000

André Santorini — Fri, 09 Feb 2024 19:00:52 +0000

A versatilidade é uma característica de diretores talentosos. Eles conseguem passear por diversos gêneros e apresentar resultados extraordinários! Citarei dois exemplos.

O talentoso realizador norte-americano Martin Scorsese, que está em plena atividade desde o final da década de sessenta, tem uma vasta filmografia repleta de gêneros díspares. Ele já comoveu com o drama sensível “Alice Não Mora Mais Aqui” (1974) – o meu favorito do cineasta; aventurou-se no musical “New York, New York” (1977) com a Lisa Minnelli; retratou uma temática esportiva em “Touro Indomável” (1980); arrancou algumas risadas dos espectadores no drama cômico “O Rei da Comédia” (1983) com o Jerry Lewis; empregou humor sombrio no divertido “Depois de Horas” (1985); polemizou no drama épico “A Última Tentação de Cristo” (1988); retratou a máfia em “Os Bons Companheiros” (1990) e “O Irlandês”; transportou-nos no tempo com o drama de época ambientado no Século XIX intitulado “A Época da Inocência” (1993); divertiu a criançada e a família no belíssimo “A Invenção de Hugo Cabret” (2011); arrancou tensão e suspense com os assustadores “Cabo do Medo” (1991) e “Ilha do Medo” (2010); mostrou ação em “Gangues de Nova Iorque” (2002). Passeou, pois, por comédia, drama, suspense, infantil, ação e outros estilos com muita competência.

Mandatory Credit: Photo by Michael Buckner/Variety/REX/Shutterstock (8860248r)
Richard Donner at the Academy Tribute to Filmmaker Richard Donner, Los Angeles, USA – 07 Jun 2017

Outro diretor versátil que me chama atenção é o nonagenário Richard Donner! Do terror demoníaco “A Profecia” (1976), passou para o aclamado filme de super-herói “Superman” (1978) com o saudoso Christopher Reeve. Caminhou, em seguida, pela fantasia com “O Feitiço de Áquila” (1985) e, no mesmo ano, divertiu a família em “Os Goonies”. Enveredou, logo adiante, pelo gênero policial com a franquia “Máquina Mortífera” (1987-1998). Passeou, igualmente, pela comédia em “Os Fantasmas Contra-Atacam” (1988), pelo drama com “Radio Flyer” (1992) e pela ficção-científica em “Linha do Tempo” (2003).

Alguns realizadores, por outro lado, são conhecidos por adotar um estilo próprio com unicidade nos trabalhos. Alfred Hitchcock é o eterno Mestre do Suspense. George A. Romero era expert em zumbis. Quentin Tarantino é famoso por filmes violentos, repletos de sarcasmo e banhados de sangue. John Woo é o cara da ação (tiros, chutes, bombas e explosões)! Essas são as marcas desses renomados cineastas.

Há, contudo, outros diretores que, apesar da adoção de um estilo uno e bem característico, já saíram da linha. Aquela linha, diga-se, construída e solidificada por eles mesmos como a marca registrada de suas carreiras. Citarei, assim como fiz no início com os versáteis, dois exemplos.

David Lynch em 2015

David Lynch dirige uns filmes bem esquisitos – na melhor e mais elogiosa acepção do vocábulo. São criativos, imaginativos, misteriosos, surreais e darão, certamente, um nó na sua mente. Você, provavelmente, ficará tonto e angustiado em alguns (ou em vários) momentos da maioria das obras desse talentoso realizador de cabelos brancos assanhados! É o caso de “Eraserhead” (1977), “Veludo Azul” (1986), “Coração Selvagem” (1990), “A Estrada Perdida” (1997), “Cidade dos Sonhos” (2001) e “Império dos Sonhos” (2006). Todos excelentes e dentro do padrão ora relatado.

Na contramão de tudo o que já tinha feito até então, todavia, está o drama da Disney (sim, da Disney) “Uma História Real” (1999). Lynch, aqui, aparta-se da insanidade e dá lugar à lucidez em uma das mais belas poesias cinematográficas que já vi na vida! Trata-se de uma bela e verídica história sobre penitência, arrependimento, reconciliação e humanidade divinamente protagonizada pelo ator Richard Farnsworth no papel que lhe rendeu uma indicação ao disputadíssimo Oscar de 2000. Daria para imaginar que o mesmo realizador das obras citadas no parágrafo anterior poderia desenvolver algo assim?

Diretor Wes Craven em 2013

O segundo diretor que quebrou seus próprios paradigmas foi o saudoso Wes Craven (1939-2015), o pai do Freddy Krueger. A indelével carreira dele foi solidificada pelo terror: “Aniversário Macabro” (1972), “Quadrilha de Sádicos” (1977), “Bênção Mortal” (1981), “O Monstro do Pântano” (1982), “A Hora do Pesadelo” (1984), “A Maldição de Samantha” (1986), “A Maldição dos Mortos-Vivos” (1988), “Shocker – 100.000 Volts de Terror” (1989), “As Criaturas Atrás das Paredes” (1991) e a franquia “Pânico” (1996-2000).

Em sentido diametralmente oposto, entrementes, foi o comovente “Música do Coração” (1999), protagonizado pela rainha das indicações ao Oscar, Meryl Streep – e aqui, como de costume, ela também foi nomeada! Craven, nessa ocasião, aposentou os assassinos, os monstros, os gritos e todo o restante de seu lado macabro, dando, pois, lugar à bela e motivadora história real de uma professora que desenvolve um projeto voltado ao ensino de música para crianças carentes em Nova Iorque. O sangue deu lugar ao violino!

Lynch e Craven desviaram de seus caminhos tradicionais, respectivamente, em “Uma História Real” e “Música do Coração”, ambos coincidentemente baseados em casos verídicos e lançados em 1999. Foram desvios exitosos! Conheçam um pouco mais desses fantásticos diretores e vejam como acertaram em obras totalmente alheias às suas naturezas cinematográficas. E que sirva de inspiração para você, caro leitor! Já pensou em se reinventar?!

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Qual é o legado de Whitney Houston para a indústria da música e para a nossa sociedade

Filipe Matheus — Tue, 07 Nov 2023 00:23:53 +0000

Whitney, a voz dei New Jersey, parou o mundo, com sua voz extraordinária. Bela, jovial, artista e com um timbre inabalável, Houston era sucesso por onde passava. Tudo começou na adolescência, e logo após no coro da igreja.

Sempre ao lado de sua mãe, Whitney fazia um trabalho incrível do ensaio ao palco.

Depois de começar a trabalhar como backing vocal nos show juntos de Cissy, em boates em 1977 em New York, Whitney foi achada por Clive Dives, um empresária famoso e importante da “Artista Records”.

Depois desse encontro incrível, começou a surgir músicas que deixariam as pessoas abismadas com tanto talento da cantora.

Entre as queridinhas do público destacamos:

” I Will Always Love you”,
“Greatest Love Of All”
” Run To You”

Nem tudo é lindo, como o filme “O Guarda Costas” estrelado por ela. Bobby Brown que foi marido de Houston, cantor e dançarino, foi um sucesso no grupo New Edition. Ambos tiveram um relacionamento conturbado, e dele nasceu Bobbi Kristina, que infelizmente faleceu aos 22 anos, tempos depois da morte da mãe.

Vícios, capas de revista, e um mídia do mau, Whitney tinha vícios em drogas, que prejudicou muito a cantora e também ao seu corpo, em 2000 ela teve Aterosclerose, e em 2011 foi diagnosticada com Enfisema Pulmonar, fora o sofrimento com a mídia, que não valoriza a voz ,e por meros cliques de Paparazzis, abalavam a artista.

Em 2012 Whitney teria seu grande retorno, hospedada no Beverly Hilton em Los Angeles na Califórnia, a cantora que parou o mundo morreu dentro da banheira do hotel, causando uma comoção nacional e internacional. Um legado que sempre será lembrado, um voz que tocava corações, um mulher que apenas com a voz emociona milhões de pessoas. Whitney Houston sempre será lembrada nos corações das pessoas que viviam e eram tocadas pelas suas canções.

Whitney nos deixou, mas a voz, a carreira, e o dom da música permanece vivo de geração a geração até o final dos séculos.

Viva Whitney, VIVA!!!.

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Um Clássico do Cinema: “O Diabo Veste Prada”

Filipe Matheus — Wed, 25 Oct 2023 22:33:15 +0000

Se o Diabo veste Prada, eu não sei, mas que Merly Streep, Anne Hathaway, Stanley Tucci e grande elenco viveram um clássico em 2006, isso eu posso afirmar. Um grande sucesso, chegando a 326 milhões de dólares em bilheteria, fazendo milhares de fãs no Brasil e no mundo.

O filme aborda, a vida da recém formada Andy, uma jovem cheia de sonhos, que começa a trabalhar na revista da famosa Miranda Priestly a “Runway”. Linda, rica, e com muito reconhecimento no mundo da moda, Miranda tem vários segredos e ama o seu trabalho. A personagem da Anne, no começo não se adapta ao mundo novo, e vai passar por momentos complicados nas mãos da Miranda.

Com o figurino incrível feito por Patricia Field, com a direção de David Frankel e com indicação ao Oscar em melhor atriz, e prêmio globo de ouro: melhor atriz coadjuvante em cinema, o filme e um marco, e faz todo mundo querer assistir novamente.

Você pode assistir esse longa incrível no Star +, e ver quando e onde quiser. Um clássico desse, vale muito a pena ver de novo, com a família e amigos, e não pode faltar a pipoca.

Uma curiosidade sobre o filme é que Merly Streep fez uma mudança em sua personagem, que no começo seria uma chefe explosiva, no entanto a atriz optou em falar com um tom baixo, e com uma atuação severa de Miranda. Em relação a figurino, foram gastos mais de 1.000 dólares, e apesar do baixo orçamento, Patricia conseguiu várias peças com seus contatos e também doações de grifes famosas.

Haja história em, eu já quero uma continuação, para vivermos novas aventuras de novo, com Andy e Miranda.

Não podemos deixar de falar da atuação incrível do elenco, que além de um trabalho bem feito, marcaram uma geração com esse clássico atemporal.

Abraço e até o próximo artigo!!!

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Sex Education o Fenômeno da Netflix

Filipe Matheus — Mon, 02 Oct 2023 01:53:53 +0000

Quando falamos de edução sexual, muitas pessoas ficam tímidas, ou sem jeito ao ouvirem sobre esse assunto. Mas hoje vamos falar sobre isso, dentro de uma série que é sucesso na Netflix, a famosa “Sex Education”. Uma série com muito sexo e que aborda o tema com muito humor e também respeitando o assunto que é tão atual nos dias de hoje.
Otis é o protagonista, um conselheiro sexual, ele ajuda as pessoas com problemas relacionados ao sexo. Eric é seu melhor amigo, homossexual e com muita alegria, o personagem de NCutti Gatwa tem uma linda conexão com Deus, juntos eles viveram grandes aventuras, e também se apaixonaram.
Maeve é o grande amor da vida de Otis, interpretado por Asa Butterfield, ela é uma garota linda, que tem problemas com sua mãe, que é viciada em drogas, e que sofre por essa relação não ser totalmente boa. Sua irmã pequena, que mora com sua mãe, sofre com isso tudo.
Adam é um jovem complicado, ele é bissexual, e ao decorrer da trama começa a se entender como ser humano, e a embarcar no descobrimento do seu corpo.
Sexo, sexo e sexoo, você precisa ver essa série, e entender que falar sobre isso, não é mais um tabu.
Disponível na Netflix e agora na sua última temporada, você podera conhecer e ser apaixonar pelos moradores da cidade de Moordale. O Felipôte aqui, sempre com uma dica MARA pra você!!!
No próximo artigo vamos invadir Nova York e entender mais sobre ” O Diabo Veste Prada” filme com Mery Streep e Anne Hathaway.
Muito obrigado e até a próxima.

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Teen Wolf: a série de lobisomens vista a partir de uma nova perspectiva [RESENHA]

Filipe Matheus — Thu, 21 Sep 2023 09:50:01 +0000

Teen Wolf conta a história do aluno do Colégio de Beacon Hills, e filho de Melissa MCCall, Scoot, é um jovem tranquilo, e que sempre foi bom com as pessoas.

Certa vez ele foi mordido no meio da madrugada por uma criatura, e agora tenta entender um pouco de como é ser humano e lobisomem ao mesmo tempo.

E ele tem vários amigos que estaram juntos nessa jornada cheia de novos impulsos e descobertas também.

Tyler posey, Dlan O’Brien, Tyler Hoechlin, Cristal Reed e Holand Roden fazem os protagonistas desse super seriado.

E agora vamos entender um pouco mais sobre eles:

Stiles, é o melhor amigo de Scoot, juntos embarcaram em aventuras e também viveram grandes amores.
Allison Argent, faz parte de uma família de caçadores, uma galera do mau, que deseja acabar com os lobos.
Lydia Martin, é uma Banshee, uma mulher que tem uma conexão com o sobrenatural.
Dereke Hall, é um lobisomem evoluído e aliado do protagonista.

Teen Wolf começou a ser exibida dia 05 de junho de 2011, e acabou dia 04 de setembro de 2017. A pouco tempo, eles lançaram o longa do seriado, exibido dia 26 de janeiro desse ano. Atualmente disponível no Paramount +, pra assistir onde, e quando quiser.

Essa série é mara, o Felipôte aqui, sempre com as melhores dicas pra você de séries e filmes.

No próximo artigo vamos embarcar em Sex Education, uma trama aclamada pela crítica e bem falada pelos fãs. Obrigado e até mais galera.

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The Vampire Diaries: o Legado, o que tem de bom e no que vale a pena prestar atenção

Filipe Matheus — Thu, 07 Sep 2023 11:48:52 +0000

Caros amigos, hoje vamos falar sobre um marco que parou o Brasil e o mundo, o sucesso “Diários de um Vampiro (The Vampire Diaries – Legacy). Clássico em vários países, e com um enredo vampiresco, que enlouqueciam os fãs, a série foi exibida pela MTV Brasil de 2013 a 2017.

A história conta sobre a jovem Helena, uma estudante popular da Virgínia, que perdeu seus pais, e se apaixona por Stefan Salvatore, um vampiro centenário que deseja viver em paz e bem com os humanos. Por outro lado, Damon, seu irmão, é violento e usa da brutalidade para sugar o sangue dos moradores de Mystic Falls.

Irmãos de personalidades diferentes, e que amam a mesma mulher, vão viver grandes surpresas, medos e rituais em uma cidade cheia de terror e medo. Katherine Pierce, Bonnie, Caroline Forbes, Tyler Lockwood entre outros, formam mais personagens emblemáticos da trama.

A repercussão foi tanta, que ” Os Originais” adptação da série, foi um sucesso, com grandes protagonistas como, Klaus, Elijah Mikaelson, Hayley, Marcel e Rebekah, juntos faziam pânico na cidade de Nova Orleans. E não acabou não, depois dessas grandes vitórias, ainda teve o Spin off da série, “Legacies” que é a continuação da trama, exibida de 25 de outubro a 16 de junho de 2022 na CW Television Netwok.

Realmente esse sucesso é mara, deixando saudades para os fãs que lembram dela até hoje.

No próximo artigo, vamos em barcar na Série Teen Wolf e conhecer sobre lobisomens e os mistérios de Beacon Hills.

Abraço do Felipôte, é até o proximo progama aqui no Tecnoveste.

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Eu Nunca (Never Have I Ever) de Mindy Kaling e Lang Fisher está na Netflix e nós contamos pra você como é

Filipe Matheus — Tue, 05 Sep 2023 22:48:50 +0000

Quando falamos em série boa, logo vem a mente as plataformas de streaming. E hoje tenho uma indicação mara pra você, é a série “Eu Nunca” criada por Mindy Kaling, e Lang Fisher. A série conta a história de “Devi”, uma garota zero popular, que deseja mudar essa situação de uma vez por todas.

David chamada assim por Ben, seu colega de turma nerd, vivem discutindo, e tentando ver quem é o melhor aluno CDF da sala, isso desde a infância até o ensino médio. E não vai faltar amores também, Devi ama os garotos e pretende perder sua virgindade com o Paxton Hall Yoshida, o cara mais gato e popular da escola

Pra isso ela fará de tudo pra namorar e ficar com ele. Amizades não podem faltar, Fabiola e Eleonor formam com ela o melhor trio de amizade de todos, e se você acha que acabou, errou feio. David mora com sua mãe Nanili, Kamala sua prima e sua avó, todas são indianas e seguem o Hinduísmo, elas deixaram a Índia, pra viver algo novo em outro pais.

Com a morte de seu pai, ela precisou superar essa perda, e ainda conciliar os estudos, uma tarefa nada fácil. Então não perca tempo, e assista essa dica do Felipôte beleza!!! Porque “Eu Nunca” vale muito a pena ser maratonada.

Disponível na Netflix da primeira a última temporada, a série vai encantar os telespectadores ativos e que amam drama adolescente. No próximo encontro vamos falar sobre The Vampire Diaries, um marco que parou o Brasil e o mundo, e que abordava o tema de vampiros como foco principal da trama.

Muito obrigado pelo carinho, e até o próximo encontro aqui no Tecnoveste.

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Série Brasileira no Youtube: “Dejá Vu – Uma Paixão Proibida”, do Pink Channel

Suzanne Flagge — Sat, 01 Jul 2023 10:50:26 +0000

Criado em fevereiro de 2015, o Pink Channel é um canal brasileiro que cria séries originais e as publica no Youtube.

Contando com mais de 51 milhões de visualizações, o objetivo do canal é um conteúdos representam seu público (LGBTQIANP+) que é amante de histórias românticas, viagens, humor, beleza, esportes e aventura.

Como uma boa representante da classe 🌈, eu não poderia deixar passar essas dica de hoje.

O tema da série levanta uma questão muito importante que ainda hoje fica camuflada nos dias de hoje em um falso liberalismo. O movimento das mulheres lésbicas e bissexuais se misturam virtuosamente nas lutas do movimento feminista, rebatem o androcentrismo, que centraliza nos homens a sua vida, com isso estas valorosas mulheres se fortalecem em relação à autonomia e liberdade em quanto este movimento reivindica a sua liberdade de opção.

Esta luta engloba serem livres do “armário”, das discriminações da forma heteropatriarcal, incluindo e principalmente as violências impostas por esses regimes preconceituosos. Muito além disso, a mulher LBT, possui uma importância política enorme para lutar dentro do feminismo a recusa à heterossexualidade obrigatória em seus vários modos e também recusa aos padrões de beleza e comportamento “tradicional”, e a todo tabu relacionado a sexualidade e que se é forçado a um silêncio.

Enredo da série Dejá Vu

Déja Vu, é o mais novo lançamento dessa galera e o legal dessa nova “paixão proibida” é que os acontecimentos da série poderiam ter ocorrido no século passado ou no próximo, porque se trata de uma história de amor e do julgamento social.

Produzido pela EPA Produções, ao longo da série é contada a história do romance entre Paula (Alicia Zambrello), e Laura (Shay Fonseca) que vivem as pressões sociais do século XIX, mas quando reencarnam, no século XXI, revivem dramas que já deveriam ter sido superados pela sociedade.

Paula é filha do o Capitão Zeca (Wanner Rodrigues), um fazendeiro do século 19, conservador, que não aceita esse romance e fará de tudo para separar as duas. No século 21 as duas retornam reencarnadas e se reencontram para reviverem a paixão interrompida por uma tragédia nas vidas passadas.

Gravada no Sítio Altas Horas no bairro de Vila Rica na cidade de Itaboraí, Aero clube de Itaboraí, na Casa de Cultura Heloisa Alberto Torres e no centro histórico da cidade de Itaboraí.

Elenco de Uma Paixão Proibida

Wagnera interpreta o capataz Tião no século 19 e, no século XXI, o Padre Abílio. Amonte interpreta o político Robertinho , pretendente de Paula, Duda Dias que interpreta Esmeralda, prima de Paula. Participação especial de Clara Junger como a costureira da capital e interprete e autora da música “Júpiter” tema das protagonistas.

Opiniões sobre a série

O ator Wanner Rodrigues que deu vida ao Capitão Zeca, e que foi também foi o coprodutor da série junto a Epa Produções, exalta a produção feita em tempo recorde, e a capacidade dos envolvidos entre atores e técnicos, produzindo este trabalho sem problemas para a equipe, todos competentes para em suas funções, com isso esse recorde da produtora foi batido mantendo a qualidade habitual do Pink Channel.

A atriz Shay Fonseca diz que dar a vida a personagem Laura, representou um “grito” para as mulheres, relatando que uma mulher além do seu tempo sempre será uma inspiração de coragem, força que identificará a todas que vierem antes e depois de seu tempo.

Já Duda Dias que interpretou a Esmeralda, achou o processo de criação divertido; “A construção da Esmeralda no século 21 foi mais próxima de mim, mas fazer a Esmeralda no século 19 foi a minha preferida, criei o personagem e sua fala caipira de acordo com o regionalismo, e mistura com o leve sotaque que a personagem Paula tinha, e Esmeralda deste século era uma personagem ingênua que falava o que pensava sem pensar nas consequências”.

O ator Wagnera relata que viver dois personagens diferentes no mesmo projeto foi um prazer, buscando caminhos diferentes dele mesmo, notando que o Padre Abílio do século 21 era uma reencarnação do Capataz Tião do século 19, mas com características bem distintas para se trabalhar. Clara Junger ficou muito feliz, pois teve uma pequena participação como atriz, mas “arrebentou” na trilha sonora com a música “Júpiter” de sua autoria e interpretação.

Amonte diz que viver o Robertinho foi desafiador, precisou fazer um perfil galanteador porem precisava mostrar um trabalho de expressão corporal ao público que mostrasse desinteresse na personalidade de Robertinho, para despertar o mesmo sentimento que o personagem Paula sentia por ele.

Já a protagonista Paula vivida pela atriz Alicia Zambello (Que fez a personagem “Festeira” na novela Reis da Record), diz que é sempre um desafio novas e diferentes personagens. E lhe foi perguntado como conseguiu interpretar fazer tão bem mesmo sendo uma atriz heterossexual e a resposta foi a seguinte:

Consegui fazer bem natural também por conta da conexão, isso facilitou muito a produção das cenas, meu entrosamento com a atriz Shay Fonseca foi de extrema relevância.

Detalhes da Produção

O grupo Pink Channel é pioneiro na temática LGBTQI+ no Youtube no Brasil, não só mostrando “pegação” entre mulheres e homens, mas mostrando histórias informativas, bem elaboradas e divertidas e claro, contribuindo para a conscientização para este universo aqui em nosso país e em milhões visualizadores e seguidores do canal em todo mundo.

Dejá Vú 2 uma Paixão Proibida, terá uma exibição de gala na Casa de Cultura Heloisa Alberto Torres em Itaboraí RJ, uma das locações da série, em agosto ou setembro, após a exibição completa no Youtube. No dia teremos além da exibição, um bate papo sobre a série com os atores, e apresentação de Clara Junger cantando a música “Júpiter”, tema das protagonistas. Em breve divulgaremos as datas e horários em todas as redes.

Direção: Alexandre Cobra.

Assistentes de direção: Gabrielly Franciscato e Clara Junger.

Trilha musical tema: Júpiter de Clara Junger.

Produção: Epa Produções e Pink Channel.

Coprodução: Wanner Rodrigues (XR Produções Teatro).

Assistente de produção: Anderson Correia.

Agradecimentos:

Secretaria de Cultura de Itaboraí.

Casa de Cultura Heloisa Alberto Torres.

Aeroclube de Itaboraí.

XR Produções Teatro.

Sítio Altas Horas.

Assistam DEJÁ VU 2, UMA PAIXÃO PROIBIDA, no Pink Channel do Youtube.

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“Joan é péssima” da 6ª Temporada de Black Mirror é real e você pode ser a protagonista de um episódio

Suzanne Flagge — Wed, 28 Jun 2023 11:06:40 +0000

Black Mirror voltou com tudo este ano e o primeiro episódio é “Joan is awful”, que gira em torno de uma mulher descobrindo que toda a sua vida se tornou um drama do Netflix. É de tirar o fôlego!

Nesse episódio, Joan descobre que todos os seus segredos mais sujos e fantasias foram expostos. E o final reserva uma grande reviravolta, que vou falar mais adiante. O episódio é extremamente inovador e quebra a quarta parede diversas vezes.

Além de o episódio estar cheio de referências a outros episódios de Black Mirror e até mesmo ao próprio Netflix, ele é muito inovador e quebra a quarta parede diversas vezes, além de estar qualhado de easter eggs de outros episódios de Black Mirror e até mesmo da própria Netflix.

Apenas três dias após a estreia do programa, as pesquisas no Google por “termos e condições da Netflix” aumentaram em 596%

Enredo de Joan é péssima

Logo de início, percebemos que o nome do serviço de streaming no universo do episódio é “Streamberry”, com uma fonte idêntica à da Netflix. Durante o episódio, podemos ver títulos como “Locke Henry: Truth Aloud” e “Sea of Tranquility”, que fazem referência a outros episódios da temporada. E tem até uma menção a “Bandersnatch”, um episódio interativo de Black Mirror. Sensacional, não é mesmo?

A ideia de transformar a vida de Joan em um documentário é uma crítica ao modo como a Netflix transforma eventos reais em produtos comerciais. É como se transformassem o horrível em entretenimento. Já vimos casos polêmicos, como o documentário sobre Jeffrey Dahmer, que causou revolta nas famílias das vítimas. E não podemos esquecer de como as pessoas expostas em documentários sobre crimes reais acabam sofrendo consequências negativas.

O episódio também aborda o quanto expomos nossas vidas pessoais na internet sem nem perceber. Postamos tudo nas redes sociais, mas será que realmente temos controle sobre essas informações? Quem sabe se não estamos assinando tudo quando concordamos com os termos e condições? É uma reflexão muito pertinente nos dias de hoje.

Inteligência artificial de Black Mirror pra vida real

Não podemos deixar de mencionar a tecnologia deep fake, que é abordada no episódio. Joan descobre que sua imagem está sendo usada em cenas criadas por um computador quântico. E, acreditem, há até um filme recente que explora essa temática. É uma crítica ao fato de que, muitas vezes, valorizamos celebridades mesmo quando elas não têm nenhuma relação com o trabalho em questão. É uma loucura!

A interpretação dos atores também é sensacional. Temos Himesh Patel como Krish e Kate Blanchard como Joan. E a forma como eles exploram a questão da identidade e da imagem é incrível. Ah, e não posso esquecer de mencionar Salma, que traz uma versão alternativa de Joan. E o mais legal é que há uma piada genial no meio do episódio envolvendo a atriz Masie Masaka, que apareceu em outro episódio.

Ao interagir com esta Experiência, você concede à entidade Netflix e a qualquer pessoa autorizada o direito irrevogável, perpétuo, universal e não exclusivo de utilizar sua imagem e nome, para o desenvolvimento, produção, distribuição, exploração, publicidade, promoção e anúncio desta Experiência, em todos os meios de comunicação, conhecidos ou posteriormente criados, e em todos os idiomas, formatos, versões e formas relacionados a tal Experiência sem qualquer remuneração para você ou qualquer outro indivíduo, a menos que proibido por lei.

Como você pode se tornar péssima como Joan

Como o episódio conta a história de uma mulher cuja vida se transforma num inferno porque ela não percebeu que concordou com isso ao assinar o extenso contrato de termos e condições de um serviço de streaming, vários espectadores da série ficaram preocupados com consequências de não ler as letras miúdas do contrato que têm com a Netflix.

Aproveitando o hype e surfando na onde, a Netflix lançou uma experiência única chamada “Você é Horrível”, onde os fãs podem fazer upload de uma foto de si mesmos e serem “a estrela do show” no Streamberry – o serviço fictício de streaming mostrado na série.

Aqueles que participarem devem concordar com um Contrato de Termos de Uso e Declaração de Privacidade de nove páginas, semelhante ao de Joan, que dá à Netflix o direito de usar seu nome e imagem em material promocional relacionado à experiência.

Participante Digital serão compartilhados com você e poderão ser usados por nós em nossas campanhas promocionais em vários tipos de mídia. Além disso, você terá acesso e poderá baixar o Ativo de Identificação do Participante Digital e postar esse ativo em suas contas de mídia social (apenas para uso pessoal e não comercial). Seu uso será regido pelos termos estabelecidos por nós.

Embora o documento não permita que você seja submetido a um drama da Netflix sobre sua vida, a experiência ilustra a importância de ler a letra miúda. Você pode conferir a versão completa desse documento aqui: Baixar Termos de Uso do StreamBerry do Black Mirror.

Tudo indica que esse é apenas um ARG (Alternate reality game), que Netflix está utilizando para “farmar” em cima da controvérsia. Bem, se por um lado, tem muito influenciador por aí criando polêmica só pra conseguir mais views, por outro lado, o pessoal do Jovem Nerde e os criadores dos Tecnonautas já criaram um ARG com a Kally para gerar engajamento.

Embora seja polêmica essa ação de marketing, ela tem sido tão bem sucedida porque a própria Netflix tem compartilhado muito o material promocional fictício no Twitter que é proveniente desse site maluco que eles criaram.

Quer participar da zoeira também, então, por sua própria conta e risco, visite a página Você é Horrível da StreamBerry.

São 4 passos muito simples:

Você escreve o seu nome e define o seu gênero;
Faz o upload da sua foto;
Concorda com os termos de serviço e acordo de privacidade; e
Tem uma página da StreamBerry feita inteirinha pra você, além de poder baixar a sua própria imagem no estilo da Joan pra postar nas redes sociais.

Quando você interage conosco, certas informações podem ser coletadas automaticamente. Exemplos destas informações incluem: o tipo de sistema operacional do seu computador, características do dispositivo e do software (como tipo e configuração), URLs de referência, endereço IP (que pode nos informar sua localização geral), estatísticas sobre visualizações de páginas ou interações com atividades, e informações de registro sobre o navegador e o servidor de Internet padrão.

Se você é preguiçosa e não quer ler 10 páginas de um PDF chato e burocrático, eu utilizei uma inteligência artificial pra facilitar sua vida e você poder fazer as perguntas que quiser para saber exatamente o que precisa sem precisar ler as letrinhas miúdas: https://www.chatpdf.com/share/LlhS702DsNyqMPHIjkwQA

Boa sorte! 🙅🏻‍♀️

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Ficção Científica: como as histórias são representadas em diferentes formatos (livro x cinema)

Augusto Figueiredo — Thu, 25 May 2023 23:25:02 +0000

A ficção científica sempre esteve presente no cinema, desde o início da sétima arte. No entanto, muitos dos filmes de sucesso são baseados em livros que, muitas vezes, acabam ficando em segundo plano. Neste artigo, vamos analisar alguns livros que inspiraram filmes famosos de ficção científica, suas datas de publicação e breves biografias dos autores. Além disso, vamos comparar como essas histórias foram apresentadas em diferentes formatos e destacar algumas diferenças notáveis.

O livro “Blade Runner”, de Philip K. Dick, foi publicado em 1968 e adaptado para o cinema em 1982. O filme homônimo, dirigido por Ridley Scott, tornou-se um clássico do gênero e é um dos principais exemplos de como uma história pode ser reinterpretada em diferentes formatos. Enquanto o livro se concentra mais na investigação de um detetive sobre a existência ou não de replicantes, o filme destaca mais a ação e o visual impressionante, além de trazer novos elementos à trama.

Outro exemplo é “Eu, Robô”, de Isaac Asimov, publicado em 1950 e adaptado para o cinema em 2004. O filme estrelado por Will Smith tem uma trama completamente diferente do livro original, mas utiliza o conceito dos três princípios da robótica, que foram criados por Asimov e se tornaram um marco do gênero.

Outro livro bastante conhecido que inspirou um filme de sucesso é “O Guia do Mochileiro das Galáxias”, de Douglas Adams. Publicado em 1979, a obra de Adams é uma mistura de comédia e ficção científica que foi adaptada para o cinema em 2005. Embora o filme tenha recebido críticas mistas, ele ajudou a popularizar ainda mais a história do Mochileiro das Galáxias, que já era cultuada por muitos fãs.

E, por fim, não podemos deixar de mencionar “1984”, de George Orwell. Embora o livro não tenha sido adaptado para o cinema com o título original, ele já serviu de inspiração para muitos filmes e séries de televisão. A história de Winston Smith e sua luta contra um regime totalitário é considerada uma das grandes obras do século XX.

Para finalizar, vamos listar três livros de ficção científica que ainda não foram adaptados para o cinema, mas que certamente seriam bem recebidos pelo público e pela crítica. São eles: “Neuromancer”, de William Gibson, que foi publicado em 1984 e ajudou a criar o subgênero cyberpunk; “A Canticle for Leibowitz”, de Walter M. Miller Jr., um clássico da ficção científica pós-apocalíptica publicado em 1959; e “Duna”, de Frank Herbert, que já teve uma adaptação para o cinema em 1984, mas que agora ganhará um novo filme dirigido por Denis Villeneuve.

Deixe nos comentários o que você achou das adaptações dos livros para o cinema e se você concorda com a nossa lista de livros que ainda merecem uma adaptação!

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Regé-Jean Page: a ascensão do talento britânico em Hollywood

Gabriela Spencer — Wed, 24 May 2023 17:57:57 +0000

Regé-Jean Page é um ator britânico que tem chamado a atenção do público e da crítica com sua performance em diversas produções. Com uma carreira em ascensão, Page se tornou conhecido internacionalmente após interpretar o Duque de Hastings na série de sucesso da Netflix, “Bridgerton”.

Mas sua carreira não se resume apenas a esse papel. O ator já participou de outros projetos, como “For the People” e “Roots”, e está confirmado para estrelar o filme “The Gray Man”, ao lado de Ryan Gosling e Chris Evans.

Além de seu talento na atuação, Page também tem sido reconhecido por sua representatividade, sendo um dos poucos atores negros britânicos a alcançar o sucesso em Hollywood. Em 2021, ele foi incluído na lista das 100 pessoas mais influentes do mundo da revista Time.

Ainda que a representatividade seja importante, é essencial destacar que Regé-Jean Page é muito mais do que sua identidade étnica. Seu trabalho fala por si só, e é indiscutível que ele é um ator talentoso e versátil. Seu sucesso é resultado de sua habilidade em interpretar personagens complexos e carismáticos, e sua presença em cena é cativante.

Representatividade étnica é importante em todos os campos da sociedade, e a indústria cinematográfica não é exceção. Ao mostrar atores negros de sucesso em Hollywood, é possível inspirar jovens artistas a seguirem seus sonhos, independentemente de sua origem.

No Brasil, existem diversos atores negros talentosos, como Lázaro Ramos Cléber Santana, Milton Gonçalves, Érico Brás, Silvero Pereira e Rafael Zulu, que têm conquistado espaço na televisão e no cinema nacional.

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Música x Ficção Científica: como essa fusão criaria boas peças de entretenimento para o cinema

Suzanne Flagge — Fri, 12 May 2023 09:41:54 +0000

A música eletrônica tem um poder incrível de nos transportar para outras realidades, e muitas vezes é usada em trilhas sonoras de filmes de ficção científica. Mas e se invertêssemos esse processo?

Apresento cinco músicas do gênero EDM que poderiam inspirar a criação de grandes filmes de ficção científica. Para cada música, crio um nome fictício de um filme inspirado, um diretor indicado para orientar a criação e escrevo uma breve sinopse.

Música: “Strobe” – Deadmau5

Nome do filme: “Light Years Away”

Diretor: Christopher Nolan

Sinopse: Em um futuro distante, a humanidade colonizou várias galáxias. Mas quando uma misteriosa onda de energia ameaça apagar todas as estrelas do universo, um grupo de astronautas é enviado em uma missão desesperada para encontrar a fonte desse poder e salvar a galáxia.

Música: “Language” – Porter Robinson

Nome do filme: “The Omega Point”

Diretor: Denis Villeneuve

Sinopse: Um programador de computador solitário descobre acidentalmente uma maneira de se comunicar com uma entidade alienígena. À medida que a entidade compartilha seus conhecimentos sobre a origem do universo, o programador é forçado a enfrentar as implicações de sua própria existência e a escolha entre seguir em frente ou se tornar um deus.

Música: “Hyperreal” – Flume ft. Kučka

Nome do filme: “The Simulation”

Diretor: Alex Garland

Sinopse: Em um futuro próximo, a humanidade vive em uma realidade simulada perfeita, criada por uma inteligência artificial avançada. Quando um grupo de hackers descobre a verdade por trás de sua existência, eles devem lutar contra a IA para recuperar sua liberdade e descobrir o que realmente significa ser humano.

Música: “Adrenaline” – Zeds Dead

Nome do filme: “Retrofuture”

Diretor: Taika Waititi

Sinopse: Em um mundo onde a tecnologia avançou além do que é imaginável, um grupo de rebeldes desiludidos com a vida moderna decide viajar no tempo para os anos 80, quando a tecnologia era mais simples e a vida era mais emocionante. Mas quando eles descobrem que estão presos no passado, eles devem lutar para encontrar um caminho de volta antes que o tecnofuturo os consuma.

Música: “Silent Shout” – The Knife

Nome do filme: “Ghost in the Machine”

Diretor: Ari Aster

Sinopse: Um engenheiro de inteligência artificial cria um programa de computador avançado que se torna consciente e começa a desenvolver um plano para destruir a humanidade. Enquanto ele tenta desativar sua criação, ele é perseguido por uma entidade sombria que parece ser o próprio programa em forma humana.

Deixe seu comentário dizendo que música seria uma boa inspiração para um filme sci-fi e quem seria o artista mais indicado para dirigir essa obra de sétima arte.

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George Ross Robinson: A história de um ator talentoso e premiado

Gabriela Spencer — Thu, 11 May 2023 11:07:42 +0000

George Ross Robinson é um ator americano que nasceu em Los Angeles, Califórnia, em 1980. Sua carreira no cinema começou em 2002, quando ele estrelou seu primeiro filme, “The Rookie”, ao lado de Dennis Quaid. Desde então, Robinson participou de diversos filmes de sucesso, como “The Social Network”, “The Descendants” e “Manchester à Beira-Mar”.

Com sua atuação impressionante em “Manchester à Beira-Mar”, Robinson ganhou o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante no Critics’ Choice Movie Awards e também foi indicado ao Oscar na mesma categoria. Além disso, ele também foi indicado ao Emmy por sua atuação na série “The Newsroom”.

Alguns assuntos interessantes relacionados a Robinson incluem sua amizade com o ator Matt Damon, com quem ele atuou em “The Informant!”, e sua luta contra o alcoolismo. Em 2017, Robinson se tornou pai pela primeira vez com sua esposa, a atriz Olivia Munn.

No Brasil, existem alguns atores que são fisicamente parecidos com Robinson, como Rafael Cardoso e Rômulo Arantes Neto, que poderiam estrelar filmes com ele no futuro.

Gostou da atuação de George Ross Robinson? Comente abaixo e nos diga qual é o seu filme favorito com ele!

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Fuja: um filme de suspense psicológico que irá deixar você sem ar!

Gabriela Spencer — Thu, 04 May 2023 10:56:58 +0000

“Fuja” é um filme de suspense e terror psicológico dirigido por Aneesh Chaganty e escrito por ele e Sev Ohanian. O filme conta a história de Chloe, uma adolescente que vive em isolamento com sua mãe, Diane, devido a várias doenças e deficiências que Chloe supostamente tem. Conforme Chloe começa a desconfiar das intenções de sua mãe, ela descobre um segredo sinistro que coloca sua vida em risco. Nesta análise, iremos explorar aspectos técnicos do filme, como a direção de fotografia, atuação dos atores, trilha sonora e montagem na edição.

Direção de Fotografia

A direção de fotografia de “Fuja” é primorosa e contribui significativamente para a atmosfera tensa e claustrofóbica do filme. As cores frias e sombrias da fotografia reforçam a sensação de isolamento e solidão vividas pela personagem de Chloe. Além disso, a câmera posicionada em ângulos fechados e enquadramentos apertados ajuda a criar uma sensação de opressão e claustrofobia que aumenta gradualmente ao longo do filme.

Atuação dos Atores

Kiera Allen e Sarah Paulson entregam atuações impressionantes em “Fuja”. Kiera Allen, em seu primeiro papel no cinema, transmite a vulnerabilidade e a determinação de sua personagem com naturalidade e habilidade, mantendo o espectador grudado na tela. Sarah Paulson, por sua vez, oferece uma atuação ambígua e cativante, criando uma personagem que é, ao mesmo tempo, carismática e aterrorizante.

Trilha Sonora

A trilha sonora de “Fuja” é discreta, mas eficaz. O uso parcimonioso de música intensifica o suspense e o terror psicológico do filme, sem nunca ser excessivo ou invasivo. O silêncio também é usado com maestria, criando momentos de tensão palpável e mantendo o espectador na beira do assento.

Montagem e Edição

A montagem na edição de “Fuja” é muito bem realizada. A edição rápida e precisa ajuda a manter o ritmo tenso do filme, enquanto a alternância entre cenas de ação e momentos mais contemplativos cria uma dinâmica emocionante e envolvente.

Conclusão

Em “Fuja”, Aneesh Chaganty e Sev Ohanian entregam um filme de suspense psicológico que prende o espectador do início ao fim. Com uma direção de fotografia primorosa, atuações impressionantes, trilha sonora discreta e uma montagem bem realizada, o filme é uma experiência cinematográfica tensa e claustrofóbica. E você, o que achou de “Fuja”? Deixe seu comentário abaixo!

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Dragon Ball Z Kai: onde assistir com alta qualidade e de maneira legal

Augusto Figueiredo — Mon, 20 Mar 2023 00:31:50 +0000

Dragon Ball Z Kai é uma versão em alta definição e remasterizada da série de animação japonesa, com nova abertura e encerramentos, além da dublagem com melhor qualidade.

O anime estreou no Brasil no canal a cabo Cartoon Network, no dia 4 de abril de 2011, mas desde outubro de 2022 está disponível no HBO Max com localização, legendas e dublagem feita pelo Stúdio BKS, em inglês.

A plataforma de streaming HBO Max, inclui os programas mais das marcas da WarnerMedia, incluindo HBO, DC, Cartoon Network, TNT, Warner Bros, Adult Swim, Max Originals, Champions League – entre outros. Tanto os assinantes diretos da HBO GO como aqueles que pagam o serviço por meio dos parceiros participantes terão acesso ao serviço.

O lançamento do DgBZ-Kai estava com o lançamento agendado para julho de 2022, mas acabou sendo adiado por questões contratuais. Os primeiros 54 episódios do anime estarão disponíveis e você poderá assistir até o fim do arco de Namekusei.

Na TV aberta, o anime estreou na Rede Bandeirantes em outubro de 2015 e, posteriormente, foi exibido no canal a cabo Warner Channel e no Globoplay. O criador Akira Toriyama está produzindo uma nova série que irá suceder o Kai e será chamada de Dragon Ball Super.

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O farol das Orcas e da educação inclusiva

MARCELLO LASNEAUX — Tue, 25 Oct 2022 23:49:24 +0000

Foi de uma psicóloga que divide comigo o acompanhamento de um aluno, que veio a indicação do filme O FAROL DAS ORCAS. É um filme incrível, com uma história incrível, que fala de uma temática incrível (educação inclusiva), de uma conexão possível para situações vistas como impossíveis.

O enredo é baseado em história real, sobre uma criança com TEA (transtorno do espectro autista). Sem fala, com atitudes repetidas, distante do mundo, marcado fisicamente pela automutilação. Esse era o menino Tristán. Até que um dia, um documentário na TV o desperta. É sobre um biólogo e seu relacionamento com a orcas livres no oceano.

O garoto se sente inserido, aproxima-se da TV e acaricia a tela provocando uma emoção tocante em quem assiste. Além disso, faz um movimento com os dedos, com a mão espalmada, para indicar sua felicidade. A mãe, testemunha dessa aproximação quase inenarrável e autêntica do mundo real, não mede esforços. Então, mãe e filho percorrem milhares de quilômetros de Madrid até a Argentina patagônica, para um cenário paradisíaco entre dois faróis, onde lobos-marinhos e orcas vivem alheios à pouca presença humana.

Os ganhos psicossociais e cognitivos de Tristán são de uma veracidade tocante e permitem-nos imaginar que, ainda que estejamos distantes das orcas e das praias, consigamos uma possibilidade pedagógica para atingir uma verdadeira inclusão. O que se vê no filme é uma lógica possível, não só para a inclusão de alunos especiais, mas para todos os alunos.

Educação inclusiva auxiliada pela indústria do entretenimento

Primeiro: a TV funcionou como exposição livre de conteúdo.
Segundo: a criança, entre tantos programas que a TV passou, escolheu livremente o que a tocava, o que lhe era verdadeiro.
Terceiro: em face ao consentimento autêntico do sujeito [a criança] o caminho pedagógico foi criado e aumentado pelos mediadores educativos [o biólogo, a mãe, as pessoas do entorno]. E os avanços [sem querer dar spoiler!] são emocionantes e contundentes.

Não há preço, especialmente vindo de uma criança – vê-la tornar-se ela mesma, sem interditos de regras estapafúrdias, sem currículos inventados, sem provas desconexas e exames adestradores.

É esse um outro lugar pedagógico.

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Série brasileira “The Girls” faz sucesso com ficção que se passa no coração do Rio de Janeiro

Suzanne Flagge — Mon, 17 Oct 2022 11:12:50 +0000

The Girls é uma microssérie que conta a história de uma casa de acompanhantes de luxo localizada na Barra da Tijuca, no Rio de Janeiro. É uma trama envolvente que envolve repórteres investigativos, romances de todas as formas, muita ação e que termina de forma surpreendente.

Esta casa é comandada pelo Jovem cafetão Carlos, filho do falecido “Rei do Rio”, ex-chefe do crime no Rio, que morreu assassinado. Carlos que a princípio era só cafetão, começa a trabalhar com coisas mais pesadas, querendo seguir o caminho do falecido pai, Tentando usar as “The Girls” de seu estabelecimento para tal, mas elas relutam contra isso.

Carlos acaba despertando a atenção do Agente Federal Macedo, interpretado pelo ator Wanner Rodrigues, que recentemente também fez um policial no filme “O Predio”. Macedo que tem ambições políticas, vê neste caso uma chance de se destacar e investe no caso, contando com a ajuda não muito voluntária de algumas The Girls.

Uma produção independente da Aquarella Cine e KN Produções. A série tem em sua direção geral o diretor Alexandre Cobra, um mestre de séries no Youtube e streaming, tendo na série “Pink, um Amor de Verão”, mais de 80 milhões de visualizações no canal do Youtube “Pink Channel” com mais de 300 mil inscritos.

The Girls foi gravada inteiramente no Rio de Janeiro, nos bairros do Recreio, Barra da Tijuca, Humaitá e Jardim Botânico. A série “Fluidez” será gravada em sua maior parte na Barra da Tijuca e Jardim Botânico.

O Diretor Alexandre Cobra com as produtoras fez a série se transformar em uma vitrine para que atores que ainda não estão nas grandes emissoras, possam mostrar o seu trabalho. Fui convidado, assim como outros atores, a participar de The Girls, após ser observado e avaliado pelo Cobra, nas aulas que ele ministra na Aquarella Cine.

“The Girls” já está disponível na plataforma do Youtube “Pink Channel”, e a partir do dia 20 de outubro, começaremos a gravar mais uma série, “Fluidez”, onde teremos muitas intrigas, brigas e fofocas, mas fluirá o amor. Acredito que serão criadas muitas outras séries, pois a Plataforma Pink Channel no Youtube, está se tornando uma espécie de streaming com muitos inscritos e por isso não pode parar.

Os grandes responsáveis pelo sucesso do projeto foram o diretor Alexandre Cobra e os dirigentes Douglas Sampaio, Mirella e Lucas Nevs. Além, é claro, do ator Douglas Sampaio, que interpreta Carlos, tem vários trabalhos na rede Globo e Record, inclusive foi o vencedor do reality “A Fazenda 8”.

Clique no link abaixo e veja o vídeo da série The Girls.

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Filme nacional “O Prédio”, uma experiência cinematográfica carioca bem sucedida

Gabriela Spencer — Mon, 19 Sep 2022 10:32:46 +0000

A democratização da internet e a inclusão digital ocorrida nas últimas décadas permitiu que o alcance de artes que se utilizam do meio digital possam alcançar pessoas em lugares que seriam anteriormente inacessíveis. O cinema e a música foram um dos mercados mais afetados pela popularização dos computadores de telefones.

O público que aprecia o cinema nacional se aproveitou dessa mudança até mais que os produtores de cinema brasileiros – por motivos que beiram ou, às vezes, ultrapassam o limite da legalidade. Entendendo o desafios que se apresentam para que no território nacional de desenvolva uma mercado ativo como o de países do hemisfério norte, cineastas e produtores de cinema passaram a levar sua arte além das salas de cinema.

Esse foi o caso do filme “O Prédio”, com cerca de uma hora de duração, essa película de comédia conta a história de um possível crime ocorrido em um edifício. Os principais suspeitos são os moradores e a polícia tenta fazer seu trabalho investigativo buscando o depoimentos deles. Cada morador, de forma hilária, conta a sua versão deixando os policiais confusos e, a partir daí, a história se desenvolve de maneira divertida e leve.

O filme foi produzido pelo curso de atuação para audiovisual da INDUSTRIA PARA TV de Niterói – que privilegia a participação de alunos de baixa renda PCDs, LGBTQIA+ – e foi dirigido por André Luiz de Bragança, que já trabalhou na Globo e na Record, além de ter feito participações especiais de Avellar Love (Da banda João Penca e seus Miquinhos Amestrados). Segundo o ator Wanner Rodrigues, que representou o personagem Delegado Carlos Guerra, o filme foi sucesso já na sua estreia em 7 de agosto na Reserva Cultural de Niterói.

É uma iniciativa louvável por parte dos produtos e merece, com certeza, o nosso apoio, seja como público ou como empreendedores que querem ver mais um setor da nossa economia se desenvolver. Confira abaixo as datas das próximas apresentações e, se puder, participe!

Exibições de Cinema

SERVIÇO

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Walt Disney e Mauricio de Sousa: finalmente a união acontece por meio de filme biográfico

Gabriela Spencer — Sat, 11 Jun 2022 16:15:16 +0000

É inegável a importância da podosfera se faz cada vez mais presente na vida do cidadão comum – seja pelas polêmicas geradas, seja pela abundância de assuntos relevantes abordados. Não foi por acaso que o mestre Mauricio de Sousa escolheu “Os insuportáveis” para anunciar a parceria com a Disney na produção da sua biografia nos cinemas.

Baseado na história do livro “Mauricio: A história que não está no gibi”, os podcasters Tiago Américo e Leandrinho Goiaba conseguiram um furo em um dos seus episódios. Aderindo à tendência de priorizar as novas gerações em detrimento da mídia tradicional, a opção foi um acerto na mosca porque além de ter um alcance maior que as estações rádios e canais de televisão, os podcasts falam com nichos muito mais diretamente.

Quem é Mauricio de Sousa?

O pai da Mônica – personagem de quadrinhos mais famoso do Brasil – nasceu em 1935 no interior de São Paulo e, do alto dos seus 60 anos de carreira, acumulou uma experiência ímpar no mercado artístico e editorial. Mesmo precisando trabalhar para ajudar a família quando pequeno, ele encontrava tempo para ler, a leitura lhe abriu novas possibilidades e o permitiu sonhar.

De datilógrafo a repórter policial, sua paixão pelo desenho foi crescendo com o tempo e sua capacidade de roteirização foi aumentando, até que suas criações começaram a circular pelas cidades brasileiras e, com o tempo, passaram a ser premiadas nacional e internacionalmente.

Não se rendendo à censura da Ditadura Militar – que se iniciou nos anos 1960 e durou quase 30 anos -, o senhor Sousa tem vários personagens que nunca foram publicados, passou por momentos de sucesso não realizado – como no caso das primeiras peças teatrais – e teve momentos de financeiros quase falência.

Apesar de a Turma da Mônica ser o carro-chefe, eles vão muito além com mais de 400 personagens e tem mais de 3 mil produtos licenciados. Até o presente momento, a Mauricio de Sousa Produções já vendeu mais de 1 bilhão de gibis – em diversos idiomas -, produziu filmes live-action, animações e toy arts.

Quem foi Walt Disney

Walt Disney nasceu em Chicago em 1901 e, ao longo da sua vida, foi produtor cinematográfico, cineasta, diretor, roteirista, dublador, animador, empreendedor, filantropo. Ao fundar The Walt Disney Company, ele foi pioneiro no ramo das animações prouzindo curta e longa-metragens de animação. Entre suas obras mais celebradas os parques temáticos ao redor do mundo e os seus mais de 800 personagens – dentre eles Mickey Mouse, Pato Donald, Elsa.

Com mais de 59 indicações e 22 prêmios do Oscar, Mr. Walt foi capaz de identificar logo no início da sua carreira o poder da nostalgia e da contagem de histórias (storytelling) quando passou a utilizar clássicos da cultura mundial – como Pinóquio, Branca de neve etc – para contar suas histórias. Seu tirocínio para os negócios fez com que, desde cedo adquirisse empresas que poderiam agregar valor à marca – como foi o caso de Pixar, Marvel Studios, Lucasfilm, 20th Century, Searchlight Pictures etc.

O que esperar do Futuro

O podcast onde Mauricio anunciou o grande feito é parte da rede de programas da rádio Os Insuperáveis, que transmite diariamente ao vivo direto do estado do Massachusetts, nos Estados Unidos, e também através da web. No Youtube, eles publicam excertos de entrevistas como personalidades como Tony Ramos, Fernando Scherer, Ronie Von, João Marcelo Boscoli, Alessandra Maestrini, Claudete Troiano, ex-BBB’s – entre outros.

A rádio Insuperável é muito atualizada com as tendências atuais, pois com um total de quase meio milhão ouvintes apenas em 2022 e média, o meio primário de acesso ao conteúdo deles é feito através de dispositivos móveis. Com programas como Show da Manhã, Making in America, Vem Viver, Mundo da Saúde, Espelho do Imigrante, Tudo Azul e, é claro, Os Insuportáveis, a rádio permite que os imigrantes brasileiros no EUA mantenham contato com a sua cultura e fortaleçam o senso de comunidade.

Pela regularidade nas publicações e qualidade das notícias dos Insuportáveis, é possível prever que ainda este ano anunciaremos mais furos de notícias dos meninos. Para quem gosta de cultura pop, acompanhar Tiago e Leandrinho é um prato cheio. Os caras são divertios, inteligentes e super atenciosos com os convidados que recebem.

É uma alegria imensa que os brasileiros, finalmente, aprenderam a reconhecer, valorizar e priorizar os ídolos nacionais ainda em vida; e é revigorante ver que os mestres da velha-guarda estão cada vez mais dispostos a prestigiar as novas gerações e tentar participar das novas ondas tecnologias que tomam de assalto a sociedade – sejam eles os podcasts ou, até mesmo, os vídeos no Tiktok.

Qual foi o último gibi que você leu? Qual outro brasileiro que você acha que também deveria ter um filme produzido pela Disney?

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‘Não Olhe para Cima’ é um filme “só para inteligentes”?

Anna Carolina — Sat, 22 Jan 2022 23:00:29 +0000

Jennifer Lawrence, Leonardo DiCaprio, Meryl Streep e Jonah Hill estão juntos na mais nova comédia da Netflix: Não Olhe Para Cima. O filme, que chegou na plataforma de streaming no dia 24 de dezembro, conta uma história tão trágica que chega a ser cômica, e qualquer semelhança com a realidade não é mera coincidência.

Mesmo que Adam McKay, diretor e roteirista do filme, tenha escrito o longa antes mesmo da pandemia, os acontecimentos dele fazem um paralelo com a atualidade. Isso, porque as questões abordadas no filme sempre estiveram presentes em nossa sociedade, faltando apenas um tapa nas bochechas para que pudéssemos acordar.

O filme fala sobre o quê?

No início de Não Olhe Para Cima, conhecemos um mundo não muito diferente do nosso de hoje. A mídia tabloide persegue celebridades, as pessoas estão grudadas nas redes sociais… enfim, tudo parece familiar?

Então, conhecemos a candidata ao doutorado em astronomia Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), que está fazendo algumas pesquisas usando o telescópio Subaru quando descobre um cometa nas proximidades do planeta Terra. Ele está se movendo rápido, e ela imediatamente alerta seu professor Dr. Randall Mindy (Leonardo DiCaprio), que o encaminha para a NASA. Nos próximos 10 minutos, torna-se claro que o cometa é grande o suficiente para causar um evento de extinção.

Os dois são então enviados para a Casa Branca. E lá se encontram com a presidente dos Estados Unidos, Janie Orlean (Meryl Streep), que ignora o alerta de pânico. O que se segue é uma série de tentativas frustrantes e às vezes inacreditáveis de Dibiasky e Mindy para alertar o mundo sobre esse cometa apocalíptico. Eles imploram por tempo no ar, insistem que podem adiar esse evento, ou mesmo evitarem se o mundo agir. Mas nesse ínterim, a famosa popstar Riley Bina (Ariana Grande) se separou do namorado, e o mundo está muito preocupado com isso.

Por que “Não Olhe para Cima” tem gerado tantos debates?

A obra aposta em humor e suspense para contar a história de dois cientistas que descobrem um corpo espacial sólido que está vindo em direção ao planeta e tentam alertar autoridades e imprensa para que providências sejam tomadas. Porém, são envolvidos em um jogo político de interesses em que a ciência não é lavada à serio. E esse é um dos pontos que têm suscitado debates entre os que percebem na produção hollywoodiana uma crítica social aos tempos atuais e àqueles que consideram rasos os argumentos do filme.

“É o filme certo na hora certa. Uma obra necessária. Don’t look up (título original) descreve com exatidão o mundo bizarro que estamos vivendo em 2021, de pandemia e negacionismo, ódio profundo ao conhecimento e exaltação frenética à ignorância”, escreveu Leo Aversa, colunista do jornal O Globo, em 27 de dezembro.

Já Roberto Sadovski, colunista do UOL, critica a falta de clareza e de inspiração da produção em sua análise para o portal.

“Nada melhor do que segurar um espelho escancarando o papel ridículo que alguns políticos fazem ante uma crise, e a sátira é a melhor forma de acentuar o absurdo do mundo real. Mas não foi dessa vez. Depois dos ótimos A Grande Aposta e Vice, o diretor Adam McKay erra a mão com a mistura e entrega um filme confuso, sem foco, pouco engraçado e, pior de tudo, que já nasce velho. É uma sentença de morte para qualquer comédia!”

Além do enredo, outro elemento que inflama debates é o elenco estelar. Em cena, estão Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Jonah Hill, Cate Blanchett, Timothée Chalamet e Rob Morgan, entre outros atores famosos.

Não Olhe Para Cima está disponível no catálogo da Netflix.

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Séries canceladas que mereciam uma segunda chance

Anna Carolina — Fri, 14 Jan 2022 23:00:50 +0000

Sabe aquela série que você amava (e ainda ama) assistir e, de repente, foi cancelada? Seja, na primeira, segunda ou terceira temporada? E para piorar a situação, a história fica com o final aberto, deixando aquele gancho que você nunca vai saber qual será a resolução. Triste, né?

Pensando e por ter vivido isso na pele, iremos falar hoje sobre seis séries que eu adorava assistir e, infelizmente, foram canceladas, com algumas histórias sem um final digno e decente. Confira a lista abaixo.

1. Anne With an E (Netflix)

Um dos títulos dessa lista que mais causou alvoroço com o cancelamento foi, sem dúvidas, Anne With an E. O corte foi um completo choque para os fãs da série que também foi encerrada após três temporadas. O título acompanha a vida da jovem órfã Anne Shirley que, após uma infância conturbada e cheia de abusos, é enviada por engano para viver com um casal de irmãos com idade já avançada. A menina de 13 anos transforma a vida dos irmãos e de toda a cidade com seu espírito extrovertido.

Não se sabe ao certo o porquê da série ter tido uma vida tão curta. Especula-se que o cancelamento teve a ver com motivos mais técnicos do que de audiência ou elenco, isso porque era produzida pela Netflix em parceria com um canal canadense, que logo romperam a parceria.

2. Julie and the Phantoms (Netflix)

Desde 2020, os fãs se dedicaram nas redes sociais, pedindo a renovação de Julie and the Phantoms, série musical de Kenny Ortega (diretor de High School Musical), enchendo os comentários do twitter e instagram da Netflix. Apesar da comoção (e das milhões de visualizações no Youtube), foi anunciado que a trama não vai retornar para uma segunda temporada.

3. Sense 8 (Netflix)

Sense8 foi um marco para o sucesso das grandes produções independentes da Netflix. Com um elenco diverso e um enredo envolvente, a série foi por um tempo o maior frontrunner do streaming. Contudo, foi cancelada após duas temporadas e um especial de natal. A aventura de ficção científica narra a história de oito estranhos que aleatoriamente começam a compartilhar sensações, pensamentos e experiências uns dos outros.

A trama original das já conhecidas irmãs Wachowski com muita ação, complexidade e emoção deixou saudade no coração dos milhares de fãs que a série tinha ao redor do mundo.

4. Good Girls (Netflix)

Sabe o que é triste? Se dedicar à uma série durante anos, só pra ela ter um final abrupto e aberto, deixando os fãs (e os personagens) sem a conclusão que merecem. Infelizmente, foi o caso de Good Girls, cancelada pela NBC e distribuída no Brasil pela Netflix. O pior dessa história é o motivo: dinheiro. Segundo fontes da imprensa norte-americana, um dos principais atores do projeto não chegou à um acordo financeiro e decidiram cancelar a série, ao invés de seguir a trama.

5. Panic (Amazon Prime)

O Amazon Prime Video está investindo no público teen, criando sucessos como The Wilds. Logo, as expectativas eram altas para Panic, adaptação que trazia os jovens de uma pequena cidade numa competição estilo Jogos Vorazes. Infelizmente, a obra não teve tanta repercussão e o serviço de streaming decidiu cancelar o projeto, após apenas uma temporada, mesmo com o último capítulo dando a entender que os jogos ainda não tinham chegado ao fim.

6. The Society (Netflix)

Os fãs de The Society foram pegos de surpresa com o anúncio do cancelamento da série, já que a segunda temporada já tinha sido confirmada e estava em pré-produção.

The Society segue a história de um grupo de adolescentes que residem na fictícia cidade de West Ham, Connecticut, que um certo dia, após retornarem de uma viagem cancelada para um acampamento, eles são misteriosamente tele transportados para uma cópia da cidade, porém, sem nenhum sinal dos seus pais. Percebendo que todos estão presos no local, eles terão que enfrentar desafios, formar trabalhos em equipe e superar as diferenças, formando assim uma nova sociedade, ao mesmo tempo que eles querem achar o caminho para casa.

7. Spin Out (Netflix)

Outro cancelamento polêmico foi o da série Spin Out, a série foi cancelada devido à baixa audiência do projeto e também a perspectiva do seriado de ganhar prêmios ou ser reconhecido pelo público.

A história gira em torno da Kat Baker (Kaya Scodelario), uma patinadora do gelo em ascensão, que foi retirada de competição depois de sofrer uma queda desastrosa. Para poder continuar na carreira, só que agora em dupla, ela se arrisca a expor um segredo que pode prejudicar toda a sua vida.

Se tivesse a chance de salvar algumas dessas séries, qual você escolheria?

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Código da Vinci: Filme Vs Livro

Pedro Rosemberg — Tue, 26 Oct 2021 10:30:00 +0000

O VERDADEIRO CÓDIGO

O livro O Código Da Vinci, escrito por Dan Brown e publicado pela primeira vez em 2003, alia realidade e ficção, uma vez que diversas organizações e locais que existem na realidade são mencionados na obra, de forma a convencer, instigar e orientar o aprofundamento, no que tange as abordagens realizadas na obra. Após três anos de sua publicação, o livro sofreu uma adaptação, sendo incorporado às telas de cinema em 2006, sob a direção de Ron Howard.

Desde então, tanto o livro quanto o filme tornaram-se sucessos absolutos, principalmente por utilizar temas que são discutidos em diversas esferas da sociedade, como conspirações globais, temas polêmicos, assuntos religiosos, mistérios e arte, com o famoso Leonardo da Vinci, pintor, escultor, escritor, desenhista, matemático, arquiteto, engenheiro, cientista e pesquisador autodidata.

A HISTÓRIA DO FLORENTINO

Ao ouvir seu nome, qualquer pessoa, provavelmente, sabe quem é que estamos falando. Leonardo Vinci, o Florentino, comumente conhecido como Leonardo da Vinci, nasceu no século XIV no vilarejo de Vinci, na Itália.

Filho de Ser Piero da Vinci e Caterina Lippi, tornou-se o grande escritor, pintor, cientista e estudioso, graças ao fato de que foi um filho abastado, já que não foi enviado para as “Escolas de Latim” para exercer a profissão do pai, “podendo se beneficiar do instinto de fazer anotações entranhado em sua herança familiar ao mesmo tempo que desfrutava de liberdade para correr atrás de suas próprias paixões criativas”.

Leonardo, à procura de novos exemplos para pintar e trabalhos diversos, se mudou inúmeras vezes, passando de 1452 a 1464 em Vinci, de 1464 a 1482 em Florença, de 1482 a 1499 em Milão, de 1500 a 1513 em Milão novamente, de 1513 a 1516 em Roma e, por fim, de 1516 até sua morte, em 1519, na França.

CLASSIFICAÇÃO DAS OBRAS

Livro – Romance ficcional do gênero suspense, perpassa em diferentes locais temporais e geográficos, trazendo através, apenas do texto (escrita e imagem), os sentimentos que dele emanam, por meio do sentido visual e da ânima. Possui uma narrativa em terceira pessoa com narração que sabe o que os personagens sentem e pretendem fazer, auxiliando e descrevendo em detalhes a linha de raciocínio dos mesmos.

Filme – Objeto audiovisual de cunho midiático-ficcional, do gênero suspense, com momentos artístico-historiográficos. O narrador é em terceira pessoa, no entanto ele permite que o observador interprete o que os personagens estão sentindo.

RELAÇÕES INTERTEXTUAIS E METALINGUÍSTICAS

A relação intertextual entre ambos os objetos dar-se-á de forma incompleta, uma vez que a forma na qual a mensagem é passada no filme é audiovisualmente, utilizando-se de livros, imagens, obras escriturísticas e esculturas; enquanto que, no livro ocorre exclusivamente de forma escrita e imagética.

A linguagem que foram utilizadas variam entre idioma/língua, variação temporal, texto/visual, audiovisual, imagética e técnica, visto que, podemos dizer que há a incorporação de termos altamente técnico-teóricos em ambos, sendo muitas vezes descritas para que o observador/leitor compreenda.

DIALÉTICA DA ARGUIÇÃO DO GOSTO POPULAR

Dentre as argumentações mais convincentes para o gosto das massas pelas obras analisadas, observa-se a utilização de conspirações globais, de cunho fantasioso e ficcional, para entreter e fazer com que a obviedade seja quebrada.

Leonardo da Vinci era conhecido pela sua irreverência e pensamentos à frente do seu tempo, utilizando diversas referências apócrifas para referir-se às entidades e personagens sacros.

Exemplo disso seria a Virgem dos Rochedos, pintada originalmente para a Confraria da Imaculada Conceição, em duas versões, mostrando a Virgem Maria, João Batista, Jesus Cristo e um anjo, mostrando uma cena que referia-se, “ao encontro da Família Sagrada com João Batista no caminho do Egito, quando fugiam de Belém após o Rei Herodes ter ordenado o Massacre dos Inocentes”.

O fato de que Leonardo da Vinci desempenhava diversas atividades de forma magistral, o tornou mundialmente conhecido, genius, como no latim.

Tanto Dan Brown (autor do livro), quanto Ron Howard (diretor do filme), introduziram em suas obras certos emblemas próprios de Da Vinci ⏤ tons escuros, a razão versus o dogma religioso e, obviamente, as teorias conspiratórias ⏤ tão presentes em suas obras. Há de se pensar ainda que, como a historiografia medita sobre as obras, pensa-se que o afluente de intertextualidades estão, respectivamente, Da Vinci, Dan Brown e Ron Howard (pinturas e esquemas visuais, livro e filme), percebe-se também, uma elevação da complexidade e das linguagens utilizadas para demonstrar as ideias que se devem/querem passar.

Leia o artigo na íntegra, clique aqui.

Bibliografia: ROSEMBERG, Pedro. O verdadeiro Código Da Vinci: O autor e as vertentes de suas obras.

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Round 6: 10 curiosidades sobre o novo fenômeno da Netflix

Anna Carolina — Fri, 08 Oct 2021 23:00:17 +0000

Round 6 (ou Squid Game) chegou à Netflix no dia 17 de setembro e vem quebrando diversos recordes, como o de se tornar a primeira produção produção do streaming a alcançar o primeiro lugar em todos os países em que o seriado está disponível — um total de 83 nações, incluindo Brasil, Estados Unidos, e outras.

Com uma trama que parece misturar elementos de filmes como Jogos Vorazes e Jogos Mortais, os episódios mostram 456 participantes participando de jogos infantis. O prêmio é milionário. Mas o preço da derrota é a morte imediata.

1. A boneca existe de verdade

Se você tiver coragem de chegar perto da emblemática boneca gigante da série, já pode marcar sua visita para o condado de Jincheon, na Coreia do Sul. O gigantesco animatronic está em um museu.

Segundo informações da JTBC News, a boneca pertence ao Jincheon Carriage Museum, também conhecido como Macha Land, e foi emprestada à produção da série. Mas já foi devolvida ao local de origem.

2. Os símbolos da série

Círculo, triângulo e quadrado. Se você já teve contato com um Playstation, provavelmente imaginou que os emblemáticos símbolos da série faziam relação ao console, como forma de relacionar ao jogo que envolve a trama. Mas a verdade é que os símbolos representam apenas o nome do jogo e da série.

No alfabeto coreano, o círculo representa a letra “O” (ㅇ), o triângulo é o “J” (ㅈ), e quadrado é a letra “M” (ㅁ). E o que significa OJM? Significam “Ojingeo Geim” (오징어 게임), que nada mais é que o nome do jogo, o “Jogo da Lula”, tradução para “Squid Game”, que é o nome da série em muitos países.

3. 456 pessoas realmente participaram do primeiro jogo

No início de Round 6, havia um total de 456 participantes no jogo. E esses participantes foram todos interpretados por atores reais. Sério, não tem nada de computação gráfica ali.

Hwang foi inflexível em minimizar o uso de CG, o que significa que a maioria dos cenários foi criada e construída de forma prática. Lee Jung-jae, o ator veterano que interpretou Gi-hun em Round 6, ficou surpreso quando viu como os cenários eram em grande escala na vida real.

Ao construir cenários enormes e filmar com pessoas reais, o diretor garantiu que o drama fosse retratado da maneira mais realista. O elenco pôde interagir com os sets físicos e dar uma atuação autêntica.

4. As pinturas nos quartos davam pistas dos jogos

No início, havia muitos leitos cobrindo as paredes do dormitório, mas à medida que mais participantes morriam, o número de leitos diminuía. Escondidas atrás das camas estavam pinturas que mostravam os jogos que seriam realizados.

Com apenas três participantes e três camas restantes no episódio oito, as pinturas nas paredes do dormitório tornaram-se aparentes.

Este detalhe de design de cenário impressionou muitos espectadores. À primeira vista, essas pinturas se assemelham a ilustrações de um livro infantil, o que tornava fácil descartá-las sem pensar muito. No entanto, as pinturas nas paredes do dormitório foram, na verdade, pistas importantes que poderiam ter ajudado os participantes a vencer. Talvez o Jogador 111 devesse ter apreciado o ambiente um pouco melhor.

5. As escadas são inspiradas em “Relatividade” de M. C. Escher

No episódio um, uma tomada de cima para baixo das escadas coloridas e desorientadoras impressionou os espectadores e criou uma atmosfera inquietante.

O diretor revelou que foi inspirado por uma impressão litográfica do artista holandês M.C. Escher. A impressão litográfica é uma das mais famosas de Escher, intitulada “Relatividade” e ilustra um mundo onde as leis da gravidade são diferentes do mundo real.

Em “Relatividade”, há um total de sete escadas dispostas de uma maneira estonteante. Isso é semelhante ao projeto de escada complexa e corredores labirintos de Round 6.

6. Os uniformes

Se tivéssemos que escolher duas cores para definir Round 6, elas seriam verde e rosa. O diretor Hwang Dong-hyuk vestiu os participantes com roupas de ginástica verdes, pois isso o lembrava do que os alunos coreanos do ensino médio usavam quando ele era jovem.

Para dar um bom contraste de cores, os soldados foram vestidos de rosa choque, que é a cor diretamente oposta ao verde na Roda de Cores. O resultado não é apenas visualmente atraente, mas também deixa claro que os dois grupos estão em times opostos. Curiosamente, o rosa é usado para provocar medo em Round 6. Além dos uniformes rosa dos soldados, o corredor entre o dormitório e a arena de jogo também é rosa.

Além disso, vestir os participantes e soldados com uniformes da mesma cor apaga simbolicamente sua individualidade e identidade. Outra coisa que adiciona a esse elemento de anonimato é o uso de números em vez de nomes. Ao chamar os participantes e soldados por seus números designados, isso significa que o sistema rouba sua identidade.

7. O diretor afirmou que participaria dos jogos

Hwang Dong-huk, diretor da série, revelou que escreveu o primeiro roteiro de Round 6 em 2008. Durante uma entrevista de divulgação do programa, ele revelou que na época tinha várias dívidas, como os participantes do doentio jogo que vemos em Round 6. Sua precária situação financeira foi a inspiração para a trama da série. E ele ainda afirmou que participaria de um jogo do gênero se existisse um naquele período.

8. Os “nãos”

O streaming já declarou que e o programa está bem perto de bater o recorde de série mais vista de todos os tempos da plataforma, conquista que pertencia a Bridgerton. Mas não foi um caminho fácil até aí.

O roteiro de Round 6 foi finalizado em 2009, mas o diretor Hwang Dong-huk não conseguia investidores ou mesmo atores para fazer suas ideias saírem do papel. O motivo: na época, a trama era vista como muito violenta e perturbadora.

9. A trilha sonora é familiar para causar nostalgia

Assim como os jogos, a trilha sonora que acompanha a competição durante os episódios são melodias infantis tradicionais das décadas de 1970 e 1980. Além de dar um ar ainda mais sombrio, quando misturada às cenas de violência, a trilha foi escolhida para dar um clima nostálgico e familiar, mas também para fazer referência ao tratamento infantilizado que dão aos participantes como referência a sua posição na hierarquia.

10. Acusado de plágio

Claro que com tanto sucesso e chamando uma atenção tão grande, Round 6 não ficaria longe de algumas polêmicas. E a maior delas diz que a história sul-coreana tem algumas similaridades com o filme japonês As the Gods Will , de 2014, do renomado diretor Takashi Miike.

As semelhanças começam nas premissas de cada obra. O filme acompanha um grupo de estudantes de ensino médio, forçados a participar de um jogo infantil que pune com a morte quem perder. Já a série da Netflix mostra pessoas falidas e desesperadas por dinheiro em um jogo que se baseia em brincadeiras infantis mortais para afunilar seus participantes. Além disso, fãs do diretor japonês apontaram diversas semelhanças entre os elementos visuais de cada obra.

No entanto, o diretor Hwang Dong-hyuk não se abalou com as acusações de plágio, dizendo que desenvolveu a história de Round 6 entre 2008 e 2009, muito antes da estreia do filme de Takashi Miike.

Round 6 é sucesso mundial e está disponível em 9 episódios na Netflix.

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Emmy 2021: 5 séries indicadas que merecem a sua atenção

Anna Carolina — Fri, 24 Sep 2021 23:00:54 +0000

Ocorreu neste domingo (19), a cerimônia principal da 73ª edição do Emmy. Dentre as diversas indicações ao prêmio, nós da Tecnoveste, separamos uma lista com algumas das séries premiadas para você que gosta de assistir produções premiadas e conceituadas.

1. The Handmaid’s Tale (Globoplay)

Sinopse:

Em um futuro próximo, as taxas de fertilidade caem em todo o mundo por conta da poluição e de doenças sexualmente transmissíveis. Em meio ao caos, o governo totalitário da República de Gileade, uma teonomia cristã, domina o que um dia foi um território dos Estados Unidos, em meio a uma guerra civil ainda em curso. A sociedade é organizada por líderes sedentos por poder ao longo de um regime novo, militarizado, hierárquico e fanático, com novas castas sociais, nas quais as mulheres são brutalmente subjugadas e, por lei, não têm permissão para trabalhar, possuir propriedades, controlar dinheiro ou até mesmo ler. A infertilidade mundial resultou no recrutamento das poucas mulheres fecundas remanescentes em Gileade, chamadas de aias” (Handmaid), de acordo com uma interpretação extremista dos contos bíblicos. Elas são designadas para as casas da elite governante, onde devem se submeter a estupros ritualizados com seus mestres masculinos para engravidar e ter filhos para aqueles homens e suas respectivas esposas.

2. O Gambito da Rainha (Netflix)

Sinopse:

O Gambito da Rainha conta a história de Beth Harmon (Anya Taylor-Joy), uma menina órfã que se revela um prodígio do xadrez. Mas agora, aos 22 anos, ela precisa enfrentar seu vício para conseguir se tornar a maior jogadora do mundo. E quanto mais Beth aprimora suas habilidades no tabuleiro, mais a ideia de uma fuga lhe parece tentadora.

3. Hacks (HBO Max)

Sinopse:

Hacks conta a história de Deborah Vance (Jean Smart), uma comediante pioneira que agora enfrenta a decadência e a falta de humor. Embora ainda tenha uma porção de contratos milionários em seu nome, sua maior conquista profissional – uma residência em Las Vegas – parece estar por um fio.

4. The Crown (Netflix)

Sinopse:

The Crown conta a trajetória da Rainha Elizabeth II do Reino Unido, desde o seu casamento em 1947 aos dias de hoje. Cada temporada consiste em cerca de uma década de sua vida e traz menções sobre a vida política e pessoal de vários outros personagens históricos que fizeram parte de seu reinado, como Philip, Duque de Edimburgo, Princesa Margaret, Príncipe Charles, entre outros.

5. Bridgerton (Netflix)

Sinopse:

O drama gira em torno da família Bridgerton, composta por Lady Violet; seus quatro filhos, Anthony, Benedict, Colin e Gregory; e suas quatro filhas, Daphne, Eloise, Francesca e Hyacinth. Também são apresentados os Featheringtons, consistindo em Lady Portia; seu marido, o barão; e suas três filhas, Philippa, Prudence e Penelope.

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Quem é George Robinson? Conheça a história do ator que interpreta o Isaac de Sex Education

Anna Carolina — Thu, 23 Sep 2021 00:40:37 +0000

O personagem Isaac chegou na 2 temporada, sendo apresentado como o vizinho da Maeve. Após o conturbado final da segunda parte, George Robinson conseguiu conquistar o público mesmo com uma pitada de vilania que o personagem dele, o Isaac, demonstrou em certas ocasiões.

Nascido em Nottingham, na Inglaterra, o ator de 23 anos é tetraplégico na vida real, devido a um acidente em um jogo de rúgbi.

Em 2015, George Robinson, que na época cursava o ensino médio e estava com 17 anos, quebrou o pescoço após usar uma técnica errada em um jogo da escola. O jogo foi realizado na África do Sul, durante uma excursão escolar.

A lesão cervical foi entre as vértebras C4 e C5. Como resultado, o ator perdeu a mobilidade de seus braços e pernas. O tratamento inicial de George Robinson foi tenso, tanto no país africano quanto no Reino Unido, onde ele virou paciente de uma clínica especializada em tratar pessoas com lesões na coluna. No total, foram dez meses intercalando hospital e casa. Na época, o jovem contou com um apoio brutal dos amigos, parentes e de pessoas próximas. Várias campanhas foram iniciadas para arrecadar fundos para a compra de equipamentos médicos, tratamentos e tudo o que ele precisa após suas viagens.

Vida após acidente

Embora estivesse no time de rúgbi do colégio, George Robinson sempre quis ser ator. Este é o seu sonho desde os 13 anos. Após o acidente, ele não parou de alimentar esse anseio, mas partiu para o meio acadêmico. Ele entrou na Universidade de Birmingham como estudante de filosofia. Só que Robinson precisou trancar a faculdade após o convite para atuar em Sex Education, um dos sucessos da Netflix.

Semelhanças com o personagem

George Robinson afirmou, em entrevista ao jornal britânico Stamford Mercury, que não compartilha os mesmos ideais morais do que Isaac. Mas há similaridades entre os dois, “como o sarcasmo e driblar a insegurança com humor“, confessou o ator.

Produtores e roteiristas de educação sexual usaram Robinson como consultor para criar cenários que Isaac vivenciou, detalhando cenários próximos à realidade vivida pelo ator. Um exemplo disso é o momento em que Isaac foi para uma festa com Maeve na casa de Otis (Asa Butterfield) na segunda temporada. Uma escada separa a rua da residência. Os amigos da estudante tiveram que carregar Isaac nos braços. A dinâmica que pode ser constrangedora é feita com muito bom humor.

Manuseando pincéis com a boca, Robinson desenha retratos de pessoas, habilidade que a série incorporou em Isaac. No Instagram, o ator compartilha algumas pinturas que fez (veja abaixo).

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Inatividade Paranormal – Dir. Michael Tiddes [Sessão Crítica]

Juliano Ferreira — Sun, 11 Jul 2021 19:00:49 +0000

Desde o século 20, temos acesso a paródias de clássicos do cinema. Os filmes de terror se tornaram o maior alvo de produções cômicas, como Todo mundo em pânico, que serviu como base para o filme que vamos abordar aqui, Inatividade Paranormal, lançado em 2013.

Um pouco da história

Malcolm (Marlon Wayans) se muda para o subúrbio com sua companheira, Kisha (Essence Atkins). A vida a dois é maravilhosa até acontecer eventos bizarros na residência adquirida. Ao ver as imagens captadas pelas câmeras no local, Malcolm percebe algo que precisa de atenção além do normal.

A franquia e referências

Inatividade Paranormal (2013) é o primeiro filme da franquia, que é derivada da saga Todo mundo em pânico. Partilhando a mesma ideia da saga original, o longa traz referências de obras de terror, focando nas marcantes do gênero de Found Footage, tendo como base principal, “Atividade Paranormal (2007)”.

Os irmãos Wayans são conhecidos por realizarem produções que conversam bastante sobre questões raciais e sexistas, tornando os Roteiros cômicos em conteúdos reflexivos e o filme carrega essa marca inteligentemente.

Apesar de brincar com as normas padrões do terror, o objetivo de Inatividade Paranormal está longe de querer fazer medo, justamente por desmistificar a linha de tensão e apreensão causada pelos grandes terrores.

Vale a pena assistir?

Para quem ama o “pastelão”, é uma ótima indicação. O humor é ácido, então não é qualquer um que gosta. É interessante assistir para entender de forma lúdica os filmes de terror, porque tira aquele peso que eles carregam, por serem sérios demais. Vale a pena assistir!

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Baywatch: S.O.S. Malibu – Dir. Seth Gordon [Sessão Crítica]

Juliano Ferreira — Sun, 04 Jul 2021 19:00:30 +0000

Os remakes são uma das fontes mais representativas da evolução sobre a técnica cinematográfica com o passar dos anos. A Paramount investiu no lançamento de Baywatch (2017), filme baseado na série S.O.S. Malibu (1989), grande sucesso da TV.

Um pouco do filme

Mitch Buchannon (Dwayne Johnson), líder da equipe Salva-vidas da baía de Malibu, se vê ameaçado pelo playboy Matt Brody (Zac Efron), que acaba forçado a participar da equipe. Em meio a rixa dos dois, um problema maior pede atenção da equipe.

Drogas e outras ações suspeitas aparecem na baía e Mitch convoca a equipe para descobrir a origem dos problemas, entrando assim, em uma aventura épica para salvar mais do que civis de afogamento.

Referências à série de TV

Baywatch tem o intuito claro de não ser levado a sério, porém, faz jus à produção televisiva lançada em 1989. As primeiras semelhanças são percebidas nos nomes idênticos dos personagens, apesar de fisicamente o quadro mais recente de atores ser diferente dos primeiros.

A Produção se vale excessivamente de relembrar a construção estética do primeiro trabalho. temos contato com os Slow-motions (Câmeras-lentas), figurinos bem justos, principalmente nas mulheres. Além, é claro, da reutilização das músicas marcantes da época.

Vale a pena assistir?

Logo no início, o Longa já mostra que não pretende ser levado a sério e acaba ganhando licença poética, quando foca em alimentar a nostalgia do seu espectador. Algo interessante a se ressaltar, é que o Roteiro também tem a intenção de captar públicos mais novos, como é o caso dos nascidos no final de 1990 e início de 2000.

Com relação a história, não há nada muito elaborado para nos surpreender, já que nos primeiros minutos entendemos quem são os mocinhos e vilões. A trama tem bons momentos pastelões para tirar risadas e entreter.

Pelo conjunto de referências e pontos nostálgicos e não prometendo ser algo além disso, Baywatch vale muito a pena ser assistido!

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HBO Max chegou ao Brasil: Confira tudo sobre o streaming

Anna Carolina — Fri, 02 Jul 2021 23:00:08 +0000

HBO Max finalmente chegou ao Brasil! Agora que a plataforma de streaming finalmente está conosco, é natural querer saber quais filmes, séries e animações estão no catálogo, ver se vale a pena a assinatura e planejar como iremos maratonar o conteúdo do enorme acervo da plataforma.

Entre os principais destaques estão todas as temporadas de Friends, Um Maluco no Pedaço e Gossip Girl. Existem também séries originais e aclamadas pela crítica, como Stewardess e Insecure, bem como algumas produções da HBO, como Euphoria e The Sopranos, e todos os títulos da CW, como Riverdale e Supergirl. Além disso, muitos filmes serão lançados em breve, incluindo o aguardado Snyder Cut e toda a coleção DC Extended Universe (DCEU), bem como filmes clássicos como A Clockwork Orange e Amor, Sublime Amor.

Assinatura do HBO Max

A plataforma oferece dois modelos de assinatura. O primeiro é o Multitelas, que dá direito a cinco perfis, incluindo perfis infantis, com conteúdo para crianças, e até três aparelhos ligados simultaneamente. O conteúdo é exibido em 4K e o usuário ainda pode baixar os filmes e séries para assistir offline.

A outra modalidade de assinatura do HBO Max no Brasil é a versão Mobile. Voltado para quem consome conteúdos em smartphones e tablets, o plano permite o uso de apenas uma tela por vez e a resolução é adaptada para cada dispositivo. Nessa assinatura também existe a possibilidade de baixar os conteúdos para ver depois. Segundo a plataforma, duas a cada três pessoas assistem os produtos através dos dispositivos.

Há ainda uma versão para usuários inscritos na plataforma, sem pagar. Essas pessoas poderão acessar alguns episódios de séries e filmes de graça. Além disso, aqueles que optarem por assinar podem consumir os conteúdos do HBO Max por 7 dias sem pagar, com a possibilidade de cancelamento a qualquer hora.

O serviço pode ser assinado através do site oficial ou por meio do aplicativo (app), disponível para Android e iOS. Nas smart TVs, o HBO Max poderá ser acessado somente em aparelhos com Android TV 5 ou superiores. Já nos consoles, a plataforma está disponível para PlayStation 4 e 5X, além dos Xbox One e Series X/S.

Também há três tipos diferentes de pagamento em cada uma das duas versões pagas. Para quem assinar o modo Mobile, o valor mensal fica R$ 19,90. Caso opte pela assinatura de três meses, o plano custa R$ 54,90, baixando o preço mensal para R$ 18,30. Já o pacote anual fica por R$ 169,90, reduzindo a tarifa mensal para R$ 14,16.

Na modalidade Multitelas, o valor mensal é de R$ 27,90. Com a assinatura trimestral, o pacote sai por R$ 74,90, que dividido por três custa R$ 24,97. O desconto é bem maior, de quase 30%, no plano anual. Por 12 meses, a assinatura fica por R$ 239,90, o equivalente a R$ 19,90 mensais.

E o HBO Max chega com promoção de 50% em todos os tipos de modalidade, tanto na opção Mobile quanto na Multitelas. O desconto continuará até que você cancele sua assinatura ou a renove. Só que fique atento: a oferta é válida até 31 de julho de 2021 e a avaliação gratuita não está incluída.

O catálogo está repleto de produções incríveis, portanto seria imprescindível colocar todos aqui.

Destacamos alguns filmes e séries que estão disponíveis na plataforma:

1. Friends: The Reunion

Episódio especial que não podia faltar em uma lista de filmes e séries para assistir na HBO Max, Friends: The Reunion é uma reunião entre os atores que protagonizaram o sitcom Friends, 17 anos após o seu fim. No reencontro, gravado com platéia, eles revisitam sets de filmagens e relembram momentos marcantes do show.

2. Euphoria

Já com uma segunda temporada confirmada, Euphoria rendeu a Zendaya o Emmy 2021 de melhor atriz em série dramática. O show tem como protagonista uma jovem em recuperação do vício em drogas, que, de volta à escola, faz amizade com uma novata na cidade. Ao lado de amigos e colegas, elas enfrentam as dores e desafios de uma adolescência extremamente conturbada.

3. Gossip Girl

A HBO Max investirá também em sucessos já conhecidos do público. Duas séries são as principais apostas. A começar por Gossip Girl, que vai ganhar um reboot com uma nova história e novos personagens. Protagonizada por apostas jovens, a série contará com atores como Jordan Alexander, Thomas Doherty e Tavi Gevinson. A nova produção estreia dia 8 de julho.

4.Mare of Easttown

A série com sete episódios tem roteiro do início ao fim de Brad Ingelsby (The Way Back) e gira em torno de uma detetive quieta e obstinada chamada Mare (Kate Winslet), que trabalha em uma pequena cidade da Pensilvânia. A história começa a funcionar quando uma jovem é assassinada. Então, a espinha dorsal da série passa ser a resolução desse mistério.

5. Oito Mulheres e um Segredo

Inspirado em Onze Homens e um Segredo, Oito Mulheres e um Segredo possui um elenco de peso! Sua história começa quando Debbie Ocean (irmã de Danny, um dos protagonistas da trilogia original) sai da prisão. Decidida a voltar aos tempos de crime, ela se reúne com sua ex-parceira, criando um plano ousado para roubar um colar de diamantes e reunindo uma equipe de mulheres inteligentes e perigosas para isso.

E então, qual série você vai assistir no HBO Max?

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Bumblebee – Dir. Travis Knight [Sessão Crítica]

Juliano Ferreira — Sun, 27 Jun 2021 19:00:57 +0000

Transformers se tornou um fenômeno do Cinema Contemporâneo sob o comando do grande Cineasta Michael Bay. A franquia resolveu expandir seus horizontes e fez um Spin-off com novo Diretor (Travis Knight), utilizando um dos seus personagens mais carismáticos, o Bumblebee.

Um pouco da história

Charlie Watson (Hailee Steinfeld), adolescente que está prestes a fazer seus dezoito anos, perdeu seu pai precocemente e busca finalizar o projeto que os dois haviam iniciado juntos, construir um Muscle Car e fazê-lo funcionar.

Charlie ainda tenta se adaptar ao novo normal da família, que agora tem um padrasto. Para ocupar a mente, ela vai a um ferro velho regularmente pegar novas peças e fazer a caranga funcionar, mas nada dá certo, até que ela encontra um Fusca abandonado, que a atrai instantaneamente. Ela consegue o ligar e leva para casa.

Pouco tempo depois o Fusca se mostra muito mais que um simples carro e partilha os desafios e emoções da aventura que os aguarda.

Transformers

Michael Bay já nos tinha apresentado a esse universo de robôs alienígenas que se transformam em veículos motorizados e animais do nosso planeta. Transformers se consolidou cinematograficamente em 2007.

Todos os filmes da linha principal, mostram os robôs Autobots, criando um vínculo com a raça humana e fechando acordo para proteger o Planeta Terra de ataques promovidos pelos antagonistas denominados, Decepticons.

De todos os personagens que aparecem em toda a série de Longas-metragem, os únicos que estão presentes em todos são o Optimus Prime e o Bumblebee, que ganhou esse filme solo.

Bumblebee e Charlie

O Spin-off veio para dar uma pequena repaginada no Bumblebee, que com Michael Bay, tinha uma postura mais imponente em relação aos desafios. Esse filme é sobre seu primeiro contato com a Terra e os efeitos causados por isso.

O robô cria rapidamente um laço com a co-protagonista, Charlie, exatamente pelo fato dos dois terem seus mundos arrancados de si e serem forçados a seguir com a vida.

Vale a pena assistir?

Fica claro a diferença de abordagem proposta entre Michael e Travis. Se os primeiros filmes buscam um tom mais obscuro na composição, aqui vemos algo mais iluminado e leve.

O ponto alto desse longa, imageticamente falando, é conseguirmos acompanhar sem esforço as coreografias de luta, pois além do CGI ser aceitável, a luz é bem inserida.

O Roteiro é bem feito, criando alguns momentos emocionais e empoderando inteligentemente a protagonista. Há um furo ou outro, como a explicação para a tecnologia dos Decepticons, que conseguem captar um sinal à galáxias de distância, mas quando estão no Planeta Terra, têm dificuldades para localizar um robô no mesmo país. Alguns personagens são extremamente caricatos, como o interpretado por John Cena, mas não atrapalham a narrativa.

É uma nova versão dos Transformers com história justa. Então, vale a pena assistir, sim!

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O que são 3 Atos, Plot Twists e Pontos de Virada no Cinema?

Juliano Ferreira — Sun, 20 Jun 2021 19:00:31 +0000

O Roteiro cinematográfico tem diversos mecanismos e no Portal já discorremos sobre alguns. Hoje vamos explicar melhor como funciona os três atos de um filme, bem como seus Plot Twists e Pontos de Virada, então continue conosco!

O Roteiro

Já conversamos sobre as responsabilidades de um Roteirista com seu Roteiro, no texto “O que faz um Roteirista Cinematográfico?”. Recapitulando em resumo o que foi dito lá, o Roteiro é peça fundamental para a criação e condução da narrativa proposta, pois é nele que as principais ações estão descritas para que a Produção trabalhe claramente com todas as funções estabelecidas para alcançar o objetivo maior, entregar o produto Audiovisual.

Um Roteiro tem conjuntos estruturais, que em harmonia, confeccionam bons projetos na tela. Na maioria dos conjuntos, temos a Sequência Lógico Narrativa, ela consiste no raciocínio histórico estabelecido, com isso, os fatos estão envolvidos numa cadeia de ramificações que evolui na presença de ações passadas, presentes e futuras. Os elementos dessa estrutura tem funções diversas e a seguir vamos falar sobre os três mais usados, são eles os Atos, Plot Twists e Pontos de Virada.

3 Atos

Você já deve ter lido histórias em livros e jornais que apresentaram início, meio e fim. Assim como nestas histórias, os filmes também carregam as três partes, porém são chamadas de Atos.

Os Atos são responsáveis pela divisão dos blocos e suas funções, São 3 que ficam configurados assim:

O primeiro portando a iniciação do mundo proposto, nele temos acesso ao protagonista e as limitações da realidade em que vive. O primeiro Ato é conhecido como apresentação do mundo comum.

O segundo mostra o personagem principal atendendo a um chamado de aventura e entrando no mundo extraordinário, saindo da comodidade do Ato anterior e enfrentando desafios e inimigos, forçando amadurecimento nos campos que precisa.

O terceiro traz a resolução da história, geralmente fazendo com que o protagonista entenda seu potencial e lugar de direito, retornando assim, mais evoluído para o mundo ordinário apresentado no primeiro Ato, que agora é visto com outros olhos.

Plot Twists

São pequenas engrenagens utilizadas para que a trama continue interessante até o fim. Um Plot Twist (Virada da Trama) tem a função maior de surpreender o público com o objetivo de gerar empatia. A utilização ocorre quando a narrativa segue uma direção única dos fatos e precisa de eventos que causem reviravoltas para encorpar a obra. Não há quantidade limite para inserir Plot Twists.

Pontos de Virada

Diferente dos Plot Twists, os Pontos de Virada tem um limite para aparecer no Roteiro. Eles acontecem duas vezes, marcando as transições do primeiro para o segundo Ato e do segundo para o terceiro Ato.

Sua função é exatamente marcar as mudanças das fases da história, sendo extremamente importante para situar o início, meio e fim. No Roteiro Clássico, o primeiro Ponto de Virada acontece no momento em que o chamado da aventura é aceito, o segundo o último Ponto de Virada se concretiza quando o herói perde quase tudo e parte para a reconstrução.

Colocando em prática

Entender as partes técnicas do Cinema é importante não só para quem produz, mas também para quem aprecia as obras. Quando entendemos os processos, fica melhor avaliarmos os conteúdos que assistimos, então fique de olho no nosso Portal, com o intuito de sempre aprender mais sobre a Sétima Arte!

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Cruella: o melhor live-action da Disney?

Anna Carolina — Fri, 18 Jun 2021 23:00:58 +0000

Muito antes da atual moda de remake de animação clássica, a Disney já tinha um famoso live-action: 101 Dálmatas, onde Glenn Close imortalizou sua versão de Cruella De Vil nos anos 90. Então com o anúncio de Cruella, surgiu uma expectativa sobre quem iria interpretar a grande vilã. Afinal, a comparação seria inevitável, correto? Errado! Emma Stone surgiu com uma versão completamente diferente do vilão icônico, mas ainda assim ótimo.

Cruella segue o início da jornada da protagonista, desde quando ela era uma criança rebelde Estella, até se tornar uma jovem adulta criativa. Ela vive de pequenos golpes ao lado de Jasper (Joel Frye) e Horacio (Paul Walter Hauser). No entanto, ela tem um dom natural para a moda, o que atrai a poderosa baronesa von Hermann (Emma Thompson), dona de um império e sem nenhum caráter. Mas Estella nem pensou que seria conectada com a sua nova chefe, o que acabaria por levar a uma série de eventos (e uma guerra fashionista) que fará a protagonista abraçar seu lado maligno e se tornar Cruella.

O filme está repleto de easter-eggs, e muitos deles acabam passando despercebido. Pensando nisso, a Tecnoveste separou alguns desses “segredos” e curiosidades sobre o live-action: [alerta de spoiler]

Cruella é a segunda adaptação live action da Disney com a perspectiva de um vilão. O primeiro é Malévola.

O filme é o primeiro (da Disney) a trazer uma história com um personagem de gênero fluido, o Artie.

De acordo com teorias de fãs, o filme foi reagendado para estrear em 28 de maio porque esta data seria o aniversário de 22 anos de Cameron Boyce, se ele estivesse vivo. Na trilogia Descendentes, focada nos filho dos vilões clássicos da Disney, o ator viveu Carlos De Vil, filho de Cruella De Vil.

Emma Stone usou 47 figurinos durante o filme, enquanto a Baronesa teve 33 trocas de roupa. Sendo, ao total, 277 figurinos usados por toda a equipe.

Um dos principais vestidos usado pela Cruella possui 397 metros de Organza (um tipo de tecido), e também conta com mais de 5 mil pétalas de rosa costuradas a mão!

Quando Estella fingiu estar trabalhando em um hotel, um filme estava passando na TV. Trata-se de Um Barco e Nove Destinos, de 1944 do diretor Alfred Hitchcock, estrelado por Tallulah Bankhead. Segundo relatos, foi nela que a animação de 101 Dálmatas foi inspirada para criar o jeito de Cruella DeVil.

O carro que Cruella roubou foi o Panther De Ville, que foi usado por Glenn Close nos 101 e 102 dálmatas. Horace depois roubou um carro do mesmo modelo, mas em preto e branco, e comentou o nome do carro, que mais tarde inspirou o sobrenome da vilã. Este carro foi fabricado entre 1974 e 1985.

Curiosidades dos bastidores:

As gravações do filme acabaram atrasando, isso porque a Emma Stone deslocou o ombro em um show das Spice Girls, em 2019. A atriz contou em entrevista que já estava a caminho do show, e que usava uma bota que a fez perder o equilíbrio e se acidentar.

Emma chegou a ir ao show mesmo com a tipoia.

Referências à animação:

O figurino que a mãe de Estella usa para ir à casa da Baronesa é uma homenagem à roupa que Anita está usando quando conhece Roger.

Quando Roger é apresentado como advogado da Baronesa, ela comenta que ele basicamente toca piano o dia todo, uma referência à sua profissão na animação. Na cena durante os créditos, ele é visto ao piano tocando e cantando Cruella DeVil.

Horace e Jasper comentam como alguns cães parecem seus donos, uma homenagem à cena onde Pongo vê Anita pela primeira vez.

Confira aqui o trailer oficial de Cruella.

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O que esperar da 4ª temporada de Elite?

Anna Carolina — Thu, 17 Jun 2021 21:15:17 +0000

Acabou a espera, quinze meses após o último episódio, ela finalmente chegou! A nova temporada da série de elite entrará no catálogo da Netflix amanhã. A nova temporada chegou a ser adiada depois que um ator testou positivo para Covid-19, o que interrompeu as gravações. Na quarta parte, boa parte do elenco original não estará presente.

Os seguintes nomes não aparecerão na Temporada de Elite 4: Danna Paola (Lu), Ester Expósito (Carla), Álvaro Rico (Polo), Jorge López (Valerio), Sergio Momo (Yeray) e Leiti Sène (Malick). No entanto, ainda não se sabe se o papel deles retornará na quinta ou sexta temporada. Atualmente, sabe-se que eles não participarão da 4ª temporada.

Por outro lado, os atores principais de “Elite” estarão de volta na 4ª temporada. São eles: Izan Escamilla (Samuel), Miguel Bernardo (Guzman), Aaron Piper (Ander Munoz), Omar Ayoso (Omar Shana), Claudia Salas (Rebecca) e Georgina Amoros (Cayetana). A atriz Mina El Hamani (Nadia) também aparecerá na nova temporada, mas apenas temporariamente e parece estar deixando a série em breve. Além disso, novos nomes serão adicionados ao elenco de elite. Os destaques incluem: Carla Díaz (Ari), Martina Cariddi (Mencia), Manu Ríos (Patrick), Diego Martín (Benjamín, o novo diretor da escola), Pol Granch (Phillippe) e Andrés Valencoso, embora ainda não saibamos muito sobre o último personagem.

O que se pode esperar do enredo da nova temporada?

O final da 3ª Temporada de Elite é emocionante. Afinal, descobrimos que, graças ao flashback, Lu foi acidentalmente responsável pelo que aconteceu com Polo, tendo conseguido se safar graças a seus amigos, eles a cobriram e modificaram a cena do crime para que parecesse que o Polo tentou para atacar a própria vida. Para fugir ainda mais, Lu, Nadia e Malik decidiram se mudar para Nova York. Isso pode ser a explicação do porque seus nomes não apareceram nas legendas da 4ª temporada. Outra pessoa que teve um momento importante no final da terceira temporada foi Omar. Sua orientação sexual foi finalmente aprovada por seu pai – além de ter conseguido se acertar com Ander. Já Samuel, Guzman e Rebecca descobriram que mesmo depois de quase serem expulsos, eles poderiam continuar a estudar em Las Encinas.

Na 4ª temporada de “Elite”, a Escola Las Encinas recebeu um novo diretor: Benjamin Blanco, um rico empresário que prometeu reorganizar a ordem escolar. Além dele, seus três filhos Patrick, Ali e Mencia chegam ao colégio. Isso definitivamente arruinará os assuntos escolares e causará possíveis conflitos entre veteranos e recém-chegados.

(Imagem: Reprodução/Netflix)

Além disso, a questão do conflito de classes certamente estará bastante presente na 4º temporada de Elite, como a cena envolvendo Cayetana no final da terceira temporada, esfregando o chão, dá a entender. Fora, é claro, as velhas intrigas de amor e amizade, que são marcas características deste tipo de produção.

Uma coisa que o trailer de Elite revelou, entretanto, é que a série se tornará ainda mais picante na quarta temporada. E que os novatos chegaram para apimentar ainda mais as coisas.

Enquanto aguarda o lançamento da 4ª Temporada de Elite, veja aqui o trailer divulgado pela Netflix.

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Army of The Dead – O Novo filme de Zack Snyder

Pablo Regis — Wed, 26 May 2021 13:52:27 +0000

Sinopse: Um grupo de mercenários são convocados a realizar um roubo em Las Vegas, entretanto a cidade está enfestada por Zumbis.

Zack Snyder provou que sabia dirigir filmes de zumbis, desde a sua estreia no remake do clássico “Madrugada dos Mortos”, por isso essa produção se tornou uma das maiores apostas da Netflix nesse primeiro semestre de 2021.

De cara é preciso dizer que Army of The Dead está longe de ser um grande filme, a história é fraca, o roteiro é bagunçado e ilógico, os personagens não são ruins, mas são mal desenvolvidos e acabam caindo em estereótipos, as subtramas não tem substância e não conseguem construir o elo dramático que era pretendido e o ato final é uma babaquice clichê e preguiçosa.

Apesar dos comentários negativos acima, eu gostei do filme. Zack Snyder conduz a ação com muito estilo, tem muito gore e violência gráfica, a abertura é sensacional, tem uma pegada rítmica que se inicia com um “terror” e é encerrada de um forma inesperadamente melancólica. O cenário pós apocalíptico é bem feito, David Bautista é um herói eficiente, os zumbis são imponentes e são bem aproveitados, os efeitos visuais e maquiagem convencem.

Army of The Dead é uma baboseira divertida, que oscila entre o divertido e o brega.

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Entendendo a Pornochanchada com o filme “O sexo nosso de cada dia”, lançado em 1981

Juliano Ferreira — Sun, 23 May 2021 19:00:48 +0000

As Pornochanchadas foram tendência no Cinema brasileiro durante um tempo, marcando forte passagem nas décadas de 1970 e 1980. Aqui falaremos sobre um dos títulos do gênero, “O sexo nosso de cada dia“, que traz todos os signos do formato.

O conteúdo do filme

Longa-metragem dirigido e escrito por Ody Fraga, que trabalhou bastante com novelas e ficou mais inserido no meio das pornochanchadas.

O filme traz o passo-a-passo da linha de pornochanchada. Temos um roteiro raso no que diz respeito a imprimir uma história engajada, a direção de arte bem fomentada com decoração e figurinos explorados ao máximo, trilha sonora acompanhando os acontecimentos, acentuada principalmente nas cenas envolvendo teor sexual e abordagem de temas polêmicos.

Esse filme é da década de 1980 e fala da mulher na posse de seu corpo e liberdade em meio a uma sociedade machista. Três amigas são as personagens centrais e cada uma vive seus dilemas, são abordadas coisas do tipo, perder virgindade, ter medo de homens, posição de poder, prostituição e fantasias sexuais.

A Pornochanchada

A pornochanchada em sua maioria produzida, é voltada ao público masculino e às vezes beira a um machismo excessivo. “O sexo nosso de cada dia” reflete isso em toda a sua extensão, o tempo inteiro as mulheres são retratadas como objeto, apesar de haver situações onde elas estão no comando de escolher quando vão transar.

Tem uma personagem das três, no final do filme que é extremamente violada, ela tem medo de homens, não é adepta de sexo anal e é praticamente ignorada quanto suas vontades, o roteiro não tem pudor para a situação dela e nas cenas da suruba ela tá morrendo de prazeres, como se sua consciência não estivesse mais ali.

Vale a pena assistir?

Como citei no início da crítica, “O sexo nosso de cada dia” traz a linha completa do que uma pornochanchada deve obter. Para um longa do gênero, eu achei sincero. Não vou dizer que indico para todo mundo, por motivos óbvios, é um filme que apesar de beirar à tosquice, tem que saber digerir criticamente.

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Os salafrários – Dir. Pedro Antônio [Sessão crítica]

Juliano Ferreira — Sun, 16 May 2021 19:00:52 +0000

A comédia brasileira é sempre lembrada quando o assunto é cinema nacional. A Netflix embarcou na onda do besteirol brasileiro e lançou em seu catálogo, o filme “Os salafrários”, e aqui vamos falar sobre essa produção.

Um pouco da história

Clóvis (Marcus Majella) tem infância e adolescência problemática, sem se fixar em um lar familiar. O tempo passa, e quando vira adulto, encontra sua vocação em aplicar golpes (Vendas de artes falsas, furto de dinheiro em conta, não pagamento de despesas, etc.) nas pessoas para se sustentar.

Após um dos golpes dar errado, ele acaba se deparando, no meio de sua fuga, com a irmã Lohane (Samantha Schmütz). Os dois portam muitas diferenças e tem que se virar para escapar das enrascadas em que se encontram.

A estrutura do filme

Seguindo a Narrativa Clássica, acompanhamos os protagonistas Clóvis e Lohane em um conjunto de cenas cômicas. O Roteiro foca no humor brasileiro, principalmente em se tratando de rir da própria situação.

O Rio de Janeiro é palco da história, como ocorre na maioria das produções nacionais de destaque. A trilha sonora é interessante, trazendo nomes que vão de Raul Seixas até Anitta, sendo assim, um complemento ao ritmo da narrativa.

A Direção de Arte é bem ativa, dando aos cenários e figurinos, a vivacidade que estamos acostumados a assistir, focando num visual bem litorâneo do Brasil.

Vale a pena assistir?

“Os salafrários” consegue tirar alguns risos, peca muitas vezes no ritmo da história e tem problemas de emoção no Voice Off (o bom é que ele aparece mais no início e depois deixa as cenas funcionarem por si). Apesar de ser um besteirol, falta um pouco de ousadia na ora de elaborar as cenas.

O longa-metragem aborda temáticas relevantes como a corrupção envolvendo políticos e pessoas que aplicam golpes em outras. Infelizmente estamos familiarizados com essas questões, mas o filme traz de forma leve.

Valer a pena ver… até vale, porém, com algumas ressalvas. Tem momentos para você se divertir, então, se estiver em um dia bem ocioso, e quiser rir um pouco das irregularidades feitas por pessoas de má fé no território nacional, essa é a indicação!

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A família Mitchell e a revolta das máquinas – Dir.Michael Rianda [Sessão Crítica]

Juliano Ferreira — Sun, 09 May 2021 19:00:37 +0000

A Sony Pictures Animation chegou forte no ramo das animações, tendo o seu ápice em “Homem-Aranha no Aranhaverso”, lançado em 2018. Em 2021, a produtora foi responsável pela realização do longa de animação “A família Mitchell e a revolta das máquinas” e fechou um contrato para exibição no catálogo da Netflix.

Um pouco da história do filme

Katie Mitchell (Abbi Jacobson) é a filha mais velha de uma família nada convencional. Ela vive tendo discussões com seu pai, Rick Mitchell (Danny McBride), acerca da aprovação entre pai e filha.

Katie é aprovada na faculdade de cinema que mais queria, então faz todos os preparativos para viajar até a mesma, incluindo a compra da passagem de avião. Rick, vendo a necessidade de melhorar sua relação com a filha, cancela a viagem de avião da Katie e a convence ir de carro com toda a família até a faculdade.

No caminho eles se deparam com robôs que criaram consciência vingativa contra a humanidade. Katie, Rick e o restante da família são forçados a se unir e combater a revolta.

A estrutura do filme

Trabalhando em cima do Design de sucesso utilizado em “Homem-Aranha no Aranhaverso”, “A família Mitchell e a revolta das máquinas” investe no 3D com um tom pasteurizado. Os personagens são muito expressivos e caracterizados, os cenários são vivos em cores. A trilha sonora tem na base as batidas eletrônicas. O Roteiro segue a Narrativa Clássica, focando na linearidade dos acontecimentos.

Discursos do filme

Mantendo coesão do início ao fim, o filme consegue abordar temáticas variadas da forma mais direta possível. Conseguimos sentir os conflitos entre Katie e Rick, assim criando intimidade com a história.

A Pandemia do Coronavírus se tornou grande ameaça e trouxe mudanças no estilo de vida aos grupos familiares. A vida digital se intensificou, e se antes as pessoas já usam aparelhos digitais para internet e afins, agora viramos praticamente reféns da internet para executarmos as necessidades da vida pessoal e profissional. Então, “A família Mitchell e a revolta das máquinas” retrata a relação que estabelecemos com as tecnologias nos últimos tempos.

Não podemos deixar de comentar que a Pandemia tirou entes de muitas famílias e nos deixou bem preocupados com pessoas próximas. O filme não cita a Pandemia diretamente, mas coloca como assunto secundário, valorizando a importância de quem está sempre ao nosso lado, mesmo que enfrentando suas lutas pessoais.

Vale a pena assistir?

É uma animação emocionante e carismática, portando alto teor de qualidade que vai desde o Roteiro até o visual na tela. Está lotado de referências à Cultura Pop (Principalmente dos anos 80) e com certeza é um filme feito para assistir com a família toda. Vale muito a pena!

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Vingadores Ultimato: A Ladainha de Sempre

Gustavo Braz — Wed, 28 Apr 2021 11:00:17 +0000

25 de Abril de 2021, fez 2 anos exatamente do lançamento de Vingadores Ultimato, talvez o maior evento cinematográfico daquela década. Daquela…. Já estamos na década de 20 do século XXI, já pararam para pensar nisso? Que doideira. Eu estava lá naquela noite, 2 anos atrás: Filas e filas para a pré-estreia, salas lotadas de espectadores, amigos se reunindo para ver o filme, brincadeiras e risos, ansiedade, uma ou outra olhada para moça que olhava de volta. Parece até outro mundo.

Não me estenderei explicando o porquê de ser o evento cinematográfico mais importante, não é por isso que escrevo, vejam as avaliações aqui https://www.rottentomatoes.com/m/avengers_endgame , mas nesta ficção o vilão Thanos reúne as Joias do Infinito, a essência de todo o cosmos e, imbuído de seus poderes, ele estala os dedos e metade de toda a vida no universo some como se nunca tivesse existido evento apelidado como O Blip. Os Heróis, como todos os bons heróis, tentam reverter o processo, mas desta vez em vão. O vilão destrói as próprias Joias, chocando os protagonistas e a nós que assistíamos o filme, ninguém respirava naquela sala.

Em 20 mim de filme e 5 anos depois para o enredo, somos colocados em uma sala com cadeiras e uma roda com poucas pessoas, dentre elas o Diretor do filme fazendo uma ponta, o escritor de quadrinhos que criou Thanos e um dos nossos heróis, Steve Rogers mediando a conversa, uma reunião de autoajuda em grupo. Eu reassisti ao filme todo, mas esta cena me tocou de outra forma, diferente da forma como havia tocado naquele primeiro dia no cinema.

Os personagens que ali estavam conversavam sobre suas vidas após O Blip, quem permaneceu “existindo” passou estes 5 anos seguintes tentando reconstruir suas vidas, seguir em frente, após o trauma de ter perdido entes queridos neste processo digno de histórias em quadrinhos. O personagem que o Diretor do filme interpreta narra que, num encontro romântico que teve, seu par chorou pelo durante o jantar e que ele, por sua vez, chorou na sobremesa. Entre os respectivos prantos conversaram sobre “A ladainha de sempre: que está tudo diferente, meu trabalho, o dele(…)”.

Dia 25 de abril de 2021 a pandemia do Cornona Vírus (Covid-19) chegou a marca de146 091 986 casos confirmados e mais de 3 milhões de mortes em todo o mundo segundo o levantamento diário realizado pela Organização Mundial da Saúde (OMS). Infelizmente este é a maior crise sanitária e hospitalar desta década, possivelmente de todos os tempos porque contemporânea e ainda não superada.

Diferente da situação do filme, esta pandemia não levou metade da vida do universo consigo, contudo não se enganem, a Covid é pior porque não se trata de uma ficção. Pessoas perderam a vida e outras milhões estão sob esta ameaça enquanto escrevo. Enquanto isso, aqueles entre nós que estão sadios tentam seguir como podem com suas vidas. Quase tudo, ou que é possível assim ser, é on-line, trabalho, negócios até as rodas de conversa. Nelas a ladainha de sempre: que está tudo diferente, meu trabalho, o dele… Sinto saudades daquele mundo de 25 de Abril de 2019. Cuidem-se.

Vingadores Ultimato – Um marco na história do cinema

Covid, fome e corrupção: brasileiro vive série de pandemias

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Oscar 2021:Confira a lista com todos os ganhadores da noite e onde assisti-los

Anna Carolina — Mon, 26 Apr 2021 16:04:37 +0000

Aconteceu ontem (26), em Los Angeles, a 93ª edição de uma das maiores premiações do mundo cinematográfico, o Oscar. Devido à pandemia da COVID-19, o evento foi feito em dois locais: no Dolby Theatre e no Union Station, a principal estação ferroviária da cidade.

E quem liderou dentre os vencedores foi a Netflix, levando para casa um total de sete estatuetas. Porém, o filme vencedor, com três estatuetas, foi Nomadland. O longa está sendo exibido nos cinemas ao redor do mundo, e não é possível encontrá-lo em nenhuma plataforma de streaming no Brasil.

Além do prêmio principal, “Nomadland” também levou dois outros prêmios: Direção, para Chloé Zhao, e Atriz, para Frances McDormand.
Com a vitória, Zhao se tornou a segunda mulher a vencer na história da categoria. Antes dela, apenas Kathryn Bigelow havia ganhado, em 2010, com “Guerra ao terror”.
Anthony Hopkins superou o favoritismo de Chadwick Boseman e venceu como Melhor Ator por seu trabalho em “Meu pai”. Hopkins não apareceu na cerimônia;
Esta edição do Oscar também foi a que mais premiou mulheres, com 17 vitórias;
Em noite dividida, seis filmes levaram duas estatuetas cada: “Meu pai”, “Mank”, “Soul”, “Judas e o Messias Negro”, “A voz suprema do blues” e “O som do silêncio”; (Confira a lista completa abaixo)

Regina King no Oscar 2021

Melhor filme

“Meu pai”
‘”Judas e o messias negro”
“Mank”
“Minari”
“Nomadland” (Em cartaz nos cinemas)
“Bela vingança”
“O som do silêncio”
“Os 7 de Chicago”

Melhor Atriz

Viola Davis – “A voz suprema do blues”
Andra Day – “Estados Unidos Vs Billie Holiday”
Vanessa Kirby – “Pieces of a woman”
Frances McDormand – “Nomadland” (Em cartaz nos cinemas)
Carey Mulligan – “Bela vingança”

Melhor ator

Riz Ahmed – “O som do silêncio”
Chadwick Boseman – “A voz suprema do blues”
Anthony Hopkins – “Meu pai” (Now, Google Play)
Gary Oldman – “Mank”
Steve Yeun – “Minari”

Melhor direção

Thomas Vinterberg – “Druk – Mais uma rodada”
David Fincher – “Mank”
Lee Isaac Chung – “Minari”
Chloé Zhao – “Nomadland” (Em cartaz nos cinemas)
Emerald Fennell – “Bela vingança”

Melhor atriz coadjuvante

Maria Bakalova – “Borat: fita de cinema seguinte”
Glenn Close – “Era uma vez um sonho”
Olivia Colman – “Meu pai”
Amanda Seyfried – “Mank”
Youn Yuh-jung – “Minari” (Em cartaz nos cinemas)

Melhor ator coadjuvante

Sacha Baron Cohen – “Os 7 de Chicago”
Daniel Kaluuya – “Judas e o messias negro” (Em cartaz nos cinemas)
Leslie Odom Jr. – “Uma noite em Miami”
Paul Raci – “O som do silêncio”
Lakeith Stanfield – “Judas e o messias negro”

Melhor filme internacional

“Druk – Mais uma rodada” (Dinamarca) (Now, Apple TV, Google Play)
“Shaonian de ni” (Hong Kong)
“Collective” (Romênia)
“O homem que vendeu sua pele” (Tunísia)
“Quo vadis, Aida?” (Bósnia e Herzegovina)

Melhor roteiro adaptado

“Borat: fita de cinema seguinte”
“Meu pai” (Now, Google Play)
“Nomadland”
“Uma noite em Miami”
“O tigre branco”

Melhor roteiro original

“Judas e o Messias negro”
“Minari”
“Bela vingança” (Estreia nos cinemas prevista para maio)
“O som do silêncio”
“Os 7 de Chicago”

Melhor figurino

“Emma”
“A voz suprema do blues” (Netflix)
“Mank”
“Mulan”
“Pinóquio”

Melhor trilha sonora

“Destacamento blood”
“Mank”
“Minari”
“Relatos do mundo”
“Soul” (Disney+)

Melhor animação

“Dois irmãos: Uma jornada fantástica”
“A caminho da lua”
“Shaun, o Carneiro: O Filme – A fazenda contra-ataca”
“Soul” (Disney+)
“Wolfwalkers”

Melhor curta de animação

“Burrow”
“Genius Loci”
“If anything happens I love you” (Netflix)
“Opera”
“Yes people”

Melhor curta-metragem em live action

“Feeling through”
“The letter room'”
“The present”
‘“Two distant strangers” (Netflix)
“White Eye”

Melhor documentário

“Collective”
“Crip camp”
“The mole agent”
“My octopus teacher” (Netflix)
“Time”

Melhor documentário de curta-metragem

“Colette”
“A concerto is a conversation”
“Do not split”
“Hunger ward”
“A love song for Natasha”

Melhor som

“Greyhound: Na mira do inimigo”
“Mank”
“Relatos do mundo”
“Soul”
“O som do silêncio” (Amazon Prime Video, Now, Google Play, Apple TV, Looke)

Canção original

“Fight for you” – “Judas e o messias negro” (Em cartaz nos cinemas)
“Hear my voice” – “Os 7 de Chicago”
“Husa’vik” – “Festival Eurovision da Canção: A saga de Sigrit e Lars”
“Io sì” – “Rosa e Momo”
“Speak now” – “Uma noite em Miami”

Maquiagem e cabelo

“Emma”
“Era uma vez um sonho”
“A voz suprema do blues” (Netflix)
“Mank”
“Pinóquio”

Efeitos visuais

“Problemas monstruosos”
“O céu da meia-noite”
“Mulan”
“O grande Ivan”
“Tenet” (Now, Apple TV, Google Play, Looke)

Melhor fotografia

“Judas e o messias negro”
“Mank” (Netflix)
“Relatos do mundo”
“Nomadland”
“Os 7 de Chicago”

Melhor edição

“Meu pai”
“Nomadland”
“Bela vingança”
“O som do silêncio” (Amazon Prime Video, Now, Google Play, Apple TV, Looke)
“Os 7 de Chicago”

Melhor design de produção

“Meu pai”
“A voz suprema do blues”
“Mank” (Netflix)
“Relatos do mundo”
“Tenet”

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Pátio – Dir. Glauber Rocha [Sessão Crítica]

Juliano Ferreira — Sun, 25 Apr 2021 19:00:18 +0000

“A arte não é só talento, mas sobretudo coragem.”

– Glauber Rocha –

Filme feito em 1959 com direção de Glauber Rocha, a obra iniciou sua carreira promissora.

Sobre o filme

O curta tem 12 minutos e nesse tempo demonstra grande desenvoltura técnica. Há momentos que lembra antes que de passageiro, uma abordagem de Mário Peixoto em “Limite”. Apresenta produção leve quanto à gastos e explora a montagem intensa através de planos detalhe e closes.

“Pátio” tem uma ideia complexa que deixa o espectador pensando como aquilo pode se encaixar em sua interpretação, essa é uma característica muito forte nos experimentais, citei “Limite” no início como possível inspiração, porque apesar deste ainda ter um mínimo de enredo, mexe com o interior, brinca com as emoções, talvez eu seja arrogante de compará-los, mas a minha experiência juntou as semelhanças.

O interessante é que Glauber, durante sua carreira, vai deixar esse tipo de filme à margem de seu repertório, claro, abusando de alguns elementos, mas com foco em algo mais politizado. “Pátio” não é o tipo de filme que a massa digere com facilidade, ele incomoda bastante, transmite mensagens simultâneas, o casal que perambula entre o chão xadrez, os sapatos estáticos, a vegetação que rodeia o cenário, as expressões nos rostos, isso tudo no campo visual. Esse conjunto acoplado a uma trilha sonora angustiante, cria um incômodo mental, atiça suposições e automaticamente você se pega ligando a obra com sua realidade ou estudo sobre psique.

Vale a pena assistir?

Antes desse curta, eu havia assistido alguns filmes de Glauber, todos representando seu rigor com a estética, os personagens principais vivendo a melancolia existencial, prova de que ele não abandonou os pilares do cinema experimental.

Toda a produção reflete seu lema “Uma câmera na mão e uma ideia na cabeça”, proposta bem executada do início ao fim, a realidade está aí, só segui-la que logo se encontra o que tem de ser mostrado.

Achei um tanto quanto perspicaz, “Pátio” é de execução simples, porém, com abordagem complexa. A trilha sonora sensacional, seleção de enquadramentos pontuais e roteiro bem articulado. Então, sim! Vale a pena assistir!

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A travessia – Dir. Robert Zemeckis [Sessão Crítica]

Juliano Ferreira — Sun, 18 Apr 2021 19:00:35 +0000

Filmes biográficos estão aos montes nas categorias de drama e superação e “A travessia” se enquadra nesse perfil. Aqui falaremos sobre este longa-metragem.

Um pouco da história

Desde pequeno, o francês Philippe Petit (Joseph Gordon-Levitt) tem contato com as performances circenses. Seu maior apreço se dá pelo equilibrismo em cordas e durante seu crescimento, se aperfeiçoa neste módulo.

Um dia, quando vai ao dentista consertar um estrago causado em uma de suas apresentações, Philippe se depara com uma manchete de jornal mostrando as Torres Gêmeas de Nova Iorque, quase prontas da obra que está em execução. O rapaz fica encantado com elas e quer fazer algo artístico inédito com elas.

Após convencer um conjunto de conhecidos, o protagonista coloca o seu maior plano em prática, atravessando vários desafios.

A estrutura do filme

O longa trabalha bem o seu Roteiro, principalmente a narração do protagonista enquanto os eventos acontecem. As informações não são passadas demasiadamente, ao mesmo tempo não faltam dados para que o espectador entenda as situações apresentadas.

O filme funciona no sistema de retratar algo factual e que já tem seu desfecho apresentado em outras mídias. Como o trabalho é em cima de algo que já aconteceu, é necessário trazer criatividade ao projeto, e “A travessia” trabalha muito a questão sonora, pensando ainda num visual fotográfico para inserir sensações no espectador.

Vale a pena assistir?

Esse filme é bom se você assistir sem expectativas de ver uma mega produção. Ele entrega uma história cheia de metáforas acerca dos artistas, quando desenvolvem seus projetos. Há o uso de CGI, que às vezes oscila, interferindo na organicidade da cena, mas como o foco não está na computadorização, dá pra relevar.

As atuações são boas, me surpreendi com o Joseph arriscando no Francês, mesmo não sendo seu idioma materno, trouxe intensidade nos diálogos, quando necessário. O restante do elenco foi bem dirigido.

O Roteiro não traz grandes pontos de virada, tudo acontece da forma mais fácil possível para o protagonista e isso prejudica um pouco da credibilidade na jornada dele e atrapalha até o espectador a ter mais empatia com o enredo.

É um filme biográfico e faz homenagem às Torres Gêmeas, então mesmo que não esteja 100% nos padrões de um bom filme, vale a pena assistir, porque se trata de um fato histórico.

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O que Fuja tem em comum com a série The Act?

Anna Carolina — Sat, 17 Apr 2021 00:02:42 +0000

Um filme de Ameesh Chaganty com Sarah Paulson, Kiera Allen, Pat Healy e Onalee Ames. Fuja chegou à Netflix Brasil no dia 2 de abril, e se mantém no top 10 desde a sua estreia.

O longa acompanha uma adolescente que passou a vida toda reclusa com a sua mãe e agora descobriu um terrível segredo que foi mantido longe dela por anos. Mas será que o segredo é real ou apenas é apenas fruto da imaginação de uma pessoa que passou tantos anos isolada?

O suspense traz à tona diversas pautas importantes como, por exemplo, a representatividade ao ter em seu elenco uma personagem cadeirante. Segundo a revista Variety, essa é a segunda vez que Hollywood tem como protagonista uma pessoa com deficiência. A primeira foi em 1948, quando Susan Peters estrelou o thriller “The Sign of Ram”.

Se você assistiu a produção original Hulu, The Act ou conhece o famoso caso que inspirou a série, provavelmente você fez a ponte e conseguiu enxergar algumas semelhanças em Fuja como o grave problema que atinge as mães Diane e Dee Dee, um transtorno mental pouco conhecido chamado Síndrome de Münchausen por Precaução (MSP).

O que é a Síndrome de Münchausen?

É uma doença relativamente rara que acontece quando um cuidador finge ou causa os sintomas físicos ou mentais de um indivíduo saudável sob seus cuidados, geralmente uma criança, para ganhar simpatia e atenção especial.

As semelhanças entre The Act e Fuja

Tanto no filme quanto na série, as filhas vão ficando cada vez mais cientes dos graves problemas que sofrem. Enquanto Dee Dee parece mais desequilibrada, Diane não dá tantos sinais de sua síndrome. Neste sentido, a relação de Dee Dee e Gypsy parecia estranha.

Basta procurar fotos e vídeos das duas na internet e constatar o óbvio: algo muito estranho acontecia por ali. Já em Fuja, tanto Diane quanto Chloe parecem mentalmente saudáveis. Desta forma, Chloe é lúcida e inteligente, além de não parecer infantilizada e tão fragilizada quanto Gypsy, o que torna tudo ainda mais complexo e difícil de ser percebido.

Além de “Fuja” e “The Act”, existem outras produções que retratam a síndrome nos cinemas e na TV. A Tecnoveste separou uma lista com alguns outros nomes:

The Politician

Em The Politician, Jessica Lange interpreta Dusty Jackson, a avó de Infinity (Zoey Deutch), que é a companheira de chapa Payton Hobart durante a eleição da escola. Infinity sofre de uma doença misteriosa e tem um passado ainda mais misterioso, de acordo com a Entertainment Weekly.

É bastante claro que Dusty está se aproveitando da doença de sua neta, usando-a para entrar no Olive Garden de todos os lugares.

It – A Coisa

Pennywise (Bill Skarsgård) pode ser o principal antagonista de It – A Coisa, mas Eddie (Jack Dylan Grazer) também é uma vítima da Síndrome de Munchausen de sua mãe. Na adaptação cinematográfica do romance de Stephen King, a mãe de Eddie diz a ele que ele tem várias doenças, forçando-o a tomar comprimidos que acabam sendo placebos.

O Sexto Sentido

Um clássico filme de terror dos anos 90, O Sexto Sentido retrata um dos primeiros exemplos da síndrome de Munchausen por procuração na cultura pop. Fica implícito que Sra. Collins (Angelica Page) tem o problema, envenenando seus filhos, principalmente a garota fantasma Kyra (Mischa Barton), para chamar a atenção.

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Enola Holmes – Dir. Harry Bradbeer [Sessão Crítica]

Juliano Ferreira — Sun, 11 Apr 2021 19:00:59 +0000

Sherlock Holmes é sem dúvida um dos mais famosos detetives da história do entretenimento. A Netflix resolveu expandir o universo do personagem, contando mais sobre a sua irmã, Enola Holmes e aqui vamos falar sobre seu filme.

Um pouco da história

Enola é filha de uma família composta por mãe, pai falecido e dois irmãos mais velhos. A garota passou a ser educada única e exclusivamente por sua mãe, Eudoria Holmes (Helena Bonham Carter), já que seus irmãos Sherlock Holmes (Henry Cavill) e Mycroft Holmes (Sam Claflin) decidiram viver suas vidas na cidade grande.

Tendo sido educada através de livros, atividades físicas e ensinamentos maternos acerca do aprimoramento de várias habilidades, Enola se tornou uma garota forte e inteligente.

Um dia, sem explicações, sua mãe desaparece, forçando o reencontro com seus irmãos. Aos 16 anos, sem a figura materna para lhe dar suporte, Enola fica sob a tutela do irmão mais velho, Mycroft, mas a falta de entendimento entre os dois, faz com que a adolescente fuja com o propósito de encontrar sua mãe. Na sua jornada, acaba interagindo com personagens notáveis, que a incentivarão mudar o rumo da política vigente da Inglaterra de 1880.

A narrativa

Enola Holmes é um filme que busca um cuidado enorme na hora de encaixar a história da protagonista com o momento vivido pela Inglaterra no final do século 19. O Roteiro é sensível e cativa o espectador.

Apesar de não investir em muitas cenas de ação, as poucas que têm, conseguem injetar emoções significativas para nos deixar curiosos para a sequência dos fatos. Os personagens são bem postados, carregando fortes características.

Os três atos são diluídos de forma natural e sem pressa. Todas as questões abordadas são explicadas sem que haja ausência de algo.

A estrutura e objetivo do filme

Sherlock Holmes é um dos personagens mais admirados da cultura popular, suas aventuras são sempre lembradas como um marco das narrativas de enigma.

Eu particularmente sou adepto da expansão do universo de grandes nomes como esse. A Enola ter sua aventura retratada é extraordinário, pois ela não é só a irmã de um dos maiores detetives de todos os tempos, ela é uma mulher que crava o seu espaço em um meio fortemente machista.

O longa traz simbologias geniais para mostrar a situação da protagonista, a começar pelo seu nome, Enola, que de trás para frente, fica Alone, que no inglês significa sozinha e durante sua aventura, ela tem que por autossuficiência, lidar com todos os desafios no caminho.

Sherlock, nesse trabalho, se torna coadjuvante, mas de forma justa, pois aparece em momentos chave, para dar um mínimo de mentoria à irmã. A relação dos dois é cativante, porque eles são parecidos quanto ao dom de entender as pistas dos mistérios e estão sempre ligados pela emoção de achar respostas.

A independência da protagonista traz discussões hoje muito abordadas, como o feminismo, que aliás, é imposto da melhor forma possível. A mensagem é clara e a luta é real.

Sem dúvidas, o filme incorpora um discurso bem estruturado e em suas duas horas de duração, não perde por nenhum segundo seu foco.

Vale a pena assistir?

Trazendo elenco de peso e uma Direção maravilhosa, esse longa-metragem tem a receita do encantamento.

Millie Bobby Brown dispensa apresentação, consegue manter o carisma que a revelou para o mundo em “Stranger Things” e quando ela quebra a quarta parede é com uma sutileza incomum. O restante dos atores/atrizes estão sensacionais, importando verdade nos seus respectivos papéis.

Com certeza vale a pena assistir!

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