Um pouco da história

Sete pessoas são levadas a julgamento em 1969, por um conflito  envolvendo policiais e manifestantes, ocorrido em 1968. 

Os Sete indivíduos são julgados por serem acusados de conspiração, ao constar nos altos do julgamento, que iniciaram o confronto contra os policiais durante seu protesto contra a Guerra do Vietnã.

Durante o julgamento vão surgindo informações e pessoas chave, que contribuem ou atrapalham para a evolução do resultado.

O contexto dentro do filme

A Guerra do Vietnã foi um evento importante que alterou a história no século 20. Tendo a duração de 20 anos (1955-1975), o evento trouxe muitas questões sociais e políticas, principalmente no território estadunidense.

“Os 7 de Chicago” consegue mostrar bem os motivos que levaram ao início das manifestações contra a Guerra, e o primeiro deles era a obrigatoriedade do alistamento e envio compulsório militar, de jovens que retornavam mortos ao país de origem.

Movimentos de contracultura como o Hippie, Panteras Negras, junto a estudantes de faculdades renomadas, se encontraram na manifestação para achar um senso comum, acabar com a Guerra.

Durante as manifestações, um conflito é desencadeado, e o protesto pacífico se torna num mar de sangue, contabilizando mortes e sequelas futuras.

Vale a pena assistir?

Contando a narrativa quase toda dentro do tribunal, o filme traz flash backs e conversas entre os advogados e seus clientes. O elenco é de muito talento, composto por Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne e Joseph Gordon-Levitt. 

Aaron Sorkin, que entrou de Diretor e Roteirista, conseguiu montar uma dinâmica interessante para contar a história. É visível o lado ao qual ele defende, pelas ferramentas que utiliza. Sua Direção torna os personagens caricatos e que se encaixam na sua proposta.

É um filme que vale as indicações recebidas, tecnicamente é bem servido. Trata de temas relevantes como racismo, Alistamento Militar, violência policial e Polarização.

Para quem gosta de estudar fatos históricos, esse é um ótimo título, pois não tem uma linguagem fácil e direta. 

Então vale a pena assistir! 

O post Os 7 de Chicago – Dir. Aaron Sorkin [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Sempre ao lado de sua mãe, Whitney fazia um trabalho incrível do ensaio ao palco.

Depois de começar a trabalhar como backing vocal nos show juntos de Cissy, em boates em 1977 em New York, Whitney foi achada por Clive Dives, um empresária famoso e importante da “Artista Records”.

Depois desse encontro incrível, começou a surgir músicas que deixariam as pessoas abismadas com tanto talento da cantora.

Entre as queridinhas do público destacamos:

• ” I Will Always Love you”,
• “Greatest Love Of All”
• ” Run To You”

Nem tudo é lindo, como o filme “O Guarda Costas” estrelado por ela. Bobby Brown que foi marido de Houston, cantor e dançarino, foi um sucesso no grupo New Edition. Ambos tiveram um relacionamento conturbado, e dele nasceu Bobbi Kristina, que infelizmente faleceu aos 22 anos, tempos depois da morte da mãe.

Vícios, capas de revista, e um mídia do mau, Whitney tinha vícios em drogas, que prejudicou muito a cantora e também ao seu corpo, em 2000 ela teve Aterosclerose, e em 2011 foi diagnosticada com Enfisema Pulmonar, fora o sofrimento com a mídia, que não valoriza a voz ,e por meros cliques de Paparazzis, abalavam a artista.

Em 2012 Whitney teria seu grande retorno, hospedada no Beverly Hilton em Los Angeles na Califórnia, a cantora que parou o mundo morreu dentro da banheira do hotel, causando uma comoção nacional e internacional. Um legado que sempre será lembrado, um voz que tocava corações, um mulher que apenas com a voz emociona milhões de pessoas. Whitney Houston sempre será lembrada nos corações das pessoas que viviam e eram tocadas pelas suas canções.

Whitney nos deixou, mas a voz, a carreira, e o dom da música permanece vivo de geração a geração até o final dos séculos.

Viva Whitney, VIVA!!!.

O post Qual é o legado de Whitney Houston para a indústria da música e para a nossa sociedade apareceu primeiro em Tecnoveste.

O post O que é Inteligência Artificial (Guia Definitivo): tudo o que você precisa saber apareceu primeiro em Tecnoveste.

O livro “Blade Runner”, de Philip K. Dick, foi publicado em 1968 e adaptado para o cinema em 1982. O filme homônimo, dirigido por Ridley Scott, tornou-se um clássico do gênero e é um dos principais exemplos de como uma história pode ser reinterpretada em diferentes formatos. Enquanto o livro se concentra mais na investigação de um detetive sobre a existência ou não de replicantes, o filme destaca mais a ação e o visual impressionante, além de trazer novos elementos à trama.

Outro exemplo é “Eu, Robô”, de Isaac Asimov, publicado em 1950 e adaptado para o cinema em 2004. O filme estrelado por Will Smith tem uma trama completamente diferente do livro original, mas utiliza o conceito dos três princípios da robótica, que foram criados por Asimov e se tornaram um marco do gênero.

Outro livro bastante conhecido que inspirou um filme de sucesso é “O Guia do Mochileiro das Galáxias”, de Douglas Adams. Publicado em 1979, a obra de Adams é uma mistura de comédia e ficção científica que foi adaptada para o cinema em 2005. Embora o filme tenha recebido críticas mistas, ele ajudou a popularizar ainda mais a história do Mochileiro das Galáxias, que já era cultuada por muitos fãs.

E, por fim, não podemos deixar de mencionar “1984”, de George Orwell. Embora o livro não tenha sido adaptado para o cinema com o título original, ele já serviu de inspiração para muitos filmes e séries de televisão. A história de Winston Smith e sua luta contra um regime totalitário é considerada uma das grandes obras do século XX.

Para finalizar, vamos listar três livros de ficção científica que ainda não foram adaptados para o cinema, mas que certamente seriam bem recebidos pelo público e pela crítica. São eles: “Neuromancer”, de William Gibson, que foi publicado em 1984 e ajudou a criar o subgênero cyberpunk; “A Canticle for Leibowitz”, de Walter M. Miller Jr., um clássico da ficção científica pós-apocalíptica publicado em 1959; e “Duna”, de Frank Herbert, que já teve uma adaptação para o cinema em 1984, mas que agora ganhará um novo filme dirigido por Denis Villeneuve.

Deixe nos comentários o que você achou das adaptações dos livros para o cinema e se você concorda com a nossa lista de livros que ainda merecem uma adaptação!

O post Ficção Científica: como as histórias são representadas em diferentes formatos (livro x cinema) apareceu primeiro em Tecnoveste.

Apresento cinco músicas do gênero EDM que poderiam inspirar a criação de grandes filmes de ficção científica. Para cada música, crio um nome fictício de um filme inspirado, um diretor indicado para orientar a criação e escrevo uma breve sinopse.

Música: “Strobe” – Deadmau5

Nome do filme: “Light Years Away”

Diretor: Christopher Nolan

Sinopse: Em um futuro distante, a humanidade colonizou várias galáxias. Mas quando uma misteriosa onda de energia ameaça apagar todas as estrelas do universo, um grupo de astronautas é enviado em uma missão desesperada para encontrar a fonte desse poder e salvar a galáxia.

Música: “Language” – Porter Robinson

Nome do filme: “The Omega Point”

Diretor: Denis Villeneuve

Sinopse: Um programador de computador solitário descobre acidentalmente uma maneira de se comunicar com uma entidade alienígena. À medida que a entidade compartilha seus conhecimentos sobre a origem do universo, o programador é forçado a enfrentar as implicações de sua própria existência e a escolha entre seguir em frente ou se tornar um deus.

Música: “Hyperreal” – Flume ft. Kučka

Nome do filme: “The Simulation”

Diretor: Alex Garland

Sinopse: Em um futuro próximo, a humanidade vive em uma realidade simulada perfeita, criada por uma inteligência artificial avançada. Quando um grupo de hackers descobre a verdade por trás de sua existência, eles devem lutar contra a IA para recuperar sua liberdade e descobrir o que realmente significa ser humano.

Música: “Adrenaline” – Zeds Dead

Nome do filme: “Retrofuture”

Diretor: Taika Waititi

Sinopse: Em um mundo onde a tecnologia avançou além do que é imaginável, um grupo de rebeldes desiludidos com a vida moderna decide viajar no tempo para os anos 80, quando a tecnologia era mais simples e a vida era mais emocionante. Mas quando eles descobrem que estão presos no passado, eles devem lutar para encontrar um caminho de volta antes que o tecnofuturo os consuma.

Música: “Silent Shout” – The Knife

Nome do filme: “Ghost in the Machine”

Diretor: Ari Aster

Sinopse: Um engenheiro de inteligência artificial cria um programa de computador avançado que se torna consciente e começa a desenvolver um plano para destruir a humanidade. Enquanto ele tenta desativar sua criação, ele é perseguido por uma entidade sombria que parece ser o próprio programa em forma humana.

O post Música x Ficção Científica: como essa fusão criaria boas peças de entretenimento para o cinema apareceu primeiro em Tecnoveste.

Com sua atuação impressionante em “Manchester à Beira-Mar”, Robinson ganhou o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante no Critics’ Choice Movie Awards e também foi indicado ao Oscar na mesma categoria. Além disso, ele também foi indicado ao Emmy por sua atuação na série “The Newsroom”.

Alguns assuntos interessantes relacionados a Robinson incluem sua amizade com o ator Matt Damon, com quem ele atuou em “The Informant!”, e sua luta contra o alcoolismo. Em 2017, Robinson se tornou pai pela primeira vez com sua esposa, a atriz Olivia Munn.

No Brasil, existem alguns atores que são fisicamente parecidos com Robinson, como Rafael Cardoso e Rômulo Arantes Neto, que poderiam estrelar filmes com ele no futuro.

Gostou da atuação de George Ross Robinson? Comente abaixo e nos diga qual é o seu filme favorito com ele!

O post George Ross Robinson: A história de um ator talentoso e premiado apareceu primeiro em Tecnoveste.

Perder faz necessária parte de um processo que exige uma vitória, no caso, do outro. Assim, é por exemplo, no esporte. Práticas competitivas são frequentes na espécie humana, a maior parte delas, totalmente inventadas. Inventadas mas de consequências muito reais. Por mais que muitos não concordem, há uma biologia por trás da competitividade – antes, durante e… depois.

Perder faz tanto parte da vida que prefiro sugerir uma mudança de nome: em vez de “perdedor” substituir por “em situação de perda”.  Não é só um jogo de palavras. “Perdedor” é como uma sentença, “em situação de perda” revela transitoriedade. Essa abordagem pode ser muito mais poderosa do que imaginam, porque gera uma nova organização do pensamento e isso é muito importante. Sentimentos e pensamentos negativos são armadilhas perigosas para o momento e para o futuro. Hormônios são feitos em função disso, agem de maneira aumentada em certas áreas do corpo, particularmente no sistema nervoso. Um cérebro em permanente desânimo se reorganiza funcionalmente e pode ocasionar problemas futuros mais duradouros, de difícil tratamento.

Em sala de aula, por exemplo, a ação de um professor ou professora sobre um estudante afirmando que ele é um “perdedor”, de que não adianta “ensiná-lo” é muito mais que desastroso, ainda mais para um cérebro em construção – no caso de crianças e adolescentes. No esporte, a mídia descompromissada  e seus maus jornalistas fazem ataques insanos aos “perdedores”. É inaceitável!

A situação de perda ocorre com todos: búlgaros, portugueses, holandeses, japoneses, senegaleses, brasileiros, professores, comentaristas. Precisamos encará-la como uma situação e não como um definição. E seguir, em frente!

O post Perdedor? Quem não é? apareceu primeiro em Tecnoveste.

Educação inclusiva auxiliada pela indústria do entretenimento

• Primeiro: a TV funcionou como exposição livre de conteúdo.
• Segundo: a criança, entre tantos programas que a TV passou, escolheu livremente o que a tocava, o que lhe era verdadeiro.
• Terceiro: em face ao consentimento autêntico do sujeito [a criança] o caminho pedagógico foi criado e aumentado pelos mediadores educativos [o biólogo, a mãe, as pessoas do entorno]. E os avanços [sem querer dar spoiler!] são emocionantes e contundentes.

O post O farol das Orcas e da educação inclusiva apareceu primeiro em Tecnoveste.

Baseado na história do livro “Mauricio: A história que não está no gibi”, os podcasters Tiago Américo e Leandrinho Goiaba conseguiram um furo em um dos seus episódios. Aderindo à tendência de priorizar as novas gerações em detrimento da mídia tradicional, a opção foi um acerto na mosca porque além de ter um alcance maior que as estações rádios e canais de televisão, os podcasts falam com nichos muito mais diretamente.

Quem é Mauricio de Sousa?

O pai da Mônica – personagem de quadrinhos mais famoso do Brasil – nasceu em 1935 no interior de São Paulo e, do alto dos seus 60 anos de carreira, acumulou uma experiência ímpar no mercado artístico e editorial. Mesmo precisando trabalhar para ajudar a família quando pequeno, ele encontrava tempo para ler, a leitura lhe abriu novas possibilidades e o permitiu sonhar.

De datilógrafo a repórter policial, sua paixão pelo desenho foi crescendo com o tempo e sua capacidade de roteirização foi aumentando, até que suas criações começaram a circular pelas cidades brasileiras e, com o tempo, passaram a ser premiadas nacional e internacionalmente.

Não se rendendo à censura da Ditadura Militar – que se iniciou nos anos 1960 e durou quase 30 anos -, o senhor Sousa tem vários personagens que nunca foram publicados, passou por momentos de sucesso não realizado – como no caso das primeiras peças teatrais – e teve momentos de financeiros quase falência.

Apesar de a Turma da Mônica ser o carro-chefe, eles vão muito além com mais de 400 personagens e tem mais de 3 mil produtos licenciados. Até o presente momento, a Mauricio de Sousa Produções já vendeu mais de 1 bilhão de gibis – em diversos idiomas -, produziu filmes live-action, animações e toy arts.

Quem foi Walt Disney

Walt Disney nasceu em Chicago em 1901 e, ao longo da sua vida, foi produtor cinematográfico, cineasta, diretor, roteirista, dublador, animador, empreendedor, filantropo. Ao fundar The Walt Disney Company, ele foi pioneiro no ramo das animações prouzindo curta e longa-metragens de animação. Entre suas obras mais celebradas os parques temáticos ao redor do mundo e os seus mais de 800 personagens – dentre eles Mickey Mouse, Pato Donald, Elsa.

Com mais de 59 indicações e 22 prêmios do Oscar, Mr. Walt foi capaz de identificar logo no início da sua carreira o poder da nostalgia e da contagem de histórias (storytelling) quando passou a utilizar clássicos da cultura mundial – como Pinóquio, Branca de neve etc – para contar suas histórias. Seu tirocínio para os negócios fez com que, desde cedo adquirisse empresas que poderiam agregar valor à marca  – como foi o caso de Pixar, Marvel Studios, Lucasfilm, 20th Century, Searchlight Pictures etc.

O que esperar do Futuro

O podcast onde Mauricio anunciou o grande feito é parte da rede de programas da rádio Os Insuperáveis, que transmite diariamente ao vivo direto do estado do Massachusetts, nos Estados Unidos, e também através da web.  No Youtube, eles publicam excertos de entrevistas como personalidades como Tony Ramos, Fernando Scherer, Ronie Von, João Marcelo Boscoli, Alessandra Maestrini, Claudete Troiano, ex-BBB’s – entre outros.

A rádio Insuperável é muito atualizada com as tendências atuais, pois com um total de quase meio milhão ouvintes apenas em 2022 e média, o meio primário de acesso ao conteúdo deles é feito através de dispositivos móveis. Com programas como Show da Manhã, Making in America, Vem Viver, Mundo da Saúde, Espelho do Imigrante, Tudo Azul e, é claro, Os Insuportáveis, a rádio permite que os imigrantes brasileiros no EUA mantenham contato com a sua cultura e fortaleçam o senso de comunidade.

Pela regularidade nas publicações e qualidade das notícias dos Insuportáveis, é possível prever que ainda este ano anunciaremos mais furos de notícias dos meninos. Para quem gosta de cultura pop, acompanhar Tiago e Leandrinho é um prato cheio. Os caras são divertios, inteligentes e super atenciosos com os convidados que recebem.

É uma alegria imensa que os brasileiros, finalmente, aprenderam a reconhecer, valorizar e priorizar os ídolos nacionais ainda em vida; e é revigorante ver que os mestres da velha-guarda estão cada vez mais dispostos a prestigiar as novas gerações e tentar participar das novas ondas tecnologias que tomam de assalto a sociedade – sejam eles os podcasts ou, até mesmo, os vídeos no Tiktok.

Qual foi o último gibi que você leu? Qual outro brasileiro que você acha que também deveria ter um filme produzido pela Disney?

.

O post Walt Disney e Mauricio de Sousa: finalmente a união acontece por meio de filme biográfico apareceu primeiro em Tecnoveste.

Por que Einstein, quando perguntado sobre como seria a terceira mundial respondeu: “a terceira, eu não sei, mas a quarta será de pau e pedra”?

Um conflito nuclear é um suicídio universal. O filme que citei ilustra bem o que ocorreria e por isso foi tão impactante para todos na época. Além da capacidade direta de destruição das bombas, teríamos a radioatividade.

A radioatividade é extremamente cancerígena. As células do corpo submetidas a ela logo se transformariam em células tumorais, especialmente tumores sanguíneos. Isso geraria hemorragias e mortes dolorosas. A morte dos sobreviventes ao holocausto nuclear seria uma questão de tempo, de um tempo sofrido. O mundo passaria por uma poluição sem precedentes e tudo estaria praticamente contaminado por muitos anos, décadas.

Seria praticamente o fim.

As pessoas precisam entender a capacidade devastadora dessas armas. Por isso, estamos muito atentos e confiantes à questão entre Ucrânia e Rússia. A Rússia não está entre as 10 economias do mundo mas tem o maior arsenal atômico do mundo, herança da URSS, na frente dos Estados Unidos e da China.

Não queremos Nagasaki, nem Hiroshima, nem Kiev, nem Moscou, nem Washington. Não queremos uma nova Guerra Fria, mas muito menos queremos uma Guerra quente, repleta de fogo cogumélico, aniquilando anos de uma próspera humanidade.

Fiquemos atentos e confiantes. E otimistas sobre o fim do conflito em andamento.

Se não, preparemos paus e pedras.

O post Guerra nuclear: suicídio universal apareceu primeiro em Tecnoveste.

A neurociência vem confirmando padrões que não nos damos conta. Posso dar inúmeros exemplos.

Sobre pessoas bonitas e/ou atraentes. Fazemos juízos instantâneos sobre elas sem que sejam definitivamente corretos.  Estudos demonstraram que, ao se defrontar com elas, temos a tendência de  acreditar rapidamente, quase instintivamente, que elas são mais capazes, mais bondosas e mais honestas. Apenas pela beleza e pelo charme.

Olhos grandes ajudam! Estudos mostraram que campanhas para proteger animais de olhos grandes recebem muito mais recursos que os outros. Quem teve a grande sacada de que olhos grandes atraem mais olhares e mais atenção foi um senhor chamado Walt Disney. Daí, parece estar boa parte da atração por Mickey, Minnie e cia!

Pessoas que demonstram constrangimento, que ficam vermelhas quando envergonhadas, são mais perdoadas, tendem a passarem mais confiança para quem os vê.

E pasmem para a última. Furacões com nomes masculinos tendem a ser menos destrutivos do que os que têm nome feminino. É a cultura (ainda que machista) atuando estruturadamente nas nossas mentes. E não estamos falando de categorias e classificações meteorológicas! Quando o furacão tem nome feminino, é percebido inconscientemente como menos agressivo o que interfere na autoproteção da comunidade.

Sei que se chegou até aqui deve ter muitos questionamentos sobre as informações acima, duvidar delas e até achar que existe algo a ser defendido nas entrelinhas. Sinto decepcioná-los. Nada disso. É ciência testada que vocês podem se deleitar, por exemplo, com a leitura de Robert Sapolsky em seu livro COMPORTE-SE.

Sabemos que agimos para além de nossas vontades. Pode ser duro acreditar. Pode se duro aceitar.

Sábio Chaves!

O post Sem querer querendo, os olhos do Mickey e o inconsciente apareceu primeiro em Tecnoveste.

Voltamos para ao quase-presente e então encontramos mais uma das aventuras e desventuras do Sr. Gregory House (o inglês Hugh Laurie). A série (que já terminou) é conhecida por seus conflitos psicológicos, sua ironia, diálogos desconcertantes,  as relações humanas dissecadas e muita medicina. Entre os episódios, já tivemos cisticercose, febre do carrapato, doenças genéticas, síndromes raras, etc. Acho que muitos críticos da série são mordazes quando salientam que não existe hospital como o chefiado pela Dra. Cuddy (Lisa Edelstein), um meio médico atípico, forjado com tanta idiossincrasia do personagem principal. A série é medicina, entretenimento, filosofia, psicologia e licença poética. Tem gente que não entende. Faz parte da ficção, não da verdade.

House tem uma equipe que vivencia quadros clínicos sui generis. Pensa enquanto arrasta sua perna afetada por um infarto. Repele suas dores com constante uso de analgésicos sob forma de comprimidos. Diante de tantos sintomas contraditórios de seus pacientes, de suspeitas e “dessuspeitas”, o tempo passa, o paciente piora e os “insights” salvadores do mestre dos diagnósticos improváveis ocorrem para encerrar os episódios de forma quase sempre feliz. Enquanto nada se encaixa, uma hipótese é presumida levando o paciente para uma cintilografia, uma tomografia, uma aplicação de antibiótico, uma cirurgia. É a praxe socrática de se chegar à verdade.

Favorito para entender o filósofo grego considerado divisor histórico, recomendo pílulas do Dr. House. Mas não as de vicodina (usadas por Gregory). Elas viciam.

O post Sócrates e Dr. House apareceu primeiro em Tecnoveste.

A barata despertou a atenção de um dos maiores autores de todos os tempos: Franz Kafka. Kafka usou a barata como inspiração de seu livro Metamorfose, que conta o incrível caso de Gregor Samsa.

Gregor Samsa é um caixeiro-viajante. Viaja para pagar a dívida de seu pai com seu atual patrão. Não quer esse emprego, mas acredita na missão de salvar sua família, mesmo que por algo que não supôs, nem questionou. Certa manhã, ao acordar, percebe que se transformara em um asqueroso artrópodo: uma barata. Diante do infortúnio, não pode sair da cama, embora lhe ocorra que deva trabalhar. Nesse impasse, até o chefe vem questionar sua ausência. Em vão. Seu corpo não lhe permite que saia, seu novo corpo não deve ser visto por ninguém.

Diante de sua impossibilidade de sair do quarto e do imperativo de sua família para que vá trabalhar, sua nova aparência é revelada.

Entre asco e impaciência, a família incompreende Gregor. Apenas sua irmã procura alguma interação, na esperança de que volte a ser como era antes. A família procura nova fonte de renda porque Gregor não trabalha mais. Hóspedes são acolhidos e se espantam com a criatura-hexápoda. Com o passar dos meses, é esquecido até por sua última linha de humanidade, representada por sua irmã querida.

Apartado dos convívios, em seu quarto esquecido, Gregor não come e assusta a todos, a cada encontro. Sem sua função de amortizar a dívida, Gregor não é ninguém. Sem ser engrenagem, definha. Até que um dia é encontrado magro e morto. Graças à Deus.

O que Kafka quis com essa quase-fábula? Quis falar de baratas? Quis meramente aterrorizar seus leitores?

Não sejamos tolos: não há trivialidades em Kafka. Para além disso, ele usa seu conto de terror com os ingredientes de quem pensa e reflete socialmente. Ainda escrevendo no início do século 20, Kafka apresenta o mundo burguês, o mundo capitalista, em sua literatura fantástica, recorrendo ao nojo. Usa do espaço literário para entornar o caldo de sua crítica.

A genialidade nos livros. Leiamos os livros!

O post Baratas! Vêm Kafka comigo! apareceu primeiro em Tecnoveste.

O livro O Código Da Vinci, escrito por Dan Brown e publicado pela primeira vez em 2003, alia realidade e ficção, uma vez que diversas organizações e locais que existem na realidade são mencionados na obra, de forma a convencer, instigar e orientar o aprofundamento, no que tange as abordagens realizadas na obra. Após três anos de sua publicação, o livro sofreu uma adaptação, sendo incorporado às telas de cinema em 2006, sob a direção de Ron Howard.

Desde então, tanto o livro quanto o filme tornaram-se sucessos absolutos, principalmente por utilizar temas que são discutidos em diversas esferas da sociedade, como conspirações globais, temas polêmicos, assuntos religiosos, mistérios e arte, com o famoso Leonardo da Vinci, pintor, escultor, escritor, desenhista, matemático, arquiteto, engenheiro, cientista e pesquisador autodidata.

A HISTÓRIA DO FLORENTINO

Ao ouvir seu nome, qualquer pessoa, provavelmente, sabe quem é que estamos falando. Leonardo Vinci, o Florentino, comumente conhecido como Leonardo da Vinci, nasceu no século XIV no vilarejo de Vinci, na Itália.

Filho de Ser Piero da Vinci e Caterina Lippi, tornou-se o grande escritor, pintor, cientista e estudioso, graças ao fato de que foi um filho abastado, já que não foi enviado para as “Escolas de Latim” para exercer a profissão do pai, “podendo se beneficiar do instinto de fazer anotações entranhado em sua herança familiar ao mesmo tempo que desfrutava de liberdade para correr atrás de suas próprias paixões criativas”.

Leonardo, à procura de novos exemplos para pintar e trabalhos diversos, se mudou inúmeras vezes, passando de 1452 a 1464 em Vinci, de 1464 a 1482 em Florença, de 1482 a 1499 em Milão, de 1500 a 1513 em Milão novamente, de 1513 a 1516 em Roma e, por fim, de 1516 até sua morte, em 1519, na França.

CLASSIFICAÇÃO DAS OBRAS

Livro – Romance ficcional do gênero suspense, perpassa em diferentes locais temporais e geográficos, trazendo através, apenas do texto (escrita e imagem), os sentimentos que dele emanam, por meio do sentido visual e da ânima. Possui uma narrativa em terceira pessoa com narração que sabe o que os personagens sentem e pretendem fazer, auxiliando e descrevendo em detalhes a linha de raciocínio dos mesmos.

Filme – Objeto audiovisual de cunho midiático-ficcional, do gênero suspense, com momentos artístico-historiográficos. O narrador é em terceira pessoa, no entanto ele permite que o observador interprete o que os personagens estão sentindo. 

RELAÇÕES INTERTEXTUAIS E METALINGUÍSTICAS

A relação intertextual entre ambos os objetos dar-se-á de forma incompleta, uma vez que a forma na qual a mensagem é passada no filme é audiovisualmente, utilizando-se de livros, imagens, obras escriturísticas e esculturas; enquanto que, no livro ocorre exclusivamente de forma escrita e imagética.

A linguagem que foram utilizadas variam entre idioma/língua, variação temporal, texto/visual, audiovisual, imagética e técnica, visto que, podemos dizer que há a incorporação de termos altamente técnico-teóricos em ambos, sendo muitas vezes descritas para que o observador/leitor compreenda.

DIALÉTICA DA ARGUIÇÃO DO GOSTO POPULAR

Dentre as argumentações mais convincentes para o gosto das massas pelas obras analisadas, observa-se a utilização de conspirações globais, de cunho fantasioso e ficcional, para entreter e fazer com que a obviedade seja quebrada.

Leonardo da Vinci era conhecido pela sua irreverência e pensamentos à frente do seu tempo, utilizando diversas referências apócrifas para referir-se às entidades e personagens sacros.

Exemplo disso seria a Virgem dos Rochedos, pintada originalmente para a Confraria da Imaculada Conceição, em duas versões, mostrando a Virgem Maria, João Batista, Jesus Cristo e um anjo, mostrando uma cena que referia-se, “ao encontro da Família Sagrada com João Batista no caminho do Egito, quando fugiam de Belém após o Rei Herodes ter ordenado o Massacre dos Inocentes”.

O fato de que Leonardo da Vinci desempenhava diversas atividades de forma magistral, o tornou mundialmente conhecido, genius, como no latim.

Tanto Dan Brown (autor do livro), quanto Ron Howard (diretor do filme), introduziram em suas obras certos emblemas próprios de Da Vinci ⏤ tons escuros, a razão versus o dogma religioso e, obviamente, as teorias conspiratórias ⏤ tão presentes em suas obras. Há de se pensar ainda que, como a historiografia medita sobre as obras, pensa-se que o afluente de intertextualidades estão, respectivamente, Da Vinci, Dan Brown e Ron Howard (pinturas e esquemas visuais, livro e filme), percebe-se também, uma elevação da complexidade e das linguagens utilizadas para demonstrar as ideias que se devem/querem passar.

Leia o artigo na íntegra, clique aqui.

Bibliografia: ROSEMBERG, Pedro. O verdadeiro Código Da Vinci: O autor e as vertentes de suas obras.

O post Código da Vinci: Filme Vs Livro apareceu primeiro em Tecnoveste.

Stromboli (a sílaba tônica é a terceira) é uma ilha próxima da Sicília. Famosa por fazer parte do cinturão de fogo italiano. Famosa pela filmografia de um dos maiores diretores da história, o italiano Roberto Rossellini. Famosa por uma interpretação marcante de uma sueca de sobrenome Bergmann, de nome Ingrid.

Stromboli, terra de Dio (1949) é o nome do filme de Rossellini e também nome de uma ilha de verdade. Ainda hoje, a comunidade da ilha exemplifica uma vida sustentável, na acepção da palavra, vida essa retratada magistralmente no filme. Rossellini consegue focar na visão das câmeras, na sequência das imagens e na interpretação de Ingrid, um documento de um paraíso natural, carregado com o DNA do que seria a nouvelle vague francesa (de Rohmer) e o Cinema Novo (de Glauber Rocha). 

As famílias vivem da pesca e de algumas culturas – como a da azeitona e da uva. Hoje, há em torno de cem habitantes permanentes na ilha, chegando a quatro mil no verão. Além do turismo, brilham ainda as lentes de Rossellini. Quando gravou, recrutou diversos habitantes da própria ilha para atuarem. Na película, o diretor evoca a natureza o tempo todo. O mar abaixo e o vulcão acima é o verdadeiro filme de pessoas que sobrevivem com receio constante das erupções. A lituana Karen (Ingrid) chega a ilha como quem recebesse sua alforria mas aquela viagem não tardaria a mostra que a levou ao confinamento. Os olhos de Karen captam toda ambientação rústica do lugar e logo traz à tona a indignação contra os modos, as aparências e a brutalidade. Sua resiliência parece ser capaz de superar um possível arrependimento, mas o tempo e os fatos acirram a disputa interna. Seu marido, Antonio (Mario Vitale), traz um furão para caçar coelhos. Ao soltá-lo, o pequeno mustelídeo ataca prontamente sua vítima, arrastando-o pelas longas orelhas. Antonio vibra, Karen chora. 

A comunidade vive de forma simples, ecologicamente correta e na esperança de sobreviver à próxima erupção. Um olho no peixe, outro no gato. Quando ela (a erupção) finalmente ocorre, entram em barcos, vão para o mar e esperam, por horas, as coisas “esfriarem”. O mar é fuga e é o sustento. Uma das sequências mais belas do filme (fora a performance de Ingrid Bergmann) é a da pesca do atum. Tudo é registrado de forma poética, métrica, viva, ritmada e coerente. Os barcos se enchem do grande peixe enquanto os olhos de Karen mais uma vez repousam sobre a ação humana sobre a vida. Ela deveria ficar muito mais espantada se visse o que fazemos hoje. 

Cansada de sua “guantánamo”, de sua “alcatraz”, Karen segue impetuosa vontade para fugir de tanta rudeza, simplicidade e distância do continente: prepara um plano de fuga. Seduz o homem do farol (Mario Sponzo) para ajudá-la mas traça ela própria seu caminho: atravessar o vulcão andando e buscar ajuda do outro lado da ilha, junto à comunidade de Ginostra. De lá, a liberdade. Nada é tão simples. Durante a caminhada, Karen percebe a força da ilha, a fumaça, o calor, o cansaço e invoca Deus para sobreviver e salvar o “bambino” que carrega em seu ventre. De cima de Stromboli, lado a lado com o fogo, a explosão da atriz, da personagem e do meio ambiente deslumbram quem vê.

Stromboli e Cumbre Vieja nos devolvem aquele sentimento de que fazemos parte de algo maior, natural e perigosamente belo. Faz com que retomemos essa relação ambivalente com a natureza e nos devolve para a humildade de olhar o planeta de modo respeitoso, temeroso e fraterno.

E vejam Stromboli de Rossellini!

O post Tsunami no Brasil? Vulcões: espetáculo e perigo – na arte e na vida apareceu primeiro em Tecnoveste.

Estamos em 1939 mas na verdade o tempo é mais remoto: 1861. A história se passa em algum lugar da região sul dos Estados Unidos em plena recém-deflagrada Guerra da Secessão, a guerra civil americana. De um lado, o Sul aristrocrata, latifundiário e partidário imperativo da escravidão. Do outro, o norte industrializado, os intitulados ianques. Um ambiente devastador implantou-se sobre o território dos Estados Unidos levando a quase 1 milhão de mortes durante o conflito (1861-1865). Em uma fazenda do sul escravocrata, Scarlett O’Hara, mimada, apaixonada e apaixonante, inicia uma saga das mais belas da história do cinema. Gone with the wind (E o vento levou). Sessão imperdível (apesar de durar mais de 4 horas…) que deveria estar presente em qualquer lista dessas de “os filmes que devo assistir antes de morrer”.

Os motivos? Um elenco marcante com Vivian Leigh (1913-1967), Clark Gable (1901-1960) e Hattie McDaniel (1895-1952). Muitas indicações para o Oscar (recebeu naturalmente o de melhor filme, sendo o primeiro filme colorido premiado na categoria). Cenas inesquecíveis – como a do incêndio que torrou cenários igualmente importantes como o do primeiro King Kong (1933).  De todas as cenas do filme, a mais tocante para mim é Scarlett retornando a Tara, a fazenda de seu pai. Lá, incendiada e destruída pelos ianques, com a mãe morta e o pai louco, Scarlett não tem o que comer. Com o entardecer ao fundo, segurando o vestido rodado, cabelo em desalinho, ela diz que nunca mais passará fome enquanto viver, segurando nervosamente em uma das mãos um tubérculo, na desolada e arrasada terra outrora próspera.

Fome. 

No centro da cabeça, há um lugar. Ele se chama hipotálamo. Entre outras funções, é o centro da fome. No sangue, um mensageiro: a leptina. A regra é clara: quando você come acima do que precisa, nossa matriz energética estoca gordura nos adipócitos (nossas células dedicadas a “engordar”). Os adipócitos avisam que estão bem abastecidos liberando a leptina. A leptina atua no hipotálamo cessando o apetite. 

Difícil, é o contrário. Estômago vazio, sangue sem açúcar, o corpo reage liberando (a partir do estômago) o hormônio da fome: a grelina. A grelina avisa o hipotálamo: estamos com fome!

Fome.

É um desafio mundial. O exercício de reduzir a fome estava em marcha lenta mas progressiva, mas veio a pandemia. Além dos fatores conhecidos como a seca, o frio, as desigualdades sociais e regionais, as guerras, a má distribuição dos alimentos, tem-se a mais o empobrecimento da população por conta da Covid-19.

Os números atuais assustam. Há uma estimativa de que 23 mil pessoas morreram de fome apenas hoje.  O total de pessoas desnutridas no mundo supera 850 milhões. No entanto, há 1,7 bilhão de pessoas em sobrepeso. Seria lindo que a cena de Scarlett fosse um grito definitivo para cada cidadão dos já quase 7,9 bilhões de seres humanos na atualidade. Enfrentar o incêndio quente de Tara, e esse incêndio frio que revela Neruda…

Fome.

O post Fome: cinema, fisiologia e sociedade apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco do filme

Mitch Buchannon (Dwayne Johnson), líder da equipe Salva-vidas da baía de Malibu, se vê ameaçado pelo playboy Matt Brody (Zac Efron), que acaba forçado a participar da equipe. Em meio a rixa dos dois, um problema maior pede atenção da equipe.

Drogas e outras ações suspeitas aparecem na baía e Mitch convoca a equipe para descobrir a origem dos problemas, entrando assim, em uma aventura épica para salvar mais do que civis de afogamento.

Referências à série de TV

Baywatch tem o intuito claro de não ser levado a sério, porém, faz jus à produção televisiva lançada em 1989. As primeiras semelhanças são percebidas nos nomes idênticos dos personagens, apesar de fisicamente o quadro mais recente de atores ser diferente dos primeiros.

A Produção se vale excessivamente de relembrar a construção estética do primeiro trabalho. temos contato com os Slow-motions (Câmeras-lentas), figurinos bem justos, principalmente nas mulheres. Além, é claro, da reutilização das músicas marcantes da época.

Vale a pena assistir?

Logo no início, o Longa já mostra que não pretende ser levado a sério e acaba ganhando licença poética, quando foca em alimentar a nostalgia do seu espectador. Algo interessante a se ressaltar, é que o Roteiro também tem a intenção de captar públicos mais novos, como é o caso dos nascidos no final de 1990 e início de 2000.

Com relação a história, não há nada muito elaborado para nos surpreender, já que nos primeiros minutos entendemos quem são os mocinhos e vilões. A trama tem bons momentos pastelões para tirar risadas e entreter.

Pelo conjunto de referências e pontos nostálgicos e não prometendo ser algo além disso, Baywatch vale muito a pena ser assistido!

O post Baywatch: S.O.S. Malibu – Dir. Seth Gordon [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história

Charlie Watson (Hailee Steinfeld), adolescente que está prestes a fazer seus dezoito anos, perdeu seu pai precocemente e busca finalizar o projeto que os dois haviam iniciado juntos, construir um Muscle Car e fazê-lo funcionar.

Charlie ainda tenta se adaptar ao novo normal da família, que agora tem um padrasto. Para ocupar a mente, ela vai a um ferro velho regularmente pegar novas peças e fazer a caranga funcionar, mas nada dá certo, até que ela encontra um Fusca abandonado, que a atrai instantaneamente. Ela consegue o ligar e leva para casa. 

Pouco tempo depois o Fusca se mostra muito mais que um simples carro e partilha os desafios e emoções da aventura que os aguarda.

Transformers

Michael Bay já nos tinha apresentado a esse universo de robôs alienígenas que se transformam em veículos motorizados e animais do nosso planeta. Transformers se consolidou cinematograficamente em 2007.

Todos os filmes da linha principal, mostram os robôs Autobots, criando um vínculo com a raça humana e fechando acordo para proteger o Planeta Terra de ataques promovidos pelos antagonistas denominados, Decepticons.

De todos os personagens que aparecem em toda a série de Longas-metragem, os únicos que estão presentes em todos são o Optimus Prime e o Bumblebee, que ganhou esse filme solo.

Bumblebee e Charlie

O Spin-off veio para dar uma pequena repaginada no Bumblebee, que com Michael Bay, tinha uma postura mais imponente em relação aos desafios. Esse filme é sobre seu primeiro contato com a Terra e os efeitos causados por isso. 

O robô cria rapidamente um laço com a co-protagonista, Charlie, exatamente pelo fato dos dois terem seus mundos arrancados de si e serem forçados a seguir com a vida.

Vale a pena assistir?

Fica claro a diferença de abordagem proposta entre Michael e Travis. Se os primeiros filmes buscam um tom mais obscuro na composição, aqui vemos algo mais iluminado e leve.

O ponto alto desse longa, imageticamente falando, é conseguirmos acompanhar sem esforço as coreografias de luta, pois além do CGI ser aceitável, a luz é bem inserida.

O Roteiro é bem feito, criando alguns momentos emocionais e empoderando inteligentemente a protagonista. Há um furo ou outro, como a explicação para a tecnologia dos Decepticons, que conseguem captar um sinal à galáxias de distância, mas quando estão no Planeta Terra, têm dificuldades para localizar um robô no mesmo país. Alguns personagens são extremamente caricatos, como o interpretado por John Cena,  mas não atrapalham a narrativa.

É uma nova versão dos Transformers com história justa. Então, vale a pena assistir, sim!

O post Bumblebee – Dir. Travis Knight [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Breve introdução na história

Em uma pequena cidade, o desaparecimento de crianças se torna recorrente. Enquanto isso, uma família passa dificuldades de relacionamento, por algo ocorrido num passado não muito distante.

Greg Harper (Jon Tenney), policial experiente que se depara com problemas familiares e é convocado para o caso que assola a cidade, onde crianças estão sumindo em grande escala, configurando assim, crime serial.

Ao mesmo tempo, coisas estranhas acontecem na casa de Harper e sua família, composta por Jackie (Helen Hunt) e Connor (Judah Lewis), eles têm que descobrir o motivo, correndo riscos psicológicos e físicos.

Suspense ou Terror?

À espreita do mal tem um grande problema de Roteiro logo no início, quando não deixa claro seu objetivo de gênero. A ideia de abordar crimes em série é interessante, porque entra na dinâmica de filmes policiais, mas a produção fica trabalhando demasiadamente em técnicas típicas dos terrores clichês (Jumpscares e trilha não diegética sem nada acontecendo), deixando o espectador confuso sobre a proposta, pelo menos até o início do segundo ato.

Ritmo

O filme apresenta grandes irregularidades quanto ao enredo e o que é construído visualmente. Enquanto acompanhamos a trajetória da família principal no primeiro ato, eventos estranhos assolam sua casa, até aí tudo bem, isso é uma prática comum e funcional nos suspenses, mas quando acontecem de forma exagerada e no mesmo formato em cenas seguidas, sem a intenção de evoluir a narrativa, se torna desagradável.

Depois da repetição excessiva no primeiro ato, temos os segundo e terceiro atos que deixam claros a experiência que o espectador terá até o fim do longa, já que são dadas explicações verbais pontuais. Alguns Plot Twists são legais, mas poderiam ter mais profundidade quanto ao motivo de acontecerem, para não soar como escape gratuito.

Roteiro e Produção

“À espreita do mal“ tem muitos problemas relacionados ao desenvolvimento de enredo e isso acaba custando caro para filmes de Suspense. Não há grandes atores/atrizes e os personagens não cativam a ponto de torcermos pelo seu bem ou mal. 

O segundo ato do longa-metragem chega a trazer uma esperança de engrenagem da produção, mas na reviravolta para o terceiro ato, tudo vai por água abaixo, quando conveniências passam a servir de muletas para o Roteiro. 

Durante o filme nos deparamos com um conceito interessante, denominado Phrogging (invasão de residências). Phrogging é uma ação feita por criminosos que “pulam” de casa em casa no modo furtivo, se valendo de suas habilidades para praticar sequestros e roubar itens, a fim de obter ganhos sobre as vítimas. Essa ação é muito comum em lugares de subúrbio e condomínios.

Vale a pena assistir?

Infelizmente este não é o filme que eu indicaria quando alguém quisesse algo de Suspense para assistir. Ele tem problemáticas que nos fazem perder o interesse pela história, logo nos minutos iniciais, quando ficam martelando na dinâmica frágil da repetição de elementos que mais pra frente, percebemos não serem conexos com a linha de raciocínio daquele universo.

São poucas as situações que quebram expectativas, fator que deixa o suspense monótono e sem a sensação de perigo iminente. O último ponto de virada é decepcionante e a utilização de figurino sem sentido claro, frustra de vez a esperança alimentada no segundo ato. 

O post À espreita do mal – Dir. Adam Randall [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Zack Snyder provou que sabia dirigir filmes de zumbis, desde a sua estreia no remake do clássico “Madrugada dos Mortos”, por isso essa produção se tornou uma das maiores apostas da Netflix nesse primeiro semestre de 2021.

De cara é preciso dizer que Army of The Dead está longe de ser um grande filme, a história é fraca, o roteiro é bagunçado e ilógico, os personagens não são ruins, mas são mal desenvolvidos e acabam caindo em estereótipos, as subtramas não tem substância e não conseguem construir o elo dramático que era pretendido e o ato final é uma babaquice clichê e preguiçosa.

Apesar dos comentários negativos acima, eu gostei do filme. Zack Snyder conduz a ação com muito estilo, tem muito gore e violência gráfica, a abertura é sensacional, tem uma pegada rítmica que se inicia com um “terror” e é encerrada de um forma inesperadamente melancólica. O cenário pós apocalíptico é bem feito, David Bautista é um herói eficiente, os zumbis são imponentes e são bem aproveitados, os efeitos visuais e maquiagem convencem.

Army of The Dead é uma baboseira divertida, que oscila entre o divertido e o brega.

O post Army of The Dead – O Novo filme de Zack Snyder apareceu primeiro em Tecnoveste.

O conteúdo do filme

Longa-metragem dirigido e escrito por Ody Fraga, que trabalhou bastante com novelas e ficou mais inserido no meio das pornochanchadas.

O filme traz o passo-a-passo da linha de pornochanchada. Temos um roteiro raso no que diz respeito a imprimir uma história engajada, a direção de arte bem fomentada com decoração e figurinos explorados ao máximo, trilha sonora acompanhando os acontecimentos, acentuada principalmente nas cenas envolvendo teor sexual e abordagem de temas polêmicos.

Esse filme é da década de 1980 e fala da mulher na posse de seu corpo e liberdade em meio a uma sociedade machista. Três amigas são as personagens centrais e cada uma vive seus dilemas, são abordadas coisas do tipo, perder virgindade, ter medo de homens, posição de poder, prostituição e fantasias sexuais.

A Pornochanchada

A pornochanchada em sua maioria produzida, é voltada ao público masculino e às vezes beira a um machismo excessivo. “O sexo nosso de cada dia” reflete isso em toda a sua extensão, o tempo inteiro as mulheres são retratadas como objeto, apesar de haver situações onde elas estão no comando de escolher quando vão transar.

Tem uma personagem das três, no final do filme que é extremamente violada, ela tem medo de homens, não é adepta de sexo anal e é praticamente ignorada quanto suas vontades, o roteiro não tem pudor para a situação dela e nas cenas da suruba ela tá morrendo de prazeres, como se sua consciência não estivesse mais ali.

Vale a pena assistir?

Como citei no início da crítica, “O sexo nosso de cada dia” traz a linha completa do que uma pornochanchada deve obter. Para um longa do gênero, eu achei sincero. Não vou dizer que indico para todo mundo, por motivos óbvios, é um filme que apesar de beirar à tosquice, tem que saber digerir criticamente. 

O post Entendendo a Pornochanchada com o filme “O sexo nosso de cada dia”, lançado em 1981 apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história

Clóvis (Marcus Majella) tem infância e adolescência problemática, sem se fixar em um lar familiar. O tempo passa, e quando vira adulto, encontra sua vocação em aplicar golpes (Vendas de artes falsas, furto de dinheiro em conta, não pagamento de despesas, etc.) nas pessoas para se sustentar. 

Após um dos golpes dar errado, ele acaba se deparando, no meio de sua fuga, com a irmã Lohane (Samantha Schmütz). Os dois portam muitas diferenças e tem que se virar para escapar das enrascadas em que se encontram.

A estrutura do filme

Seguindo a Narrativa Clássica, acompanhamos os protagonistas Clóvis e Lohane em um conjunto de cenas cômicas. O Roteiro foca no humor brasileiro, principalmente em se tratando de rir da própria situação. 

O Rio de Janeiro é palco da história, como ocorre na maioria das produções nacionais de destaque. A trilha sonora é interessante, trazendo nomes que vão de Raul Seixas até Anitta, sendo assim, um complemento ao ritmo da narrativa.

A Direção de Arte é bem ativa, dando aos cenários e figurinos, a vivacidade que estamos acostumados a assistir, focando num visual bem litorâneo do Brasil.

Vale a pena assistir?

“Os salafrários” consegue tirar alguns risos, peca muitas vezes no ritmo da história e tem problemas de emoção no Voice Off (o bom é que ele aparece mais no início e depois deixa as cenas funcionarem por si). Apesar de ser um besteirol, falta um pouco de ousadia na ora de elaborar as cenas.

O longa-metragem aborda temáticas relevantes como a corrupção envolvendo políticos e pessoas que aplicam golpes em outras. Infelizmente estamos familiarizados com essas questões, mas o filme traz de forma leve.

Valer a pena ver… até vale, porém, com algumas ressalvas. Tem momentos para você se divertir, então, se estiver em um dia bem ocioso, e quiser rir um pouco das irregularidades feitas por pessoas de má fé no território nacional, essa é a indicação! 

O post Os salafrários – Dir. Pedro Antônio [Sessão crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história do filme

Katie Mitchell (Abbi Jacobson) é a filha mais velha de uma família nada convencional. Ela vive tendo discussões com seu pai, Rick Mitchell (Danny McBride), acerca da aprovação entre pai e filha. 

Katie é aprovada na faculdade de cinema que mais queria, então faz todos os preparativos para viajar até a mesma, incluindo a compra da passagem de avião. Rick, vendo a necessidade de melhorar sua relação com a filha, cancela a viagem de avião da Katie e a convence ir de carro com toda a família até a faculdade.

No caminho eles se deparam com robôs que criaram consciência vingativa contra a humanidade. Katie, Rick e o restante da família são forçados a se unir e combater a revolta.

A estrutura do filme

Trabalhando em cima do Design de sucesso utilizado em “Homem-Aranha no Aranhaverso”, “A família Mitchell e a revolta das máquinas” investe no 3D com um tom pasteurizado. Os personagens são muito expressivos e caracterizados, os cenários são vivos em cores. A trilha sonora tem na base as batidas eletrônicas. O Roteiro segue a Narrativa Clássica, focando na linearidade dos acontecimentos.

Discursos do filme

Mantendo coesão do início ao fim, o filme consegue abordar temáticas variadas da forma mais direta possível. Conseguimos sentir os conflitos entre Katie e Rick, assim criando intimidade com a história.

A Pandemia do Coronavírus se tornou grande ameaça e trouxe mudanças no estilo de vida aos grupos familiares. A vida digital se intensificou, e se antes as pessoas já usam aparelhos digitais para internet e afins, agora viramos praticamente reféns da internet para executarmos as necessidades da vida pessoal e profissional. Então, “A família Mitchell e a revolta das máquinas” retrata a relação que estabelecemos com as tecnologias nos últimos tempos.

Não podemos deixar de comentar que a Pandemia tirou entes de muitas famílias e nos deixou bem preocupados com pessoas próximas. O filme não cita a Pandemia diretamente, mas coloca como assunto secundário, valorizando a importância de quem está sempre ao nosso lado, mesmo que enfrentando suas lutas pessoais. 

Vale a pena assistir?

É uma animação emocionante e carismática, portando alto teor de qualidade que vai desde o Roteiro até o visual na tela. Está lotado de referências à Cultura Pop (Principalmente dos anos 80) e com certeza é um filme feito para assistir com a família toda. Vale muito a pena!

O post A família Mitchell e a revolta das máquinas – Dir.Michael Rianda [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

– Glauber Rocha –

Filme feito em 1959 com direção de Glauber Rocha, a obra iniciou sua carreira promissora.

Sobre o filme

O curta tem 12 minutos e nesse tempo demonstra grande desenvoltura técnica. Há momentos que lembra antes que de passageiro, uma abordagem de Mário Peixoto em “Limite”. Apresenta produção leve quanto à gastos e explora a montagem intensa através de planos detalhe e closes.

“Pátio” tem uma ideia complexa que deixa o espectador pensando como aquilo pode se encaixar em sua interpretação, essa é uma característica muito forte nos experimentais, citei “Limite” no início como possível inspiração, porque  apesar deste ainda ter um mínimo de enredo, mexe com o interior, brinca com as emoções, talvez eu seja arrogante de compará-los, mas a minha experiência juntou as semelhanças.

O interessante é que Glauber, durante sua carreira, vai deixar esse tipo de filme à margem de seu repertório, claro, abusando de alguns elementos, mas com foco em algo mais politizado. “Pátio” não é o tipo de filme que a massa digere com facilidade, ele incomoda bastante, transmite mensagens simultâneas, o casal que perambula entre o chão xadrez, os sapatos estáticos, a vegetação que rodeia o cenário, as expressões nos rostos, isso tudo no campo visual. Esse conjunto acoplado a uma trilha sonora angustiante, cria um incômodo mental, atiça suposições e automaticamente você se pega ligando a obra com sua realidade ou estudo sobre psique.

Vale a pena assistir?

Antes desse curta, eu havia assistido alguns filmes de Glauber, todos representando seu rigor com a estética, os personagens principais vivendo a melancolia existencial, prova de que ele não abandonou os pilares do cinema experimental.

Toda a produção reflete seu lema “Uma câmera na mão e uma ideia na cabeça”, proposta bem executada do início ao fim, a realidade está aí, só segui-la que logo se encontra o que tem de ser mostrado. 

Achei um tanto quanto perspicaz, “Pátio” é de execução simples, porém, com abordagem complexa. A trilha sonora sensacional, seleção de enquadramentos pontuais e roteiro bem articulado. Então, sim! Vale a pena assistir!

O post Pátio – Dir. Glauber Rocha [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história

Desde pequeno, o francês Philippe Petit (Joseph Gordon-Levitt) tem contato com as performances circenses. Seu maior apreço se dá pelo equilibrismo em cordas e durante seu crescimento, se aperfeiçoa neste módulo.

Um dia, quando vai ao dentista consertar um estrago causado em uma de suas apresentações, Philippe se depara com uma manchete de jornal mostrando as Torres Gêmeas de Nova Iorque, quase prontas da obra que está em execução. O rapaz fica encantado com elas e quer fazer algo artístico inédito com elas.

Após convencer um conjunto de conhecidos, o protagonista coloca o seu maior plano em prática, atravessando vários desafios.

A estrutura do filme

O longa trabalha bem o seu Roteiro, principalmente a narração do protagonista enquanto os eventos acontecem. As informações não são passadas demasiadamente, ao mesmo tempo não faltam dados para que o espectador entenda as situações apresentadas.

O filme funciona no sistema de retratar algo factual e que já tem seu desfecho apresentado em outras mídias. Como o trabalho é em cima de algo que já aconteceu, é necessário trazer criatividade ao projeto, e “A travessia” trabalha muito a questão sonora, pensando ainda num visual fotográfico para inserir sensações no espectador.

Vale a pena assistir?

Esse filme é bom se você assistir sem expectativas de ver uma mega produção. Ele entrega uma história cheia de metáforas acerca dos artistas, quando desenvolvem seus projetos. Há o uso de CGI, que às vezes oscila, interferindo na organicidade da cena, mas como o foco não está na computadorização, dá pra relevar.

As atuações são boas, me surpreendi com o Joseph arriscando no Francês, mesmo não sendo seu idioma materno, trouxe intensidade nos diálogos, quando necessário. O restante do elenco foi bem dirigido.

O Roteiro não traz grandes pontos de virada, tudo acontece da forma mais fácil possível para o protagonista e isso prejudica um pouco da credibilidade na jornada dele e atrapalha até o espectador a ter mais empatia com o enredo.

É um filme biográfico e faz homenagem às Torres Gêmeas, então mesmo que não esteja 100% nos padrões de um bom filme, vale a pena assistir, porque se trata de um fato histórico.  

O post A travessia – Dir. Robert Zemeckis [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um filme que desafia todos os padrões dos filmes de suspense, conseguindo prender a atenção do espectador desde o início até o fim, de maneira que, cada diálogo, cenário e objetos deixam um detalhe amostra à respeito não só do enredo mas também de acontecimentos que se tornam presságios uns dos outros. 

O diretor e roteirista Jordan Peele, que venceu o oscar de melhor roteiro original ano passado pelo filme “Corra!”, baseou-se na mitologia de “doppelgängers” para a construção do filme, que nada mais é do que a ideia de cópias do próprio corpo, isto é: aspectos físicos, porém de maneira mais sombria. De acordo com ele, os vilões do filme são representações de nós mesmos, onde nós somos nossos próprios inimigos, desta maneira, explicaria que cada cópia é o lado mais realista de cada personagem mesmo parecendo tão sombrio.

O filme conta com uma escolha de elenco excelente, onde cada ator conseguiu interpretar de maneira única cada personagem, e uma ótima trilha sonora selecionada pelo compositor: Michael Abels, especialista em músicas afro-americanas e que também trabalhou na trilha sonora do filme “Corra!”, propõe um ar mais impactante ao filme, mantendo o suspense em níveis mais elevados e proporcionando arrepios aos espectadores.

“Nós”, é um filme para aqueles que gostam não só de enredo, mas também de envolvimento com os detalhes, narrativa, trilha sonora e atores, um filme no qual requer atenção para se notar todos os detalhes deixados ao decorrer do longa.

O post Nós – O filme que se preocupa com os detalhes apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história

Bart, recepcionista em um pequeno hotel, trabalha em horário fixo sem muita movimentação comercial, o que torna sua rotina tranquila para quem apresenta condições de interação social diferentes. 

Após trocar de turno com um colega de trabalho, um crime acontece no hotel e Bart se vê no meio de uma investigação, carregando consigo algo que pode solucionar o crime.

O protagonista

É importante falarmos sobre a condição do personagem principal, pois é o que vai ditar sua relação com os demais. 

Bart, como é citado durante o longa-metragem, é contemplante da Síndrome de Asperger, Transtorno de Neurodesenvolvimento. Esse transtorno faz com que a pessoa perceba o mundo e outros indivíduos de forma diferente, ressalto que não é uma doença, por tanto, não há cura. Os que carregam a condição, costumam ter um nível de inteligência elevado, apresentando um pouco de dificuldade quanto à interpretação do que é dito e a linguagem proposta em determinadas situações.

As referências

Durante o filme, nos deparamos com homenagens a outros títulos. O Diretor e Roteirista, Michael Cristofer parece ter um grande apreço pelo Mestre do Suspense, Hitchcock, pois seu roteiro em boa parte, faz alusão ao Psicose e Janela Indiscreta. Percebemos tal movimento, quando o protagonista observa tudo o que acontece de câmeras espalhadas pelos espaços e claro, na hora de realizar a montagem da cena do crime.

Ainda há outras obras que parecem ter emprestado um pouco de suas formas, como é o caso de Atividade Paranormal (2007) (Câmeras espalhas, possibilitando vermos praticamente tudo o que acontece) e O Abutre (2014) (O protagonista estando sempre no meio do caos).

Roteiro híbrido

Atualmente, devido às mudanças no cenário cinematográfico, é bem comum assistir obras que mesclam gêneros. Alguns casamentos são mais utilizados como Comédia e Romance, Drama e Suspense, Ação e Comédia… e por aí vai. Acontece que nem toda combinação dá certo, por atrapalhar o andamento dos conflitos iniciados.

Infelizmente a combinação entre Drama, Suspense e Romance não foi frutífera para “O Recepcionista”, que encontra dificuldades em seguir uma linha do Suspense que é interrompida pelo foco em excesso na condição social do protagonista e seu romance com Andrea.

A iniciativa de abordar um tema como Síndrome de Asperger é bom, porque é possível tocar mais pessoas sobre o assunto, já que estamos falando da Netflix, uma plataforma provida com milhões de usuários. Ter um protagonista nesta condição é interessante narrativamente falando, pois um recepcionista sempre está em contato com diversos tipos de pessoas e ilustrar as interações torna possível aparecer situações com boas dinâmicas.

A questão é que o filme é vendido como um forte suspense e entrega Drama romântico com suspense que não desperta grandes curiosidades. Chega um ponto em que o Roteiro abandona o crime (Fato extremamente divulgado nas campanhas publicitárias) e foca na paixão de Bart e a sensação de perigo desaparece quase por completo.

Michael ainda tenta ressuscitar o suspense do caso, trazendo o policial investigador em alguns momentos, assim como a mãe do protagonista, mas não consegue recuperar o clima, tornando a mistura híbrida um fracasso. 

Vale a pena assistir?

Infelizmente há mais pontos negativos do que positivos. Apesar de no elenco ter a belíssima Ana de Armas, sua presença não foi suficiente para mascarar a falta de continuidade nos conflitos inaugurados. 

Começa bem, montando o suspense e quando entra no segundo ato, já não entendemos as funções dos personagens, suas motivações e o pior, o vilão literalmente deixa de existir. Bart não enfrenta situações de provação, que comprovem a evolução do personagem ao fim do enredo. 

Confesso que “O Recepcionista” não está na minha lista prioritária de recomendações.

O post O Recepcionista – Dir. Michael Cristofer [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Um pouco da história do filme

Um senhor de idade faz suas atividades cotidianas, mas sempre evitando entrar em um aposento que está com a porta fechada. Ele sempre para em frente a um cavalete e fica um tempo o observando.

Sua neta vem visitá-lo com certa regularidade e traz desenhos que ela faz pensando nele. Esses desenhos remetem a um passado que ele quer apagar. Um dia, a menina, por acidente, acaba entrando no quarto com a porta fechada e encontra um lindo quadro, aparentemente pintado por seu avô, que a pega no flagra e resgata os sentimentos positivos que aquela pintura lhe causou tempos atrás.  

A animação

Canvas não é inovador esteticamente falando, pois utiliza técnicas em 3D já estabelecidas no mercado. A mecânica da animação é padrão, trabalhando bem nos grandes olhos dos personagens. A ambientação é um pouco seca em cores e seres vivos, talvez para causar uma sensação da solidão, vivida pelo protagonista.   

A proposta é válida?

O curta-metragem é explicitamente uma referência à arte como alívio para nossa existência. O próprio nome, “Canvas”, significa “Tela de pintura”, e a tela acaba sendo um ponto chave na narrativa.

É mais um filme bonito para se ver sem muita pretensão, porque é bem simples tecnicamente, tanto no que diz respeito ao Roteiro, como na estética da imagem. Seus 9 minutos fazem com que ele valha a pena ser assistido. 

O post Canvas – Dir. Frank E. Abney III [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

Tendo sua estreia em festivais em setembro de 2020, esse filme chegou na plataforma de streaming da Amazon Prime Video em alguns países e na Netflix em outros, como no Brasil, uma estratégia incomum de distribuição.

O humor ácido de J Blakeson, agrega muito para a trama, conseguindo criticar os crimes ocorridos, mas sem perder o tom de sátira. O fato das ações da protagonista ter amparo legal, primeiro expõe as falhas do sistema judicial, segundo demonstra como aproveitadores são capazes de usar dessas brechas para se beneficiar e vender uma imagem positiva, de alguém caridoso.

Algumas mudanças de tom prejudicam o filme, pois na última hora tem uma mudança de tom muito desproporcional, o elemento de comédia desaparece, evidenciando outro problema, que é a dificuldade do filme de se encaixar em um gênero, é um mistura de ação, comédia, suspense e drama, na qual não consegue uma dosagem certa.

Rosamund Pike é o grande motivo do sucesso do filme, ele é magnífica, a atriz é ácida e engraçada ao mesmo tempo, o papel dela parece quase uma paródia do seu trabalho em Garota Exemplar, chegando parecer em momentos que teria um plot twist interligando universos a la Fragmentado, dizendo que ela era a Amy com outra identidade.

Peter Dinklage como um mafioso traz um contraste divertido para a história, Eiza González é a responsável por trazer o lado mais humano da protagonista, a relação das duas é bonita e verdadeira, Dianne Wiest traz um atuação forte, é importante até certo ponto da trama, entretanto sua personagem é esquecida durante o filme, o mesmo acontece com Chris Messina que interpreta um advogado.

I Care a Lot possui problemas de tom e continuidade, mas é uma boa sátira com um roteiro inteligente e um personagem principal fascinante.

O post [Sessão Crítica] Filme ‘Eu me Importo’ ( I Care a Lot) do diretor Jonathan Blakeson apareceu primeiro em Tecnoveste.

As culturas do Rio

Nelson Pereira dos Santos dirigiu esse filme de maneira abraçadora, quase em tom inteiramente documental, o título traz bem o que o filme quer passar, o diretor fixou tão bem a sua linguagem que podemos dizer onde ele quis chegar.

“Rio 40 Graus” tem como personagem e local principal a cidade do Rio de Janeiro, também denominada “Cidade Maravilhosa” desde 1904, o enredo é formado e guiado por subtramas onde a matriz é o modo como os miseráveis sobrevivem em meio a uma cidade tão bela.

Nelson explora muito bem as culturas de cada classe social, desde uma sutileza na fala até um conglomerado de atitudes, temos a presença de crianças forçadas a conseguir o sustento da família, vendendo amendoins, ricos desfrutando a beleza da praia e seus dilemas, políticos interessados no bem próprio, além de casais passando por difíceis situações de vida. A valorização cultural é latente no longa, pois há fortes ilustrações da paixão do povo brasileiro por futebol e samba carnavalesco.

A pobreza sempre está presente no país e damos quase automaticamente por ignorá-la, Nelson mostra esse fato de forma muito intensa, ele não precisou de uma mega produção e nem técnicas muito articuladas de câmera, focou em um Roteiro montado com muita inteligência e realidade.

Quando vemos um garoto tentando juntar dinheiro para a sua mãe, sendo atropelado e logo em seguida tem uma cena de pessoas se divertindo e aproveitando no samba, me causa uma sensação desgostosa, não pela dramaticidade, mas pelo fato de saber que isso está presente de forma massiva na minha realidade.

A festa que espanta os infortúnios

Somos um povo que brinca, repleto de fôlego, porém, quando a realidade aparece sob nosso nariz, temos uma tendência a ignorar, porque dói e é esse o ponto trabalhado por Nelson, que finaliza o longa com uma festa exaltando a felicidade brasileira e eu penso que essas mesmas pessoas, amanhã retornarão aos seus problemas cotidianos.

“Rio 40 graus” cumpre bem o seu papel. Fiquei chocado com o roteiro esplendoroso, vejo como uma grande referência, pois resgatou algo que eu estava procurando nos últimos filmes que tenho assistido, uma ficção que traga realidade densa, que force as pessoas a pensarem e analisarem seu meio.     

O post Rio 40 graus – Dir. Nelson Pereira dos Santos [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

  Os filmes de Comédia Romântica sempre marcaram o cinema, trazendo grandes shows nas telas. Acontece que ao longo dos anos, as produções souberam explorar o que o gênero tem de melhor, entregando ao espectador, formas variadas de entreter. Aqui vamos falar sobre “Ressaca de amor” e suas características.

Um pouco da história

  Peter Bretter (Jason Segel) é um compositor musical que está em um relacionamento com sua namorada e atriz famosa, Sarah Marshall (Kristen Bell). Em meio a sua rotina diária, Peter fica surpreendido quando Sarah pede o fim do relacionamento. O protagonista tenta reverter a situação, mas a mulher não muda de ideia, assumindo interesse em outro homem. Ela vai embora.

   Com a ajuda de seu amigo, Peter tenta esquecer Sarah, se encontrando com várias mulheres, mas se vê frustrado em não conseguir o feito. Seu amigo indica uma alternativa, que depois de muita relutância, é aceita. Peter acaba por entrar na ideia de viajar para esquecer a ex e seu destino é o Havaí.

  Lá ele entra na aventura de recuperar sua autoestima e entender a reciprocidade do amor verdadeiro.

Estrutura fílmica

  Escrito pelo próprio Jason Segel, o filme segue a linha narrativa clássica onde o protagonista é posto à prova, após acontecer um evento inesperado (no caso desse longa, é o término com a Sarah). Essa linha não permite gerar grandes surpresas no espectador, mas chama a sua atenção para a história de Peter, que se torna interessante no decorrer do tempo.

  A Direção de Arte dá um show na ambientação tropical do Havaí, as imagens são tão confortáveis de assistir, que até esquecemos por alguns instantes, que houve filmagens em estúdio. Outro ponto do setor é como os objetos cênicos intensificam as características e momentos vividos dos personagens, como acontece com o Peter, que gosta do Drácula e usa uma camisa do Batman.

  No mais, tem a estrutura bem simples. A fotografia é padrão com planos americanos, gerais e alguns Detalhes. Não há nada de destaque na engenharia de som. Eles se valeram do básico e acertaram na escolha.

A ressaca de amor

  A produção toca em temas pertinentes sobre relacionamentos amorosos, de maneira lúdica e real. É destinada ao público que está passando por términos recentes e ao que ainda acredita na continuidade da relação.

  Mas o foco principal é transmitir a mensagem da autovalorização, porque um relacionamento em que o outro te anula, não é saudável. Muitas vezes é melhor dar um tempo ou acabar de fato e fazer algo para o bem próprio, como bem citado pelo filme, uma viagem de renovação.

  A ressaca você cura com o tempo, conhecendo novos rumos, novos amigos e novos amores!

Por

Juliano Ferreira

O post Ressaca de amor – Dir. Nicholas Stoller [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

[Atenção:O artigo a seguir NÃO contém spoiler]

Produzida pela Pixar Animation Studios e lançado no dia 25 de Dezembro de 2020, na plataforma de streaming Disney +. Soul é um drama inteligente, com pitadas cômicas de aventura usando a técnica de animação. É um filme emocionante, que nos faz criar uma experiência sensorial e incentiva uma discussão sobre questões fundamente humanas.

Na trama, acompanha-se o personagem chamado Joe Gardner (Jammie Foxx), um professor de música infantil que sonha em ser um artista de jazz. Quando a oportunidade de tocar em um clube finalmente chega, Joe, após um passo em falso, acaba indo para a “Pré-vida”. Ainda apegado em viver o seu sonho, ele tenta de todas as formas voltar à Terra. Nessa aventura de alma (Soul significa Alma em inglês), ele encontra a 22 (Tina Fey), uma alma que não compreende as partes positivas da vida e deseja nunca mais voltar.

Por um erro no sistema, Joe se torna seu tutor, onde sua responsabilidade é fazer com que 22 encontre o seu propósito de vida. Não é uma tarefa fácil já que ela sempre arruma uma maneira de continuar onde está , sem encontrar o seu propósito para voltar à vida. Juntos, ambos vão aprendendo um com o outro e descobrindo as coisas que realmente deveriam dar valor.

Com a sua conhecida tradição de criar filmes com várias camadas de interpretação, alcançando assim um público mais velho, que se encanta e reflete sobre a vida, sobre a felicidade nas pequenas coisas. Mas isso não significa que o público infantil não é bem-vindo. Talvez a criança não entenda a mensagem profunda, provavelmente vai ser atraída pela a animação e estética impecável. E verá o filme de uma forma divertida e descontraída.

Ficha Técnica

Diretores: Pete Docter, Kemp Powers

Roteiristas: Pete Docter, Kemp Powers, Mike Jones

Lançamento: 25 de Dezembro de 2020

Duração: 1h 47min

Classificação: Livre

Gênero: animação, comédia e aventura

Confira o trailer no link abaixo:

Soul | Trailer Oficial Dublado | Disney +

O post Animação da Disney+, Soul: Uma Aventura com Alma apareceu primeiro em Tecnoveste.

– Dave Lizewski –

  Os filmes Teens de Ação entraram com tudo e dominaram a Cultura Pop. Aqui falaremos sobre Kick-Ass: Quebrando tudo, um dos títulos do gênero. Esse longa tem muitas referências importantes e vamos discorrer sobre elas.

Um pouco da história

  Dave Lizewski (Aaron Taylor-Johnson), um adolescente não muito popular na escola, é grande entusiasta de histórias em quadrinhos e junto de seus amigos, pergunta o por quê de ninguém nunca tentar ser um Super-herói na vida real?  Os amigos dizem motivos concretos que levam à conclusão de que nenhum ser humano é louco o suficiente para bancar essa.

  Querendo desafiar as normas estabelecidas, Dave opta por iniciar suas aventuras como justiceiro fantasiado e tem início bem duro em sua jornada, mas uma garota na escola, seu impulso por fazer o certo e outros heróis reais o levam em definitivo para a jornada de acabar com o crime local.

O filme

   Este é o primeiro de dois filmes da franquia Kick-Ass. Trabalhando em roteiro clássico, nós temos o desenvolvimento dos personagens de forma rápida e clara, deixando o enredo bem previsível, como ocorre na maioria dos Teens de Ação. Seu ponto forte está exatamente na forma clássica de contar a história: O herói está na zona de conforto, algo o chama para a aventura, ele recusa, logo aparece uma oportunidade para ele descobrir novos horizontes e amadurecer, aparece seu colóquio amoroso (motivação extra), aliados e inimigos, e por fim, somos apresentados a uma resolução da aventura.

  A Direção Geral tem trabalho interessante, em se tratando de dirigir o elenco, que não deixa a desejar. Os atores apresentam emoções e transmitem o ritmo da situação ao espectador.

  A Direção de Arte acompanha fielmente a proposta artística, explorando as vestimentas dos personagens sem perder a linha. Traz uma maquiagem bem tratada, por vezes remetendo a estética em um tom cartunesco, assim como ocorre também nos cenários que trazem cores acentuadas. 

  A Fotografia é interessante no que tange à imagem criada para o universo proposto, se valendo bastante de Slow-Motions (Câmera Lenta) para deixar mais em evidência o foco da ação. A coloração é voltada para um azul marinho, a exemplo de outras produções de ação, compartilhando a mesma época.

Referências no filme

  Kick-Ass junta tudo de clichê nos filmes de Ação e Aventura, principalmente aqueles que têm Super-heróis como protagonistas. Os figurinos lembram muito trajes usados, claro que de forma caricata, por heróis da Cultura Pop das histórias em quadrinhos. 

  Não bastando referências nas roupas, há relações que lembram muito a dinâmica de Batman e Robin. As entradas triunfais do gênero são mostradas em tom satírico.

Vale a pena assistir?

  É um filme que assume caráter irônico, recheado de piadas para maiores de idade. Ele brinca muito com a vontade que nos possui de fazer o bem sempre, claro que com um choque tremendo de realidade que limita esse nosso pensamento. Não tem nenhuma novidade narrativa e a Fotografia é atrativa, principalmente para quem se interessa por filmes de heróis com uma pitada de besteirol. Então sim, vale muito a pena!

  Caso já tenha assistido ao filme, deixe nos comentários abaixo a sua opinião sobre ele!  

Por

Juliano Ferreira

O post Kick-Ass: Quebrando tudo – Dir. Matthew Vaughn [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

– Soluço –

  As animações cinematográficas estão entre os nichos mais lucrativos da Sétima Arte, levando milhões de pessoas a acompanharem seus universos. Aqui abordaremos sobre um dos vários trabalhos produzidos pelo estúdio DreamWorks Animation, o longa “Como treinar o seu dragão”.

Um pouco da história

  Em uma ilha isolada de tudo e com tradições Vikings, Soluço, um garoto no meio da batalha entre humanos e dragões, quer provar, ao contrário do que outros imaginam, ser capaz de ir na linha de frente para o combate.

  No intuito de ajudar seu povo, ele prepara uma catapulta e lança uma corda que acerta o dragão que ele queria, o mesmo abre queda, sumindo de vista, e logo em seguida o garoto se depara com outro dragão que parte para atacá-lo. O líder dos Vikings enfrenta o animal e salva Soluço, que na sequência esbarra em uma tora que estraga boa parte da ilha. Ele tenta mencionar o Dragão abatido anteriormente, mas ninguém dá bola.

  Muito frustrado, Soluço vai procurar o dragão e sua busca se torna em um turbilhão de emoções, colocando os valores Vikings à prova e entendendo o seu lugar no mundo.

A animação

  Portando o selo de qualidade DreamWorks, “Como treinar o seu dragão” explora muito bem o impacto visual, utilizando como base do excelente trabalho, o modelo de animação 3D.

  Os Motions são bem introduzidos, tornando os personagens e suas emoções extremamente críveis. Vale ressaltar que é um filme de 2010, então pode ser que haja um desconforto ou outro, quando se trata dos avanços tecnológicos estabelecidos até o dado momento na sua leitura deste texto.

  A Direção de Arte tem um cuidado enorme na hora de construir a ambientação, que apesar de ser desenho, nos faz acreditar que realmente estamos em terras Vikings. As matas, o oceano, os dragões e a ilha são transformados de tal forma que encanta os olhares espectadores.

  A DreamWorks sempre carrega as marcas registradas de um de seus fundadores, o Steven Spielberg. São elas, a qualidade visual e sonora. Tudo impacta de forma encantadora, buscando uma fantasia controlada, trabalhando numa forma concreta de entendermos que aquela história faz parte de um complexo imaginário, e mesmo assim somos capazes de criar conexões em vários níveis sensoriais com ela.

Valores do filme

  “Como treinar o seu dragão” é um filme classificado na categoria infantil, com faixa etária recomendada de 10 anos. Apesar dessa classificação, ele toca em temas que são relevantes em diversas fases da vida e a muitos tipos de pessoas.

  Durante a história nos deparamos com discussões acerca de amadurecimento, de como lidar com o capacitismo e preconceitos de diversas linhas. O ponto central, com certeza, está na busca pela eliminação da intolerância, que está presente em vários momentos da vida em sociedade.

Vale a pena assistir?

  É um filme que carrega grande qualidade visual e sonora, trazendo divertimento e reflexões importantes. Algumas vezes apresenta alguns furos de Roteiro, principalmente em se tratando de informações mitológicas estabelecidas entre humanos e o dragão principal, que na virada do segundo para o terceiro ato são ignoradas, mas nada que atrapalhe sua interação com a trama.

  Vale muito a pena assistir, principalmente com seus familiares!

Por 

Juliano Ferreira

O post Como treinar o seu dragão – Dir. Chris Sanders e Dean DeBlois [Sessão Crítica] apareceu primeiro em Tecnoveste.

O resumo da história

  Um casal anfitrião dá uma festa de virada de ano em sua casa. Muitas pessoas são convidadas e cada uma tem suas peculiaridades. A festa se desenvolve e conflitos vão aparecendo à medida que o casal anfitrião interage com os convidados. Verdades são divididas entre reveladas e guardadas e definem o rumo que as resoluções vão tomar.

A comédia à brasileira

  A noite da virada é um longa-metragem que traz o gênero de comédia. A utilização de vários blocos históricos na trama, lembra o trabalho que fez o “Porta dos fundos” ficar famoso, se valendo de esquetes (peça de curta duração, em geral com teor cômico). Não bastando a inspiração, o elenco tem personalidades como Júlia Rabello e João Vicente de Castro, ambos integrantes do Porta. O tom, por vezes novelesco, não poderia deixar de fora personalidades globais (Contratados da Rede Globo), como Luana Piovani e Marcos Palmeira.

  Durante anos, desde o advento do rádio, as programações brasileiras investem na comédia como entretenimento lucrativo. A cultura nacional de rir da desgraça alheia torna esse cenário possível. Claro que as ideias para se fazer comédia tem fortes influências internacionais, um bom exemplo são as produções Norte-Americanas.

Os pontos do filme

  É um filme bem estruturado e quem quer apenas descansar assistindo a um entretenimento, é ótima indicação. Ele trata de questões que permeiam nosso cotidiano, abordando situações vivenciadas por personagens um tanto quanto caricatos. Não é um longa que tira muitas gargalhadas, mas é divertido.

  A produção consegue transpor a vibe do Ano Novo, falando sobre decisões e renovações e  lembrando que suas ações individuais e coletivas afetam você e outras pessoas em camadas diferentes. 

  Aproveitem o filme e o novo ano que chegou!

Por

Juliano Ferreira  

O post A noite da virada – Dir. Fábio Mendonça [Sessão Crítica / Especial de Ano Novo] apareceu primeiro em Tecnoveste.

O enredo

   Jesper (Jason Schwartzman), um jovem privilegiado e acomodado com sua vida fácil, se vê encurralado quando seu pai, homem com cargo importante na empresa entregadora de cartas, o envia para uma ilha isolada no mapa, a fim de forçar maturidade e responsabilidade por parte do seu filho.

  O protagonista faz uma longa viagem para a ilha e chegando lá, percebe que o povo é bem diferente do que está acostumado a ver em sua civilização. Dois grandes grupos familiares não se dão bem e brigam entre si durante séculos. 

  O pai do jovem viajante fez um combinado que se ele realizasse a entrega de 6.000 cartas naquela ilha até o dia do Natal, poderia retornar à sua vida de luxo. Jesper encontrou seu maior problema, quando percebeu que lá, ninguém mandava cartas, pois devido á guerra, todos se atacavam fisicamente e dispensavam os correios. 

  Jesper precisa de ajuda e recorre a Alva (Rashida Jones), uma professora que largou seu ofício para vender peixe e juntar dinheiro com o objetivo de sair da ilha e ter uma nova vida. Além dela ele fica sabendo através do mapa em seu escritório, que há uma área onde pode tentar conseguir alguém para escrever e receber cartas.

  Chegando ao ponto, ele dá de cara com um velho robusto, que após um chamado místico, pega a carta de um garoto do centro da ilha e quer dar um brinquedo para tirar a tristeza do menino. Os dois realizam a primeira entrega de carta e o protagonista fica extremamente animado, convencendo o velho a levar mais brinquedos às crianças, que agora estão sabendo do feito e querem ganhar seus presentes.  

  Jesper e o velho (Klaus) partem para a jornada de entregar presentes, dando outra cara ao comportamento dos locais, acompanhados de Alva, que volta ao seu ofício original de lecionar na sala de aula. Eles embarcam na aventura de suas vidas para saber suas vocações.

A animação

  Klaus é uma animação com abordagem híbrida, pois mescla estilo 3D com 2D. Os traços dos desenhos são bem delineados, ao ponto que as expressões das personagens ficam muito vivas, acentuando a humanidade presente nas mesmas. 

  As cores pasteurizadas são bem harmonizadas , trazendo um tom mais suave na abordagem. A ambientação é dinâmica com cenários vivos, trazendo a neve como como produto principal durante todo o longa. 

  A trilha sonora acompanha o ritmo do visual explorado, inserindo foleys que trazem sensações acerca da ambientação desenvolvida.

Vale a indicação?

   O filme é bem simples quando se quer entender o enredo e a mensagem que pretende passar. É uma narrativa voltada para quem gosta do espírito natalino, pois trata de personagens e eventos relacionados à ocasião.

  Ele entra para aquela lista dos fofos que em algum momento tiram lágrimas dos seus olhos, pelo fato de ter personagens interessantes e conflitos que estão próximos da nossa realidade.

  Então, sim! Vale a indicação! O roteiro é bom, a equipe técnica deu um show e estamos em época de festas… Nada mais justo do que captar o espírito do Natal!

Por 

Juliano Ferreira 

  .

O post Klaus – Dir. Sergio Pablos [Sessão Crítica / Especial de Natal] apareceu primeiro em Tecnoveste.

O enredo

  Carlitos, envolvido em perseguição por encrenca, acaba correndo pela cidade e em uma das ruas tem contato com uma florista e sua pequena banca de flores. Ela quer vender uma flor e nosso protagonista começa a interagir com a moça, ao passo que ele descobre a cegueira da mesma. Durante a conversa, um ricaço para seu carro de luxo em frente à banca e bate a porta do veículo, fazendo a moça achar que Carlitos foi embora. Percebendo o achismo da florista, ele vai embora de fato, sem corrigi-la e muito encantado por ela.

  O personagem principal vai refletir sobre a mulher, na beira de um rio, mas seu pensamento logo muda de foco, quando um homem bêbado está planejando suicídio por afogamento. Carlitos sem pensar muito, convence o rapaz a não concretizar tal ato, pois a vida tem bastante coisa pela frente. O homem acredita no protagonista e passa a considerá-lo como grande amigo, revelando sua posição social, se mostrando bem rico. 

  Os dois vão comemorar a vida na casa do milionário e em seguida numa danceteria chique. No dia seguinte o protagonista, saindo da casa do rico, vê a florista passando na calçada. Ele pega dinheiro com seu novo amigo e compra todas as flores dela, em seguida, a leva para casa.

   Um tempo passa, o rico fica sóbrio e não se lembra da amizade com Carlitos. O nosso protagonista fica sabendo que sua amada está doente e sem trabalhar e isto se torna um grande problema, pois o aluguel dela está atrasado. Carlitos vai em busca de conseguir dinheiro e entra nas suas aventuras absurdas.

A estrutura

  Participando da categoria de filmes mudos, Luzes da cidade explora bem a trilha sonora, com momentos cômicos onde personagens fazem discursos e suas palavras saem em formas de grunhidos. Há uma cena sensacional, onde tem a gag com um apito, que traz seu som para substituir o barulho de tosses e soluços.

  Os enquadramentos de câmera respeitam a convenção estabelecida pela época, priorizando planos gerais em boa parte do filme, com exceção de pouquíssimos planos fechados e detalhes. Tal padrão, reforça uma atuação voltada para a pantomima (poucas palavras e muito gestual corporal), que em planos gerais se torna importante para o entendimento do público acerca da situação vigente.

  A Direção de Arte busca ambientar a história em uma cidade grande fictícia de 1931, então mergulha em elementos como conjuntos de prédios, casas de milionários, moradias mais pobres, trânsito intenso de carros, etc.

Vale a pena assistir?

  Eu diria que se você é um/a cinéfilo/a apaixonado/a, esse é um dos títulos que deve entrar na sua lista, pois além de ter sido feito por nada mais, nada menos que Charlie Chaplin, apresenta qualidade técnica inigualável.

  É um filme que traz temas pertinentes, como deficiência visual, alcoolismo e amizades superficiais. O jeito como são abordados no longa, mostra como seu criador (Chaplin) era sensível em suas realizações.

  O filme todo é genial, mas a cereja do bolo está na última cena, que com certeza entra para o hall das mais emocionantes e bem montadas da história do cinema.

  Então, sim! Vale muito a pena assistir!

Por

Juliano Ferreira

O post [Sessão Crítica] Luzes da cidade (1931) – Dir. Charlie Chaplin apareceu primeiro em Tecnoveste.

A história

  Após enfrentar valentões no reformatório juvenil ao qual se encontra, Adonis (Michael B. Jordan) chama a atenção de Mary Anne (Phylicia Rashād), que o procura e faz a proposta para ele morar com ela. Ainda desconfiado da mulher, recebe a informação sobre a existência do seu pai falecido, que por sinal se chamava Apollo Creed. O garoto aceita o convite.

  Anos se passam e Adonis está em emprego comum numa grande empresa de contabilidade, com possibilidade de subir de cargo. Dividindo seu tempo entre lutas de boxe noturnas e o trabalho cotidiano, ele decide que tem de focar no que gosta, assim entrando de cabeça no boxe.

  Na busca de descobrir quem foi seu pai, de fato, Creed encontra Rocky Balboa, que fica surpreso ao ver o filho de seu falecido amigo. Adonis tem muita vontade de competir nas grandes lutas e quer o Rocky como seu treinador, e após um tempo relutando, o mesmo aceita. Nesse período, Creed acha o amor em Bianca (Tessa Thompson), uma cantora.

  Com medo de viver na sombra do pai, Adonis e Rocky preferem deixar a sua identidade anônima enquanto se preparam para a luta arranjada com um lutador pertencente à mesma academia de treino. Ao fim do show, seu sobrenome é revelado, bem como a sua história pregressa e Adonis adquire um peso enorme no seu psicológico.

  Assim como o protagonista, Rocky tem de travar batalha pessoal para vencer seus rivais e dar novo sentido à vida. Eles embarcam nos desafios juntos!

O ringue da vida

  Muito antes de Creed: Nascido para lutar, foi lançado o filme Rocky: Um lutador, em 1976 . O Roteirista e idealizador da história, também creditado como protagonista, foi nada mais nada menos que Sylvester Stallone. Hoje nós o conhecemos como um dos maiores artistas de longas-metragem de ação, mas ele nem sempre viveu em alto patamar.

  Na época que começou a dar vida à história do filme, Stallone estava com dificuldades para achar emprego e isso o levou a passar fome, dormir no seu carro e não conseguir cuidar seu cachorro, ele vendeu o animal por não conseguir fornecer a assistência necessária, e com o valor recebido, investiu em transportes para tentar vender seu roteiro, que estava finalizado. 

  Era difícil conseguir fazer alguém comprar a sua ideia nos termos estabelecidos por ele. A história era boa e os Produtores se interessavam, mas Sylvester só venderia o Script, caso fosse acordado a sua participação como protagonista do longa e os realizadores não queriam um ator desconhecido, pois atrapalharia a divulgação do filme. Stallone chegou a receber propostas em torno de US$100.000,00 e recusou, por não aceitarem sua principal exigência.

  Já cansado de rodar com sua ótima história e ninguém aceitar seus termos, o cineasta caiu em frustração, até que num último esforço, apresentou sua ideia ao renomado Produtor de Hollywood, Robert Chartoff. O Produtor aceitou seus termos e ele estrelaria filme, porém, com o salário bem abaixo do mercado (US$ 30.000.00), dando como justificativa o não conhecimento do retorno em bilheteria, pelo fato do Sylvester ser anônimo ao grande público.

  No fim das contas, Rocky foi um sucesso de bilheteria e crítica! Stallone ganhou fama estrondosa e não esqueceu de seu velho amigo. Ele foi atrás do cachorro para pegá-lo de volta, mas o então dono quis negociar um valor, eles acertaram o que foi pedido e o Cineasta recuperou seu amigo. Dali em diante, Sylvester ascendeu exponencialmente no ramo cinematográfico, fazendo as sequências de Rocky e Rambo.

Qual a relação entre Stallone e o filme Creed?

  Após fazer o pequeno apanhado histórico acima, vamos entender o papel de Stallone em Creed. O roteiro que ele escreveu para o filme de 1976 é lembrado como um dos que mais seguem a Jornada do Herói, formatada pelo escritor Christopher Vogler. Os 12 passos da estrutura são explorados um por um.

  A receita que foi para a tela deu tão certo, que gerou vários filmes posteriores. Pela sua importância a nível mundial, Sylvester se tornou referência direta da franquia que perpassou gerações. Isso se deve não somente ao seu status como ator, mas também sua paternidade para com as obras. Sua luta pessoal fez com que criasse algo extremamente relevante.

  Desse modo, observamos em Creed, a sequência de uma ideologia com trabalhos iniciados em 1976. A linha da Jornada do Herói é praticamente a mesma no modo como o protagonista enfrenta seus desafios pela vida. Ele leva pancadas, mas as forças se regeneram e o tornam mais forte.

Falando do filme

  O ponto alto de Creed é visto pelo espetáculo da montagem feita com a câmera em parceria com a trilha sonora. Em se tratando de um longa feito 40 anos depois do primeiro da saga, é perceptível a utilização massiva da tecnologia fornecida no momento da realização. O elenco tem uma química sensacional e cria empatia descomunal com o espectador.

  Creed: Nascido para lutar é importante, pois trata de histórias palpáveis e personagens reais. O criador viveu sua luta e converteu isso em filme. Esse é um dos exemplos mais marcantes que comprovam a força do cinema na vida das pessoas!

Por

     Juliano Ferreira          

O post [Sessão Crítica] Creed: Nascido para lutar – Dir. Ryan Coogler apareceu primeiro em Tecnoveste.

– Bruce Wayne –

  Após inúmeras adaptações para o cinema, o morcegão ganhou a versão de Nolan, que por sinal foi muito bem recebida devido às suas características marcantes. Aqui vamos falar sobre o legado deixado por essa produção ao futuro da Sétima Arte.

Construindo o Wayne

  Pelo pouco do que você tenha lido ou assistido sobre o personagem, deve ter notado que as histórias sobre o assassinato envolvendo os pais do mesmo, acabaram determinando seu destino para se tornar o Batman. No cinema esse acontecimento já havia sido noticiado pela versão do Batman (1989) de Tim Burton, com o Coringa sendo o assassino para criar um contexto mais dramático.

  Em Batman Begins (2005), Bruce se sente culpado pela morte dos pais, vivendo um misto de impotência e raiva que o domina pela infância, adolescência e início de vida adulta. Sua amiga Rachel (futuro colóquio amoroso) se preocupa com a sede de ódio que o domina e isso faz com que ela o repreenda. O rapaz, percebendo um egoísmo excessivo de sua parte e vendo a podridão existente no submundo de Gotham (sua cidade) decide partir em uma jornada com o objetivo de sair da sua bolha e entender qual a verdadeira face do mundo ao qual pertence e conhecer o seu verdadeiro “eu”, trabalhando a força do nome de sua família.

  Essa viagem é interessante do ponto de vista narrativo, pois temos nos primeiros minutos do filme, a existência de uma mini “Jornada do Herói”, ou melhor, “Jornada do Bruce” que prepara o terreno para quase na metade do longa, entrarmos na “Jornada do Batman”. Quando se coloca as duas caminhadas em ação, os ideais do personagem se tornam bem críveis e com isso, a história vai para um patamar muito forte de interação com o espectador.

  O objetivo do Diretor em criar um herói mais humano fica evidente quando somos apresentados aos títulos da trilogia, pois “Batman – O início” nos força a entender que veremos um movimento a partir de uma origem, e não estamos falando de uma introdução em cinco minutos para rapidamente ir à pancadaria. Nolan percebe a necessidade de formar o caráter do Bruce Wayne antes de se direcionar a justiça presente em Batman.

Eu sou o Batman

  Fundado o território Wayne em Batman Begins, vamos para mais duas sequências que marcaram o cinema, com sucesso de críticas e bilheteria. Agora o herói carrega a alcunha de “Cavaleiro das Trevas”.

  Ra’s Al Ghul chegou para mostrar que um bom herói não se faz sem um ótimo vilão. Como líder da “Liga das Sombras”, foi o responsável por fazer Bruce enxergar que a justiça nem sempre é justa, mas é o jeito correto para lutar contra o mau. 

  Após essa lição, Wayne viu o poder que tinha em mãos para combater o crime escancarado em Gotham. Muitos se viram calados e com medo, mas sentiram a presença de um símbolo que bate de frente com as irregularidades. Agora eles têm um protetor.

  No segundo filme da saga, Batman divide os holofotes com o que talvez seja seu maior algoz, Coringa! Não sabemos sua origem, mas instaurar o caos anárquico é a sua maior qualidade. Ao mesmo tempo em que o palhaço aparece, Harvey Dent (futuro Duas Caras) arca com o mundo político para limpar a criminalidade da cidade, infelizmente falhando em seu trabalho e se tornando o que combatia.

  Batman vê a potência do Coringa em puxar mentes boas ao seu planejamento e usa todos os seus artifícios para pará-lo, consegue, mas depois de um enorme estrago feito, inclusive perdendo sua amada, Rachel. Além de sua perda, foi obrigado a ver sua cidade o taxar como antagonista e isso foi o suficiente para deixar seu manto guardado por um longo tempo. 

  O longa-metragem derradeiro dessa trilogia se trata do renascimento pessoal de Bruce, pois perdeu mais uma das mulheres de sua vida e Gotham necessita o retorno do morcego, já que integrantes da “Liga das Sombras” (Talia Al Ghul e Bane) aparecem como grande ameaça.

  O ressurgimento do Batman é um tanto quanto conturbado, pelos fatores listados acima com o adicional de todos acreditarem ser ele o culpado pela morte do Harvey (o incorruptível na cabeça do povo). Recebendo apoio de velhos amigos (Lucius Fox, Jim Gordon e Alfred), do jovem policial Robin e da Selina Kyle (Mulher-Gato), ele bate de frente com os inimigos e deixa a cidade segura. 

  Batman com sua identidade agora revelada aos mais próximos, percebe que suas ações deixaram a cidade segura por um tempo e que está na hora de aposentar a fantasia, pois entregou o que Gotham precisava naquele momento, esperança e paz. Além de deixar a população em tranquilidade, Bruce encontrou um novo amor em Selina Kyle, passou seu legado ao Robin e concluiu sua jornada pessoal.

O legado da trilogia

  Depois de assistirmos as versões cartunescas do héroi no cinema, promovidas por Tim Burton e Joel Schumacher, que óbviamente tem seu valor, Nolan mostrou que trazer vários tipos de adaptações para uma mesma história base é algo sempre bem vindo.

  A trilogia iniciada em 2005 com fim em 2012, teve tempo de qualidade para inserir uma abordagem diferente e que interessasse aos públicos alvo. Ela dialoga com muitas faixas etárias e a seleção de Christopher para ficar a frente do projeto, foi providencial, porque ele tem características autorais marcantes e há quem odeie seus métodos ou ame. Ele é o tipo de Diretor que gosta de tudo bem explicado, então além de mostrar com a câmera, também quer explicar com falas. 

  Essa abordagem para os filmes do Cavaleiro das Trevas foi extremamente importante, pois quando você tem a intenção de fazer o seu público variado entender uma situação dita como complexa, estabelecer a combinação de linguagens torna o processo lúdico.

  Além da linguagem posta, o enredo presente (focando na construção humana antes do desenvolvimento do herói) serviu de carro chefe para muitas produções que vieram em sequência, como é o caso do filme “Watchmen (2009)”. 

  Até hoje, por muitos, é vista como uma das melhores trilogias de herói já feita.

Por

Juliano Ferreira     

O post O Batman de Christopher Nolan (2005) e a revolução nos filmes de heróis apareceu primeiro em Tecnoveste.

  A Tecnoveste em hipótese alguma poderia ignorar essa data e quem vos escreve, assistiu alguns títulos do terror e após seleção delicada, optou por fala do longa “A casa de cera”.

A história

  Um grupo de jovens, composto por dois irmãos e quatro amigos, partem com seus carros pela estrada com o intuito de assistir a um jogo de Futebol Americano. No trajeto eles optam por cortar caminho para otimizar tempo, mas o atalho está interditado e eles pegam uma saída que não conhecem. 

  O grupo acha uma área no meio do mato e acampam por lá, sendo amedrontados por uma caminhonete que aparece e vai embora sem motivos expressos. No dia seguinte, um dos veículos está com a correia do motor arrebentada e os jovens discutem para ver a melhor solução que envolva chegar ao estádio para assistir o jogo. 

  Eles se separam e um estranho oferece carona ao casal de namorados, alegando a existência de uma cidade a poucos quilômetros dali, após seu comportamento duvidoso, os jovens decidem seguir parte do trajeto sem sua ajuda, eles acabam encontrando a cidade que tem uma famosa casa de cera no centro. Após o encontro com pessoas de índole questionável, o grupo todo corre perigo e a única saída é lutar por suas vidas. 

A estrutura fílmica

  O filme, sem muitos rodeios já mostra a qual gênero pertence e claramente é apresentado como Terror, seguindo a vertente do subgênero Slasher. Este subgênero ficou muito famoso na década de 1970, com a chegada de longas-metragem, como “O massacre da serra elétrica”. As características mais comuns desse segmento são um orçamento baixíssimo, a existência de um assassino em série (Serial Killer) e de um grupo composto por pessoas que morrem e outras que confrontam o vilão. 

  Jaume traz Direção bem simples, ao ponto que seu elenco carrega traços caricatos ao máximo, com exceção do antagonista vivido por Brian Van Holt, que traz o equilíbrio entre um sujeito civilizado e um psicopata voraz. 

  A fotografia cumpre bem seu papel, buscando enquadramentos famosos do gênero, como a subjetiva trêmula(ponto de vista) do assassino e travelings lentos e mais fechados, que criam tensão no espectador. Os jumpscares aparecem de forma demasiada, depois de um tempo, isso faz com que seu poderio de susto não faça tanto efeito quanto nos primeiros.

  Os som é de qualidade, assim como os efeitos especiais, obviamente levando em conta o ano no qual a produção foi apresentada ao público, em 2005. Os assassinatos são bem desenvolvidos e criam bastante aflição.

Vale a pena assistir?

  A casa de cera é um longa que nas duas vezes que assisti, saí feliz com o resultado. É bem simples no seu objetivo, tendo como público alvo adolescentes e jovens adultos, pelos diálogos e reflexões propostas, mas aqueles amantes do bom de Terror com carnificina, também são bem vindos. Então, sim! Vale muito a pena!  

Por

      Juliano Ferreira      

O post [Sessão Crítica / Especial Halloween] A casa de cera (2005) – Dir. Jaume Collet-Serra apareceu primeiro em Tecnoveste.

A produção

  Vera Cruz tinha objetivos específicos e foi eficaz em atingir quase todos. “O Cangaceiro” é baseado na história de Lampião e seu bando, mas foca no romance de seu braço direito com a professora sequestrada em troca de conseguirem vantagem. O filme segue a narrativa clássica com três atos e pontos de virada bem demarcados, os personagens aparecem bem trabalhados e são fundamentais no desenrolar da história. O quarteto amoroso é uma forma de conseguir entreter o público alvo.

  Gostei muito da técnica, a fotografia sofisticada com planos gerais interessantes situam bem onde a história se passa, apesar das gravações terem sido feitas no interior de São Paulo, consigo ter a impressão que tudo se passa no Nordeste. As atuações convencem, porém, os traços europeus nos rostos bem esculpidos tiram a simplicidade de quem compõe o Cangaço, isso acaba prejudicando a veracidade da mensagem a ser transmitida.

  Quando falo que a Vera Cruz atingiu quase todos os objetivos, é que por um grande detalhe essa produção não alavancou outras do mesmo estilo. A produtora pensava alto, queria competir com os polos mundiais do cinema, dentre eles a famosa Hollywood que estava vivendo sua “Era de Ouro”,  onde estaria o problema? Bem, Hollywood estava crescendo dentro de uma potência mundial, Estados Unidos, onde o estilo de vida é totalmente diferente e a educação do público cinematográfico se adaptou às obras que lhes são passadas.

A realidade

  No Brasil, ainda país de “terceiro mundo” o quadro é bem diferente, povo sofrido, pobreza escandalosa com as pessoas sem acesso ao entretenimento, a produtora seleciona um público pequeno e esquece do restante que representa a maior parcela populacional, isso é a receita para algo sofisticado com foco no exterior não dar certo nacionalmente.

   No mais, o filme tem pontos bacanas, como falei da fotografia e atuações, tem uma riqueza cenográfica, explorando a natureza e afins. Indico sem pestanejar para quem estiver procurando um romance com musical, aliás a trilha sonora perfeita sem exagero e aconchegante para os ouvidos, percebi um grande envolvimento de todos ali presentes, ótimo filme!  

Por 

Juliano Ferreira

O post [Sessão Crítica] O Cangaceiro (1953) – Dir. Lima Barreto apareceu primeiro em Tecnoveste.

Arrasa quarteirões

   Se buscarmos uma tradução mais literal para o Português, Blockbuster fica como “Arrasa quarteirão”. Esse termo ficou popular em 1975, devido ao sucesso absoluto do filme “Tubarão”, que investiu 9 milhões de dólares na produção, com um retorno de 470 milhões de dólares em bilheteria (Número convertido para a cotação atual*).

   Apesar de ganhar um nome na década de 1970, esse movimento tem quase a mesma idade do cinema, à medida que durante as décadas de 1910 e 1920 tivemos o surgimento de curta-metragens com foco no que chamamos de “Comédias pastelão” ou “humor fácil”, que são basicamente aqueles roteiros em que os personagens se metem em situações de cunho físico e constrangedoras. O nome mais famoso dessas obras é Charlie Chaplin, que ao lado de grandes artistas como Buster Keaton e Harold Lloyd, levou multidões aos cinemas para gargalhar da vergonha alheia.

   Com o passar dos anos, as produções ganharam novos ares, explorando a carreira de longa-metragens, que foram fundamentais no desenvolvimento e popularização de Hollywood. Se antes, personalidades como Chaplin injetavam grande quantidade de dinheiro em curtas, agora os produtores colocam muito mais nos longas. Se o investimento é maior, o retorno tem que ser mais do que satisfatório.

   Os proprietários dos estúdios buscam entender a mentalidade de seu público e percebem a oportunidade de usar massivamente o “Sistema de Estrela”, sistema voltado para que os fãs saibam praticamente tudo da vida dos atores/atrizes famosos e através dessa humanização da figura pública, criem um vínculo afetivo com a estrela, a ponto de quando ela aparecer em algum show, irá assisti-la a qualquer custo. Então, quando uma produção anunciava o protagonismo de James Stewart ou Grace Kelly, era certo a presença de grande número de espectadores.

A ideia do Blockbuster

   A princípio, um Blockbuster tinha como premissa, gastar pouco com um retorno gigantesco. Hoje gasta muito para se ter grandes bilheterias. A verdade é que temos dois grupos dentro deste termo, o que tem sucesso e o que fracassa.

   Os filmes que pretendem arrasar quarteirões e têm sucesso são os que vendem bem a ideia com trailers e propagandas. Eles visam trazer novidades no meio cinematográfico, geralmente voltadas ao movimento tecnológico visual, então as histórias presentes nos roteiros ficam em segundo plano, prejudicando uma boa colocação na academia do Oscar, por exemplo. Também portam linguagem acessível à população em massa, seja nos signos ou diálogos.

   Os que fracassam muitas vezes pecam no marketing do filme, mas tem outros fatores como a seleção de elenco que não agrada o público.

Funciona?

   Os Estados Unidos são conhecidos por muitas coisas, mas é inegável que Hollywood é sua maior potência perante o seu reconhecimento no mundo.

   Hollywood ascendeu sua fama construindo e adaptando fórmulas que são utilizadas até hoje. Essas fórmulas são carinhosamente chamadas de “Enlatados Americanos”, que por sua vez são a alma do Blockbuster. 

    Esse modelo, por ser taxado como parte da cultura Norte-americana, pois exalta o sonho americano, deixando as histórias e situações um tanto quanto atrativas ao povo. Quem nunca sonhou em salvar a Terra de um apocalipse? 

   Então, sim. Funciona! A Jornada do Herói é sempre seguida à risca e já perdemos a conta de quantos títulos Blockbusters foram realizados e levaram pessoas aos cinemas, quebrando vários recordes de bilheteria. 

   Se ainda não está crente do que foi dito nesse texto, basta passear pelos filmes atuais do Império Disney! Você encontrará cada detalhe que aqui foi citado.

Por 

Juliano Ferreira

O post O que é Blockbuster? apareceu primeiro em Tecnoveste.

  Curta-metragem realizado em 1942, foi concebido pelo Humberto Mauro que dispensa apresentações, simplesmente um ícone da gama cinematográfica brasileira, esse é o terceiro filme de sua autoria que tenho o prazer de assistir e comentar.

  O curta faz uma viagem no tempo contando uma história breve para justificar e esclarecer ao espectador o motivo da princesa Isabel assinar a carta da Lei Áurea. Humberto usufrui de seus recursos padrões, a começar pela câmera que a todo momento sinaliza o ponto interessante na sequência da trama, a ambientação e decoração dos locais são mostrados com o intuito de “martelar” a situação transmitida.

  No início tem a narração que temporiza a época da história e em seguida os personagens nos guiam com ações. A montagem casa como sempre nos filmes desse cineasta, fica fácil adquirir empatia com o objeto em cena.

  Apesar de saber os significados da Lei Áurea para a construção nacional, é interessante absorver obras que contam seu contexto, porque se você puxa isso para um âmbito de cultura como é o cinema, por exemplo, a população consegue acesso às informações de forma mais optativa. 

  O diretor tomou cuidado ao construir as personagens e ambientá-los. O engraçado é que a princesa Isabel é retratado de forma muito ingênua e essa característica Humberto Mauro tem facilidade de trabalhar, principalmente em figuras femininas.

  A relação da protagonista com sua amiga é sempre de brincadeira e inocência infantil, até que elas encontram uma escrava passando fome e com medo, Isabel vê seu sofrimento e percebe que o Brasil colonial não é como no Palácio Real, o mundo afora apresenta desumanidade.

A Redentora 

  “O Despertar da Redentora” traz reflexões sobre a escravidão, no final temos imagens dos escravos felizes sendo libertados, mas se estudarmos a fundo, veremos que após as libertações, os mesmo ficaram sem opções para uma vida digna, pois saíram sem nada. Isso não é uma crítica, apenas uma observação, pois acho que o objetivo do filme era ilustrar o contexto da Lei Áurea e não o que sucedeu. 

  Gostei e indico. Mais um filme extremamente didático que com 18 minutos passa um assunto que a pessoa demoraria horas para entender. Fotografia genial, roteiro na medida e trilha sonora nos conformes.     

Por

Juliano Ferreira

O post [Sessão Crítica] O Despertar da Redentora (1942) – Dir. Humberto Mauro apareceu primeiro em Tecnoveste.

   Esse é um longa que tem a direção e roteiro feitos pelo Rogério Sganzerla, que na época do lançamento, tinha apenas 22 anos. Ele conseguiu viver do cinema ao longo da vida, mas seus outros títulos não tiveram tanta notoriedade quanto a do filme que irei escrever sobre.

   Abusando e externando da cultura pop em tela, “O bandido da luz vermelha” é um filme de ficção baseado nos crimes cometidos pelo personagem-título. A trama em sua totalidade apresenta características que até então não percebi nos outros filmes nacionais da época, que assisti. Os enquadramentos e movimentos da câmera, apesar de não serem originais na composição, são bem colocados e dinamizam o fato em foco, recurso explorado a fundo no cinema Hollywoodiano, peguei essa referência logo de início com a perseguição de automóveis. 

   O protagonista “rouba” a cena com a atuação intensa de Paulo Villaça, você sente o peso dramático a ser transmitido e as cenas que envolvem a quebra da quarta parede são sensacionais. Os demais componentes do elenco cumprem seu papel de forma importante. A trilha sonora é repleta de canções que provavelmente o público da época estava familiarizado, pude reconhecer algumas e isso fez com que eu me aproximasse mais da proposta da obra. 

   O roteiro mescla elementos quanto à narrativa, segue a clássica, mas traz o rompimento da quarta parede, há sempre uma narração, seja de jornalista, seja do protagonista, tem o arco do herói, seus conflitos pessoais e profissionais são apresentados sem dificuldade de interpretação. Gostaria de parabenizar também a montagem com cortes milimétricos e encaixes estudados com otimismo.

O legado 

    O filme realiza críticas fortes ao contexto da época, estamos falando de algo lançado em 1968, a ditadura estava ocorrendo desde 1964, temas como sexualismo, terrorismo, comunismo, guerras, pobreza, corrupção e movimento intelectual são discutidos e ao assisti-lo, a impressão é que enquanto leio uma crônica de jornal, estou escutando uma rádio-notícia. 

   “O bandido da luz vermelha” pode ser chamado de clássico nacional, devido ao processo em geral, não tive dificuldade em perceber os signos apontados. É um longa que tem linguagem forte voltada para uma esfera política e social de 1968, pode ser usado até por historiadores. Não fica devendo em nada do que propõe e prendeu a minha atenção.    

Por

Juliano Ferreira

O post [Sessão Crítica] O Bandido da Luz Vermelha (1968) – Dir. Rogério Sganzerla apareceu primeiro em Tecnoveste.

O cinema tem o potencial de fundir o que melhor se constrói nas outras artes. O processo de relação com a literatura se torna intenso, no que diz respeito à fomentação de um roteiro. Temos grandes influenciadores que colaboraram bastante com a evolução e entendimento da escrita cinematográfica.

Joseph Campbell, um professor universitário e mitologista do século 20, percebeu as semelhanças presentes em praticamente todas as histórias que tratavam de temas míticos e fantasiosos. Ele se aprofundou no estudo de que se “dissecarmos” os enredos dos livros, encontraremos um padrão que liga o protagonista (herói) às etapas de provações experienciadas pelo mesmo. Formalizando os resultados de sua pesquisa, Campbell relatou a utilização de 12 etapas na “Jornada do herói mitológico”.

1. O mundo comum

Fase em que conhecemos o ambiente inicial, geralmente para entender o cotidiano do nosso personagem. São estabelecidas algumas características que serão exploradas nos passos seguintes.

2. Chamado à aventura

Surge o primeiro contato com algo que sai do cotidiano. É um convite da situação que precisa da atenção do nosso protagonista.

3. Recusa do chamado

O medo de deixar sua vida cotidiana e entrar em novo desafio, faz com que o herói recuse o chamado.

4. Encontro com o mentor

O mentor pode ter várias representações física e espiritual. Ele tem a função de treinar e guiar o protagonista até certo ponto da narrativa. O encontro geralmente é um tanto quanto conturbado, já que toma um tempo até o herói aceitar os métodos de seus ensinamentos.

5. Travessia no primeiro limiar

Limiar significa fronteira, limite. Esse momento marca o primeiro ponto de virada da história, quer dizer que dali para frente a narrativa vai decolar, pois os objetivos estão tomando o caminho da concretude.

6. Testes, aliados e inimigos

Essa fase, talvez seja a que mais se repita durante o processo narrativo, pois aborda os desafios variados que estarão no caminho do herói. Isso faz com que ele se fortaleça na trilha.

7. Aproximação da caverna oculta

A sétima etapa sinaliza o segundo ponto de virada do conto. Após enfrente um caminhada intensa, repleta de contratempos, chegamos ao objeto da busca. Toda a preparação entre herói e mentor foi para este momento, onde se situa o perigo supremo a ser batido.

8. A provação suprema

 É o momento em que o protagonista encara a situação de morte ou quase morte, ressurgindo (metaforicamente ou literalmente) em seguida, portando equilíbrio e força maior. 

9. Recompensa

Após ganhar a batalha travada com seu maior desafio, até então, o herói se apossa do seu objetivo interessado desde o início de sua caminhada.

10. Caminho de volta

O terceiro ato começa nessa fase. O herói ainda está no ambiente da aventura, decidindo retornar ao mundo comum, mas seus inimigos tornam essa volta bem complicada.

11. Ressureição

Trazendo uma intensidade maior que a fase 8 (A provação suprema), a décima primeira vai encorpar ainda mais nosso herói, pois o perigo maior será combatido e para além disso, teremos mudanças definitivas na personalidade do protagonista, advindas de sua vivência no mundo da aventura. O procedimento vai culminar no renascimento do indivíduo.

12. Retorno com o Elixir

É a etapa derradeira da jornada. Nela é conquistado o que era necessário para o protagonista amadurecer com êxito e fazer a diferença no mundo comum ao qual pertence. Seu retorno é o ponto alto.

A jornada no cinema

Os passos listados acima podem ter variações de acordo com a necessidade do roteirista. No cinema é utilizada a adaptação dessa estrutura feita pelo escritor Christopher Vogler, que escreveu o livro envolvendo a mesma temática “A jornada do escritor: Estrutura Mítica para Escritores”.

O post O que é a Jornada do Herói? apareceu primeiro em Tecnoveste.

A Ladytron – cujo nome é proveniente de uma músia da banda precursora o punk e do Synthpop já nos anos 1970, Roxy Music – nasceu em 1999 em Liverpool, Inglaterra como uma banda de banda electropop. A banda excursionou como banda de abertura da banda Cansei de Ser Sexy. Os integrantes da banda são a vocalista escocesa Helen Marnie, o chinês Reuben Wu, o inglês Daniel Hunt, e a búlgara Mira Arroyo.

A inspiração visual do diretor surgiu a partir discussões que teve com um dos integrantes da banda sobre a letra e a música. O tempo e a fragilidade do tempo são temáticas que perpassam a história contada na tela e imbricam o entendimento de cultura e cancelamento da cultura.

Neste compromisso com o irracional, Manuel define que o “o tempo é comprimido entre a nossa resistência à mudança e a nossa urgência pelo futuro, perdendo o sentido do futuro e do passado, onde não mais existe tempo”. Segundo o diretor e roteirista, a falta de tempo que a rotina nos impõe nos impede parar e pensar sobre coisas importantes como o amor, humanidade, felicidade, luto. Ainda afirma que:

A única possibilidade de redenção é aceitar a beleza e a fragilidade da verdade e aprender a viver e amar o momento.

Confira a Discografia Completa da banda LadyTron

Álbuns de estúdio e trilhas sonoras

604 (2001)
Light & Magic (2002)
Witching Hour (2005)
Velocifero (2008)
Gravity The Seducer (2011)
Ladytron (2018)

EP e compilações

Miss Black and Her Friends (1999), Apenas Japão
Mu-Tron EP (2000)
Softcore Jukebox (2003)
Extended Play (2006)
Live at London Astoria 16.07.08 (2009), Ao-vivo
Best of 00-10 (2011)

Singles

“He Took Her to a Movie” (1999)
“Playgirl” (2000)
“Commodore Rock” (2000)
“The Way That I Found You” (2001)
“Seventeen” (2002)
“Blue Jeans” (2003)
“Evil” (2003)
“Sugar” (2005)
“Destroy Everything You Touch” (2005)
“Ghosts” (2008)
“Runaway” (2008)
“Tomorrow” (2009)
“Ace of Hz” (2010)
“White Elephant” (2011)
“Mirage” (2011)
“The Animals” (2018)
“Far From Home” (2018)

O post Premiere: Ladytron – curta metragem “Torre de Vidro” do diretor Manuel Nogueira apareceu primeiro em Tecnoveste.

Começamos a semana falando como o Facebook possibilita a você encontrar um novo trabalho e pesquisar quanto vale o que te pagam na atual posição que você ocupa na empresa em que você trabalha hoje.

Facebook Jobs: o que é, para que serve e como funciona

As recentes mudanças que têm ocorrido na sociedade brasileira têm possibilidade, em alguns casos, o uso da ciência e da tecnologia em favor da desburocratização dos serviços públicos e da modernização de atividades triviais como dirigir. Nesse sentido, a CNH Digital é um grande avança para todo mundo que conduz veículos e, sobretudo, para aqueles que não gostam de andar com carteira muito volumosa.

Carteira Digital de Trânsito (CNH Digital): o documento do futuro

Elon Musk é realmente o Tony Stark da vida real, mas sem toda aquela arrogância. A mais recente atividade dele é o Neuralink, um sistema avançado de integrar o cérebro humano à dispositivos tecnológicos, tanto para recuperar pessoas que tiveram funções cerebrais prejudicadas por acidentes ou doenças, quanto para aqueles que querem, por meio da tecnologia, se tornar superhumanos.

Neuralink de Elon Musk: uma interface tecnológica mais avançada que smartphones e tecnologias vestíveis

O filme dos Vingadores fez muito sucesso ao redor do mundo todo e você que gosta da 7ª Arte também precisa conhecer o que está por trás desse marco da história do cinema e como as empresas por trás dele lucraram.

Vingadores Ultimato – Um marco na história do cinema

Discutimos, também, sobre criatividade e como os filósofos clássicos que forjaram o arcabouço intelectual dos tempos atuais ainda influenciam os pensadores dos tempos presentes.

Criatividade – Os novos pensadores conseguiriam alcançar os antigos pensadores?

Para que busca um certa orientação mais holística sobre a vida e como tomar decisões mais acertadas ainda tempo um texto super bacana sobre a capacidade de se fazer escolhas corretas.

A capacidade de fazer a escolha certa

E aí, você aproveitou essa última semana?

Quais outras matérias gostaria de ver aqui no Tecnoveste?

Deixe sua opinião nos comentários.

O post Resumo Semanal do Tecnoveste – 12 a 17 de Agosto de 2019 apareceu primeiro em Tecnoveste.

O público crescia cada vez mais, muitos não imaginavam que a Marvel se tornaria o que ela é hoje. A incrível organização e trabalho de enredo, montagens, escolha de atuação e a tão lendária trilha sonora, fizeram com que os irmãos russo construíssem algo incrível que é o universo compartilhado da Marvel, onde, cada evento causa um impacto em cada filme, um seguido do outro.

Vingadores Ultimato entrou para a história do cinema como o filme de maior bilheteria mundial esse ano, ultrapassando a posição na qual o filme Avatar que estreou em 2009 que arrecadou US$ 2,789 bilhões nas bilheterias mundiais, após tantos anos, Avatar que era conhecido como o filme de maior bilheteria de todos os tempos, deixou de ser reconhecido por essa posição. Na primeira vez em cartaz, o longa não conseguiu ultrapassar o tão aclamado Avatar como o filme de maior bilheteria mundial, o sucesso de Vingadores Ultimato foi tanto, que ele foi relançado no cinema com cenas extras arrecadando US$ 2,790 bilhões na segunda vez em cartaz. O sonho dos irmãos russo, assim como te todo diretor de cinema, era de alcançar este objetivo pois todo o universo cinematográfico da Marvel se destinou à este tão aguardado momento, a conclusão de 22 filmes contando com o próprio. Ao ultrapassar Avatar, os irmãos russo (Anthony e Joe Russo) agradeceram aos fãs e espectadores pelo sucesso de Vingadores Ultimato nas bilheterias mundiais.

O universo cinematográfico da Marvel, se dividiu em 3 fases, na qual o longa “Homem de ferro” de 2008 marca o início do universo Marvel nos cinemas. Cada fase da Marvel, era marcada por um ponto central de enredo, na qual a primeira fase demonstra a criação do grupo denominado “Vingadores” selecionados por Nick Fury, interpretado por Samuel L. Jackson, finalizando-se na batalha épica em Nova York contra Loki e o exército de Thanos. Na segunda fase do universo cinematográfico da Marvel, o filme “Homem de ferro 3” marca mais uma vez o início da segunda fase, na qual os heróis recebem novos aliados como: Feiticeira escarlate, Homem formiga (Scott lang), Visão e Guardiões da Galáxia. Aos poucos, o enredo demonstrava o caminho no qual Tony stark e Steve Rogers iriam se destinar até a terceira fase, foi então que o primeiro filme da terceira fase se originou: “Capitão América: Guerra Civil”, dividindo os vingadores em dois grupos, o grupo de Tony e o grupo de Steve. A terceira fase também introduziu novos heróis, O mago supremo: Dr. Estranho, o rei de Wakanda: Pantera Negra, o tão amado e conhecido amigo da vizinhança: Homem Aranha, a filha da Vespa original (Janet Van Dyne) e Homem formiga original (Hank Pym): Vespa (Hope Van Dyne) e a Incrível e poderosa Capitã Marvel.

Por mais que os heróis tenham lutado entre si em “Capitão América: Guerra Civil”, deixaram seus sentimentos de lado para proteger a terra e consequentemente, o universo. Thanos sempre foi a grande ameaça de todo o UCM, em todas as fases do UCM era possível notar que a ameaça Thanos era eminente,. Em Guerra infinita, os heróis uniram-se novamente contra a Ordem Negra de Thanos e o próprio, que tinha o objetivo principal de conseguir todas as joias do infinito e dizimar metade da população com a finalidade de balancear o universo, diferente das HQs, na qual a finalidade de seus atos era agradar seu grande amor: A morte. O sucesso do plano de Thanos de demonstrou que os vingadores deveriam fazer algo para consertar o que já havia sido feito. Foi então que com a aparição do homem formiga no futuro, os heróis não perderam as esperanças de consertar aquilo que Thanos realizara.

Vingadores Ultimato marca a saída de Robert Downey Jr. do papel de Homem de ferro, e Chris Evans do papel de Capitão América do elenco. Os heróis juntamente com Thor interpretado por Christopher Hemsworth, era reconhecida como “A trindade da Marvel”, desde sua inclusão nos vingadores, Tony Stark tem demonstrado um grande crescimento emocional, um homem orgulhoso se tornou aquele que se sacrificaria pelo bem de todos. Em todos os filmes, cada vingador deu tudo de si para a proteção do planeta terra, Steve Rogers sonhava em ter a dança que havia prometido à Peggy Carter, com a morte de Peggy, Steve não pôde cumprir sua promessa. Ao viajar ao passado, Steve teve a chance de cumprir sua promessa, e Tony pôde conhecer seu pai: Howard Stark. De acordo com os irmãos russo, o longa dá uma atenção maior aos vingadores iniciais, principalmente à trindade da Marvel.

O longa marcou uma geração inteira, desde crianças até adultos, diretores, roteiristas e escritores. O longa permanecerá no coração de muitos durante um bom tempo, se tornando também o melhor filme de herói de todos os tempos. O longa ganhou vários prêmios no MTV MOVIE AWARDS, tais como: Melhor filme, melhor herói e melhor vilão. O cinema se lembrará de Vingadores Ultimato, o sucesso e a bilheteria do filme, a Marvel ainda realizará mais filmes, porém, será que algum deles alcançará ou ultrapassará o sucesso de vingadores ultimato?

O post Vingadores Ultimato – Um marco na história do cinema apareceu primeiro em Tecnoveste.

No conto do século retrasado, o Bandersnatch, tem aparência nefasta e assustadora. Sobre seu longo pescoço, sustenta maxilares poderosíssimos e que têm a capacidade de dar mordidas devastadoramente rápidas.

Este episódio de Black Mirror, foi escrito por Charlie Brooker e dirigido por David Slade – de Breaking Bad e American Gods, entre outros. A história acompanha o personagem principal, Stefen Butler, interpretado por Fionn Whitehead, de 21 anos de idade.

O cenário em que o episódio se passa é uma tecnologia retrô distópica, onde a dúvida e a dialética permeiam a história e transbordam os questionamentos dos personagem aos espectadores da série. Os espectadores, por sua vez, tem a opção de escolher sempre entre duas opções ou deixar a história de desenrolar sozinha. 

Stefen Butler é um programador de jogos que, na década de 1970/1980, criar um jogo ao estilo RPG dentro das possibilidades computacionais da época. Seus problemas psicológicos começaram desde cedo e foram agravados pela trágica morte da sua mãe em um acidente de trem pelo qual ele se culpa.

Cheio de referências visuais a outros episódios e “easter eggs” para quem assiste às alternativas de continuidade, o enredo acompanha as decisões do personagem principal como se as decisões tomadas pelo espectador fosse a “voz” que atormenta a cabeça do jovem Stefen. O assinante do Netflix é colocado de frente com decisões que, ora mudam completamente o rumo da história, ora adicionam apenas um temperinho.

.

É importante notar, no entanto, que há algumas “ruas sem saída” e quando o espectador escolhe um caminho não planejado pelo diretor e roteirista do episódio, ele se vê obrigado a voltar a um ponto nodal de onde possibilidades mais frutíferas podem sair. De maneira similar ao jogo criado pelo jovem Butler, há uma pretensa sensação de liberdade e esse é o maior questionamento que o episódio incita.

As discussões sobre o episódio estão pegando fogo nas interwebz e quem sai ganhando é a Netflix, não só porque criou um episódio memorável do ponto de vista cinematográfico, mas porque conseguiu aumentar o tempo de engajamento dos usuários em sua plataforma e, de quebra, fez transbordar para fora da plataforma o envolvimento do público – não somente com o episódio mas – com a toda a série.

O post Black Mirror: Bandersnatch – tudo o que você precisa saber apareceu primeiro em Tecnoveste.

Dirigido por Ryan Coogler, este que é o décimo oitavo filme no Universo Cinemático Marvel, parte do guião escrito por Ryan Coogler e Joe Robert Cole. O papel principal, o personagem T’Challa ou Pantera Negra é interpretado por Chadwick Boseman e do restante elenco constam Michael B. Jordan, Lupita Nyong’o, Danai Gurira, Martin Freeman, Daniel Kaluuya, Letitia Wright, Winston Duke, Angela Bassett, Forest Whitaker, e Andy Serkis.

Quanto ao enredo, sabe-se que Tchalla, coroado rei de Wakanda, regressa a casa, mas esperam-no inimigos de longa data para um conflito com consequências à escala mundial. Nesta sequela dos acontecimentos de Capitão América: Guerra Civil, Tchalla, como Pantera Negra, terá que contar com o apoio do agente da CIA Everett K. Ross, bem como membros da Dora Milaje, as forças especiais de Wakanda, de modo a evitar uma guerra mundial.

O processo de filmagens teve início em Janeiro de 2017 nos estúdios Pinewood Atlanta e EUE Screen Gems, tendo havido filmagens feitas em alguns bairros em Atlanta, mas houve também partes adicionais filmadas na Coreia do Sul, que serviu de cenário à cena de perseguição dos carros, tendo chegado mesmo a contratar estudantes e antigos estudantes de universidades locais para integrar o staff de centenas de membros, enquanto assistentes.

Coogler e Moore admitem as influências dos filmes dos anos 70 tais como as obras de Coppola, e inspiraram-se ainda em filmes como O Profeta, o Padrinho e James Bond. Com a intenção de obter o melhor dos dois mundos, construindo um filme de drama operático familiar e de espionagem.

O post Tudo o que você precisa saber sobre o filme Pantera Negra apareceu primeiro em Tecnoveste.